Aktuelles Kinoprogramm

Weil der achtjährige Ahmed aus Versehen das Aufgabenheft seines Freundes Mohamed eingesteckt hat, dem dafür eine Bestrafung droht, macht Ahmedsich auf den Weg ins Nachbardorf, um seinem Freund das Heft zu bringen. Kiarostami setzt die einfache Geschichte von Ahmeds Odyssee in klare Bilder, in die er ebenso eine durchaus sichtbare Gesellschaftskritik einfließen lässt.. Ein Klassiker des neuen iranischen Kinos.

Der New Yorker Fotograf Nathan Farb hatte mit seiner Kamera 1977 beim Besuch in Nowosibirsk viele junge Leute und Familien porträtiert. Gemeinsam mit Farb entwickelte Regisseur Nathaniel Knop den wagemutigen Plan, die Menschen, die er damals ablichtete, heute noch einmal zu besuchen. Farb reist also erneut nach Sibirien, diesmal zusammen mit den Frankfurter Kinobrigada-Helden Nathaniel Knop und Peter Rippl, im Gepäck Foto- und Filmkameras.

Mauricio ist einer der Glücklichen, die von ihrer Musik eigentlich ganz gut leben können. Vollkommen zufrieden ist der Rock’n’Roll-Musiker mit seiner Lage zwischen Kunst und Kommerz jedoch nicht: Um nach musikalischer Inspiration zu suchen, begibt er sich auf eine Reise nach Argentinien, wo er die Chacarera-Legende Carlos Carabajal trifft. Dieser zeigt ihm neben einer anderen Art, Musik zu machen auch eine neue Perspektive auf das Leben. Für eine Weile vermischen sich die Lebens- und Schaffenswege der beiden Musiker.

Edgar Reitz begibt sich zurück zu seinen pionierhaften Benühungen in den 1960er Jahren, den Film und seine Ästhetik erstmals als eigenes Schulfach zu unterrichten. Jahrzehnte später wird der mittlerweile durch seine HEIMAT-Reihe weltberühmt gewordene Regisseur von einer ehemaligen Schülerin des Mädchengymnasiums auf den Unterricht angesprochen und sie beschließen ein Klassentreffen.

Der Dokumentarfilm zeigt spektakuläre Flug- und Bewegungsaufnahmen von Vögeln, indem er ein Jahr lang unterschiedliche Vogelarten auf ihren Reisen zwischen Brut- und Überwinterungsplätzen durch die ganze Welt folgt. Eine Hommage an die Wunder der Natur.

1969. Ein blutiger Befreiungskrieg hat Guinea-Bissau entzweigerissen. Während es junge Männer wie Nome zu den Guerilla-Truppen zieht, um gegen die portugiesische Kolonialmacht zu kämpfen, bleiben die Frauen in ihren Dörfern zurück. Die schwangere Nambú muss auf den Schutz eines Naturgeistes hoffen, um zu überleben. Zwischen bedrohlichen Archivaufnahmen und gewaltigen Bildern des Regenwalds entscheidet sich das Schicksal eines Landes. Aber noch viel wichtiger: Die Zukunft seiner Bewohner:innen.

Die Zukunft lässt sich zwar nicht vorhersagen, doch das ist kein Grund, es im Experimentalfilm nicht doch zu versuchen: Reflektionen auf 16mm, Video und in 3D über die Erfahrung von Zeit, das Spiel mit Erwartungen und den Wunsch, ein „neues Sehen“ zu entwickeln. No Future widmet sich verschiedenen Facetten der Zukunft von den 1920ern bis in die Gegenwart der 2020er Jahre.

WINDOW WATER BABY MOVING (US 1959. Stan Brakhage. 12 Min. 16mm)
A MOVIE (US 1958. Bruce Conner. 12 Min. 16mm)
DER NARRATIVE FILM (BRD 1989. Uli Sappock. 4 Min. 16mm)
ATOMIC GARDEN (BR/PT 2018. Ana Vaz. 8 Min. DCP)
FAUST AUF’S AUGE (BRD 1987. Angelika Levi, Antje Schäfer. 5 Min. Digital)
ÉTUDE CINÉGRAPHIQUE SUR UNE ARABESQUE (FR 1929. Germaine Dulac. 7 Min. 35mm)
LABERINT SEQUENCES (US 2023. Blake Williams. 20 Min. 3D-DCP)

Regelmäßig fährt Elisabeth mit dem „Rheingold“-Express von ihrer Heimatstadt Düsseldorf nach Genf, wo ihr Mann im diplomatischen Dienst beschäftigt ist. Auf einer dieser Fahrten begegnet sie ihrem Jugendfreund Wolfgang wieder, welcher dort als Angestellter der Speisewagengesellschaft tätig ist. Beide verlieben sich heftig ineinander, und fortan hängen ihre Rendezvous vom Fahrplan ab. Doch der eifersüchtige Ehemann kommt dahinter… RHEINGOLD ist nicht nur ein stilreines Melodrama um große Gefühle, sondern auch eine inszenatorisch-logistische Meisterleistung: Die Dreharbeiten fanden in einem von der Deutschen Bundesbahn angemieteten Abteilwaggon statt, der an den TEE „Rheingold“ angehängt wurde; der Dreh verschiedener Szenen musste dabei sekundengenau mit Außenansichten, etwa bestimmten Brücken, synchronisiert werden.

Los Angeles: Als Folge mehrerer Schicksalsschläge, rassistischer Benachteiligung und allgemeiner Chancenlosigkeit sehen sich vier Freundinnen dazu gezwungen, einen Bankraub zu begehen. Nachdem der erste Überfall erfolgreich verläuft, wollen die Frauen immer mehr Geld, doch dadurch geraten sie in noch größere Schwierigkeiten. Der vorwiegend weiblich besetzte Heist-Film überzeugt mit spannender Action und einem fetzigen Hip-Hop- und R&B Soundtrack, zudem verkörpert die erfolgreiche Rapperin Queen Latifah eine der Protagonistinnen.

Schon als Kinder fordern sich Julien und Sophie mit waghalsigen Mutproben und Wetten gegenseitig heraus. Auch als Erwachsene halten die beiden noch an ihrem Kinderspiel fest, wobei dieses immer extremere Ausmaße annimmt. Durch ihr Wetteifern lenken sie sich von einer Wahrheit ab, die sich nach und nach offenbart: dass sie vielleicht doch wie füreinander geschaffen sind. Die mit Marion Cotillard und ihrem späteren Ehemann Guillaume Canet in den Hauptrollen besetzte romantische Komödie kam auch in den USA in den Vertrieb und verhalf so ihrer Hauptdarstellerin zum internationalen Durchbruch.

Regisseur Edward Yang zeichnet das Leben einer Mittelstandsfamilie in Taipeh aus der Perspektive des Vaters, der Tochter und des Sohnes. Mit Feingefühl und tiefgründigem Humor erschließt sich der komplexe Mikrokosmos einer Familie und der Stadt, in der sie lebt. Ein Monumentalwerk der leisen Klänge.

Der letzte Teil von Rays Apu-Filmtrilogie zeigt den titelgebenden Protagonisten als jungen Erwachsenen, der nach dem Studienabschluss in Kolkata unter ärmlichen Verhältnissen lebt und dort versucht, Schriftsteller zu werden. Über einen Freund lernt er die junge Aparna kennen und eine Verkettung von Zufällen führt dazu, dass sich die beiden näherkommen. „APUR SANSAR [...] zeichnet ein Bild häuslichen Glücks inmitten wirtschaftlicher Not. Zugleich verwandelt sich der Reichtum der Natur aus den ersten beiden Filmen hier in ein Gefühl von Ödnis. Zu verstehen ist diese doppelte Spannung auch vor dem Hintergrund der Entstehung einer neuen Form des Melodramas in den 1950er Jahren.“ (Moinak Biswas)

Restored by the Satyajit Ray Preservation Project through a collaboration of the Academy Film Archive, the Merchant-Ivory Foundation, The Film Foundation, and the Packard Humanities Institute. Print courtesy of the Academy Film Archive.

In einer von einem teuflischen Bürgermeister regierten Stadt kann nur noch ein Wesen den alten botanischen Garten vor dem Abriss zugunsten eines neuen Vergnügungsparks bewahren: der blaue Tiger. Nun ist es an Johanka und Matyáš, den Tiger vor den bösen Fängen des Bürgermeisters und seiner Schergen zu bewahren und den Garten zu retten.

Los Angeles: Als Folge mehrerer Schicksalsschläge, rassistischer Benachteiligung und allgemeiner Chancenlosigkeit sehen sich vier Freundinnen dazu gezwungen, einen Bankraub zu begehen. Nachdem der erste Überfall erfolgreich verläuft, wollen die Frauen immer mehr Geld, doch dadurch geraten sie in noch größere Schwierigkeiten. Der vorwiegend weiblich besetzte Heist-Film überzeugt mit spannender Action und einem fetzigen Hip-Hop- und R&B Soundtrack, zudem verkörpert die erfolgreiche Rapperin Queen Latifah eine der Protagonistinnen.

Leos Carax‘ exzentrische Rock-Oper Annette erzählt die Geschichte der tragischen Liebe zwischen Henry, einem selbstzerstörerischen Comedian, und Ann, einer berühmten Opernsängerin. Nach der Geburt ihrer gemeinsamen Tochter – im Film ein wundersames, puppenartiges Wesen – entwickeln sich die Karrieren der beiden Stars in unterschiedliche Richtungen: Während Ann vor ausverkauftem Haus singt, steckt Henry in einer beruflichen Krise und verliert zunehmend an Popularität. Neben der Musik der Art-Pop-Gruppe Sparks wird der Film vor allem von Adam Driver und Marion Cotillard in den Hauptrollen getragen.

Die 17-jährige Lora muss mit dem Tod ihres Vaters fertig werden. Ihre Familie und die Dorfgemeinschaft erwarten, dass sie sich der Trauer hingibt: Von nun an muss sie Schwarz tragen, verschiedene Trauerrituale einhalten und darf keine Musik hören. Lora möchte weiterhin ihre Jugend genießen, doch ihr Wunsch, ein normales Leben zu führen, wird durch das Urteil der anderen gestört, die sie in die Rolle einer Waise zu zwingen versuchen.

Vom Bordell der Großmutter bis hin zu den großen Konzertbühnen in New York: Episodenhaft erzählt LA MÔME die bewegende Geschichte der legendären französischen Sängerin Édith Piaf, die auf ihrem steinigen Weg zum Welterfolg und darüber hinaus immer wieder von persönlichen Tragödien verfolgt wurde. Piafs Leben inszeniert Olivier Dahan dabei als stetigen Kampf zwischen Singen und Überleben. Für ihre Darstellung der exzentrischen Sängerin wurde Marion Cotillard mit dem Oscar® als beste Hauptdarstellerin sowie mit dem Gloden Globe und dem César ausgezeichnet.

MOUNTAIN ist das beeindruckende Ergebnis der filmischen und musikalischen Zusammenarbeit der gefeierten Regisseurin Jennifer Peedom mit dem renommierten Australian Chamber Orchestra. MOUNTAIN wirft einen Blick auf die von Rückschlägen und Erfolgen geprägte Beziehung zwischen den Menschen und der Bergwelt. Der Dokumentarfilm beleuchtet einerseits die unschuldigen Anfänge der Bergerkundung mit all der ihr innewohnenden Freude, dem Nervenkitzel und der Gefahren, andererseits die Bedeutung der Berge als spirituelle Symbole, als Grenzgebiete und Kriegsschauplätze. Aber auch ihre zunehmende Kommerzialisierung, unsere mannigfaltigen Versuche sie zu kontrollieren und ihre zentrale Rolle im Ökosystem unseres Planeten kommen nicht zu kurz. Jennifer Peedom hat neben den von ihr kuratierten Aufnahmen selbst neues Material von Bergstämmen in den entlegenen Regionen von Papua-Neuguinea und Japan produziert. Vom Himalaya bis in die Antarktis, von Hawaii nach Afghanistan bietet der Film eine beispiellos bildgewaltige Kulisse.

In einer von einem teuflischen Bürgermeister regierten Stadt kann nur noch ein Wesen den alten botanischen Garten vor dem Abriss zugunsten eines neuen Vergnügungsparks bewahren: der blaue Tiger. Nun ist es an Johanka und Matyáš, den Tiger vor den bösen Fängen des Bürgermeisters und seiner Schergen zu bewahren und den Garten zu retten.

Der letzte Teil von Rays Apu-Filmtrilogie zeigt den titelgebenden Protagonisten als jungen Erwachsenen, der nach dem Studienabschluss in Kolkata unter ärmlichen Verhältnissen lebt und dort versucht, Schriftsteller zu werden. Über einen Freund lernt er die junge Aparna kennen und eine Verkettung von Zufällen führt dazu, dass sich die beiden näherkommen. „APUR SANSAR [...] zeichnet ein Bild häuslichen Glücks inmitten wirtschaftlicher Not. Zugleich verwandelt sich der Reichtum der Natur aus den ersten beiden Filmen hier in ein Gefühl von Ödnis. Zu verstehen ist diese doppelte Spannung auch vor dem Hintergrund der Entstehung einer neuen Form des Melodramas in den 1950er Jahren.“ (Moinak Biswas)

Restored by the Satyajit Ray Preservation Project through a collaboration of the Academy Film Archive, the Merchant-Ivory Foundation, The Film Foundation, and the Packard Humanities Institute. Print courtesy of the Academy Film Archive.

Schon als Kinder fordern sich Julien und Sophie mit waghalsigen Mutproben und Wetten gegenseitig heraus. Auch als Erwachsene halten die beiden noch an ihrem Kinderspiel fest, wobei dieses immer extremere Ausmaße annimmt. Durch ihr Wetteifern lenken sie sich von einer Wahrheit ab, die sich nach und nach offenbart: dass sie vielleicht doch wie füreinander geschaffen sind. Die mit Marion Cotillard und ihrem späteren Ehemann Guillaume Canet in den Hauptrollen besetzte romantische Komödie kam auch in den USA in den Vertrieb und verhalf so ihrer Hauptdarstellerin zum internationalen Durchbruch.

Hans Herforth findet in seinem Leben schon lange keinen Sinn mehr. Nur der Mut zum Suizid fehlt ihm. Bei seinem neuesten Selbstmordversuch wird er obendrein von einem Einbrecher gestört – doch er fasst einen Plan: Der Kriminelle soll ihn innerhalb der nächsten zwölf Stunden umbringen und als Belohnung seine Lebensversicherung kassieren. Als sich Hans in der Kneipe seinen letzten Schnaps genehmigen will, verliebt er sich Hals über Kopf in die bezaubernde Kitty und fasst neuen Lebensmut. Nun muss er allerdings seinen Mörder finden, der schon den Plan für die Tat ausheckt... Überliefert ist nur die gut 53-minütige Fassung von 1933, JIM, DER MANN MIT DER NARBE.

Eingebettet in Särgen erreichen neue Schülerinnen ein abgeschiedenes Internat, so auch die junge Iris. Die Lehrerinnen Eva – eindrücklich gespielt von Marion Cotillard – und Edith weisen sie und die anderen Mädchen in den sonderbaren Lehrplan der Institution ein: Komplett in weiß gekleidet werden feenhafte Tänze im Wald abgehalten. Doch bei Einbruch der Nacht erhalten die Mädchen eine weitere, dunklere Unterweisung. Basierend auf Wedekinds unvollendeter Erzählung Mine-Haha oder Über die körperliche Erziehung der jungen Mädchen erkundet INNOCENCE in trance-ähnlichen Bildern märchenhafte Abgründe und das Konzept der weiblichen Unschuld.

Ulrike Pfeiffers Film ist ein Portrait von Werner Nekes sowohl als Filmemacher als auch als Sammler von Objekten zur Evolution des Sehens. Beiden Tätigkeiten lag ein gemeinsames Interesse zugrunde: das an der Erforschung der Möglichkeiten und Entwicklungslinien der visuellen Wahrnehmung der Welt durch die Menschen. Denn wie diese ihre Umgebung sehen, prägt auch ihr Verständnis von ihr entscheidend. Neben Nekes kommen auch Mitarbeiter und Weggefährten in dem Film zu Wort, darunter Helmut Herbst, Anthony Moore und Helge Schneider. Unter anderem wird erklärt, welche technischen Vorrichtungen Nekes für seine Filmaufnahmen gebaut hat und wie sich dadurch im Film eine natürliche Landschaft in ein künstlerisches Bild verwandelt.

Die achtjährige Nelly reist gemeinsam mit ihrer Mutter und ihrem Vater aufs Land. Ihre Eltern müssen dort das Haus der kürzlich verstorbenen Großmutter ausräumen und Nelly zieht sich immer wieder zum Spielen in den nahegelegenen Wald zurück. Während ihre Mutter von dem Verlust schwer getroffen ist und eines Tages unvermittelt abreist, lernt Nelly ein gleichaltriges Mädchen kennen, das ihr bald schon sehr vertraut wird. Nach dem großen Erfolg von PORTRAIT DE LA JEUNE FILLE EN FEU ist Céline Sciamma mit PETITE MAMAN ein im besten Sinn kleiner, bescheidener Film gelungen. Ein Werk des magischen Realismus, das dem kindlichen Erleben und der grenzüberschreitenden Kraft der Fantasie Raum gibt.

DIWAN ist eine Anthologie von fünf Kurzfilmen Nekes‘: SUN-A-MUL, ALTERNATIM, KANTILENE, MOTO und HYNNINGEN. In ihnen sind Landschaften oder Häuser in Skandinavien und England samt der Menschen darin zu sehen. Verbunden sind die Kurzfilme durch ähnliche visuelle Strategien, nämlich Techniken wie Mehrfachbelichtungen, Einzelbildaufnahmen und versetzte Aufnahmewinkel. Dazu kommt auf der Tonebene eine hypnotisch sirrende Musik von Anthony Moore. DIWAN gelingt, eine völlig neuartige räumliche und zeitliche Wahrnehmung einer scheinbar unspektakulären Umgebung, die er somit in ein magisches Erlebnis verwandelt.

MONIHARA, der zweite Teil von Rays Episodenfilm TEEN KANYA, erzählt eine Schauergeschichte um eine Frau, die ihren Mann dazu bringt, ihr immerfort neuen Schmuck zu kaufen. Während er hofft, die Liebe seiner Frau zurückzugewinnen, nimmt ihre Beziehung zunehmend obsessive Züge an. „Satyajit Ray nimmt in der Forschung zum indischen Kino eine zentrale Stellung ein. Meist werden seine Filme unter den Gesichtspunkten von Humanismus und Realismus gelesen. DEVI und MONIHARA, das Mittelstück des Episodenfilms DIE DREI TÖCHTER und Rays einziger Horror-Film, bieten eine Gelegenheit, über das Unheimliche und Nicht-Menschliche in seinem Werk nachzudenken.“ (Meheli Sen)

Restored by the Satyajit Ray Preservation Project through a collaboration of the Academy Film Archive, the Merchant-Ivory Foundation, The Film Foundation, and the Packard Humanities Institute. Print courtesy of the Academy Film Archive.

Der neunjährige Icare, der Zucchini genannt werden möchte, lebt seit kurzem im Heim, wo die Betreuer:innen den Kindern liebevoll Obhut bieten. Und dann ist da auch noch der symphatische Polizist Raymond, der sich Zucchinis Fall annimmt. Das Drehbuch zu dem tiefsinnigen Oscar®- und Golden Globe- nominierten Animationsfilm stammt von Céline Sciamma.

Im Detroit der 1990er Jahre versucht sich der weiße Rapper Jimmy „B-Rabbit“ Smith Jr. in der Battlerap-Szene der Stadt einen Namen zu machen, um seinen schwierigen Familienverhältnissen und der Armut seiner Wohnwagensiedlung zu entfliehen. Die Handlung ist grob der Lebensgeschichte des berühmten Rappers Eminem nachempfunden, der auch selbst in die Hauptrolle schlüpft. Für den Titelsong „8 Mile“ konnte Eminem als erster Rapper einen Oscar® für den besten Filmsong gewinnen.     

„Das Albernste, was ich jemals gemacht habe“ (Werner Nekes). JOHNNY FLASH ist Musik-Groteske, Ruhrgebiets-Klamotte und Experimentalfilm in einem. Im Mittelpunkt steht die Figur eines ungeschickten Elektrikers, der sich zu Höherem berufen fühlt und Schlagersänger werden will. Das passende Lied hat er auch schon komponiert: „Liebe ist nicht peinlich“. Seine allgegenwärtige Mutter, ein Künstleragent und eine Fernsehredakteurin glauben auch an ihn – die ersten beiden gespielt, wie noch etliche andere Figuren des Films, vom selben Darsteller. Den angehenden Popstar Johnny Flash dagegen spielt – in seiner ersten Filmrolle – Helge Schneider. Und es gibt, bis hin zum Schlussbild, eine Fülle von filmhistorischen Anspielungen.

Eine Zeitreise ins Neue Frankfurt der 1920er Jahre: Die sechs stummen Kurzfilm-Raritäten von Paul Wolff sind wertvolle Zeitdokumente, die einen Einblick in die damalige Stadtplanung, Architektur und Lebenswelt geben.

Die Filme im Einzelnen:

IN LUFT UND LICHT - LUFTBADEPFLEGE IN FRANKFURT A. M.
Deutschland 1925. R: Paul Wolff. 11 Min. DCP

DIE EINWEIHUNG DER NEUEN „ALTEN BRÜCKE“ IN FRANKFURT AM MAIN AM 15. AUGUST 1926
Deutschland 1926. R: Paul Wolff. 21 Min. DCP

NEUES BAUEN IN FRANKFURT/M.
Deutschland 1927. R: Paul Wolff. 11 Min. DCP

DIE FRANKFURTER KÜCHE
Deutschland 1927. R: Paul Wolff. 8 Min. DCP

DIE HÄUSERFABRIK DER STADT FRANKFURT A.M.
Deutschland 1928. R: Paul Wolff. 11 Min. DCP

DIE FRANKFURTER KLEINSTWOHNUNG
Deutschland 1928. R: Paul Wolff. 6 Min. DCP

Der neunjährige Icare, der Zucchini genannt werden möchte, lebt seit kurzem im Heim, wo die Betreuer:innen den Kindern liebevoll Obhut bieten. Und dann ist da auch noch der symphatische Polizist Raymond, der sich Zucchinis Fall annimmt. Das Drehbuch zu dem tiefsinnigen Oscar®- und Golden Globe- nominierten Animationsfilm stammt von Céline Sciamma.

Durch eine Spekulation geht Richard Curtius pleite. Da trifft es sich, dass seine Frau Otti von einer reichen Tante geerbt hat. In Wahrheit tritt sie aber als Varietétänzerin auf, während ihr Ehemann von ihrem Doppelleben nichts mitbekommt. Doch eines Tages steht die vermeintlich tote Tante plötzlich vor der Haustür … Holger-Madsens Komödie ist der einzige Film, den Schauspielerin und Filmstar Ruth Weyher mit ihrer eigenen Produktionsfirma realisiert hat.

Als sich Ingeborg Bachmann und der Schweizer Schriftsteller Max Frisch 1958 in Paris begegnen, ist es der Anfang einer leidenschaftlichen Liebesgeschichte. Vier Jahre lang führen beide eine Beziehung, die in Paris beginnt und über Zürich nach Rom führt. Doch künstlerische Auseinandersetzungen und die verschlingende Eifersucht von Max Frisch beginnen, die Harmonie allmählich zu zerstören. Doch die Erinnerungen an die Liebe bleiben: Bei einer Reise in die Wüste versucht die gefeierte Autorin, die gescheiterte Beziehung zu verarbeiten und sich langsam davon zu lösen.

13 RUE MADELEINE war der zweite Spielfilm, den Louis de Rochemont, zuvor Produzent der bahnbrechenden Time-Life-Wochenschauserie THE MARCH OF TIME, im seinerzeit so genannten „semi-dokumentarischen Stil“ produzierte. Das waren Filme, die auf realen Ereignissen beruhten und on location gedreht wurden. In diesem Fall handelt es sich um eine Spionagegeschichte aus dem Zweiten Weltkrieg. Drei Personen werden vom Geheimdienst der US-Armee für einen Spezialeinsatz in Holland und Frankreich trainiert. Einer von ihnen ist aber ein Nazi-Agent; er wird trotzdem mitgenommen, damit er falsche Informationen über Zeitpunkt und Ort der geplanten Invasion am D-Day weitergibt. Der Film wurde fast komplett außerhalb des Studios gedreht, wobei Drehorte in Neuengland und Québec für die Locations in London und Frankreich stehen.

Ein kleiner Trupp von Rotarmisten hält Sultan-Nazar, einen wichtigen Ideologen der Basmatschi-Bewegung in Turkestan, gefangen. Sie haben den Auftrag, ihn nach Duschanbe auszuliefern, um die dortigen Basmatschi, Aufständische gegen die bolschewistischen Machthaber, zur Niederlegeung ihrer Waffen zu zwingen. Der Transport des Gefangenen wird dem Bergsteigerjäger Mirzo anvertraut. Chamrajew drehte sein bildmächtiges Werk, der als Abenteuerfilm angelegt ist, mit den drei männlichen Hauptdarstellern aus Tarkowskis fast zeitgleich entstandenem STALKER, weshalb er oft mit ihm verglichen wurde.

ULIISSES (sprich: Uli-isses), wohl der bekannteste und erfolgreichste Film von Werner Nekes, ist eine filmische Hommage an den Roman Ulysses von James Joyce ebenso wie eine Odyssee durch die Geschichte des Kinos. Es gibt hier aber nicht nur den homerischen Odysseus und den Joyceschen Ulysses, sondern auch den Fotografen Uli aus dem Ruhrgebiet. Mit den dreien unternimmt der Film gewissermaßen eine Irrfahrt durch die Geschichte des Lichts von der Antike bis zum modernen Kino, an einem einzigen Tag im Ruhrgebiet. Nekes führt dabei ebenso lehrreich wie vergnüglich Techniken des bewegten Bildes vor, vom optischen Spielzeug des 19. Jahrhunderts bis zur computergesteuerten Aufnahme. ULIISSES ist eine wahrhaft abenteuerliche Reise geworden.

Im Detroit der 1990er Jahre versucht sich der weiße Rapper Jimmy „B-Rabbit“ Smith Jr. in der Battlerap-Szene der Stadt einen Namen zu machen, um seinen schwierigen Familienverhältnissen und der Armut seiner Wohnwagensiedlung zu entfliehen. Die Handlung ist grob der Lebensgeschichte des berühmten Rappers Eminem nachempfunden, der auch selbst in die Hauptrolle schlüpft. Für den Titelsong „8 Mile“ konnte Eminem als erster Rapper einen Oscar® für den besten Filmsong gewinnen.     

Die achtjährige Nelly reist gemeinsam mit ihrer Mutter und ihrem Vater aufs Land. Ihre Eltern müssen dort das Haus der kürzlich verstorbenen Großmutter ausräumen und Nelly zieht sich immer wieder zum Spielen in den nahegelegenen Wald zurück. Während ihre Mutter von dem Verlust schwer getroffen ist und eines Tages unvermittelt abreist, lernt Nelly ein gleichaltriges Mädchen kennen, das ihr bald schon sehr vertraut wird. Nach dem großen Erfolg von PORTRAIT DE LA JEUNE FILLE EN FEU ist Céline Sciamma mit PETITE MAMAN ein im besten Sinn kleiner, bescheidener Film gelungen. Ein Werk des magischen Realismus, das dem kindlichen Erleben und der grenzüberschreitenden Kraft der Fantasie Raum gibt.

Wohl niemals bis dahin wurde in einem Spielfilm der Krieg so sehr als Hölle auf Erden gezeigt wie in den Anfangsszenen von SAVING PRIVATE RYAN. Dargestellt wird hier die Landung der Alliierten am Omaha Beach; Captain Miller verliert dabei die meisten Männer seiner Einheit. Danach wird er mit einer Spezialmission beauftragt: Da innerhalb einer Woche drei der vier kämpfenden Ryan-Brüder gefallen sind, soll der vierte vor diesem Schicksal bewahrt werden; er befindet sich aber hinter den feindlichen Linien. Steven Spielbergs Film entwickelt sich so immer mehr zu einer komplexen und vielschichtigen Studie über das, was im Krieg als heroisches Verhalten gilt, über die unauflöslichen Widersprüche, die damit verbunden sind, und über die Absurdität des Krieges – ein Soldat wird symbolisch gerettet, während Tausende sterben.

Pascal, ein kleiner Junge in Paris, findet eines Morgens einen großen roten Luftballon. Von nun an weicht der Ballon nicht mehr von seiner Seite. Das eigenwillige Verhalten seines neuen Gefährten bringt Pascal in heikle Situationen.

Die Regisseurin Anni Seitz spürt dem Leben und Werk ihres Großvaters Franz „Buba“ Seitz nach, der als Produzent für Volker Schlöndorffs DIE BLECHTROMMEL (DE/FR 1979) einen Oscar erhielt und das deutsche Nachkriegskino mit Filmen wie DIE LÜMMEL VON DER ERSTEN BANK (BRD 1968. R: Werner Jacobs) oder LAUSBUBENGESCHICHTEN (BRD 1964. R: Helmut Käutner) geprägt hat. Der Dokumentarfilm gibt Einblick in persönliche Dokumente, lässt Weggefährt:innen wie Volker Schlöndorff, Uschi Glas oder Hans Kraus zu Wort kommen und erzählt dabei auch von der Geschichte des deutschen Films seit den 1950er Jahren.

Die Erstaufführung von Guy Debords Verfilmung seines Buches Die Gesellschaft des Spektakels (1967) in Paris jährt sich am 1. Mai zum 50. Mal. Die Montage aus zusammengeklauten Hollywood-Klassikern, Polit-Dokus und „Striptease“-Sequenzen wollte eine proletarische „Reprise“ des Pariser Mai-Aufstands von 1968 anregen, endete jedoch in einer filmpublizistischen Nische (einem Pariser Privatkino nur für die Antifilme Debords bis in die 1980er). Der Film wurde in Frankfurt am Main zuletzt vor etwa 20 Jahren rezipiert und muss als filmische Umsetzung eines hegelmarxistischen Theorie-Avantgarde-Anspruchs („Das Spektakel ist das Kapital, das einen derartigen Akkumulationsgrad erreicht hat, dass es zum Bild wird.“) auch heute noch brüskieren. Zum Vorverständnis deshalb mit einer kurzen kritischen Einführung.

STRAIGHT OUTTA COMPTON erzählt die Erfolgsgeschichte der berühmt-berüchtigten Westcoast-Rapformation N.W.A, bestehend aus Dr. Dre, Easy-E, Ice Cube, MC Ren und DJ Yella, die mit ihren aggressiv-kontroversen, politisch aufgeladenen Texten und durch ihre Auseinandersetzungen mit der Polizei den Gangsterrap popularisierten. Mit brutalen Beats und starken schauspielerischen Leistungen wird einem zentralen Moment der amerikanischen Hip-Hop-Geschichte ein würdiges und unterhaltsames Denkmal gesetzt.   

Im 18. Jahrhundert erhält eine Malerin den Auftrag, auf einer bretonischen Insel das Porträt einer jungen Frau für deren zukünftigen Ehemann anzufertigen. Nach einem zögerlichen Kennenlernen kommen sich die beiden Frauen näher und erleben im Schutz der Arbeitsbeziehung eine ebenso intensive wie zu kurzer Dauer verurteilte Liebe. Der vielfach prämierte Film eröffnet in erlesen fotografierten Bildern und mit beeindruckenden Darstellerinnen eine dezidiert weibliche Perspektive auf gesellschaftliche Zwänge.

Pascal, ein kleiner Junge in Paris, findet eines Morgens einen großen roten Luftballon. Von nun an weicht der Ballon nicht mehr von seiner Seite. Das eigenwillige Verhalten seines neuen Gefährten bringt Pascal in heikle Situationen.

Im 18. Jahrhundert erhält eine Malerin den Auftrag, auf einer bretonischen Insel das Porträt einer jungen Frau für deren zukünftigen Ehemann anzufertigen. Nach einem zögerlichen Kennenlernen kommen sich die beiden Frauen näher und erleben im Schutz der Arbeitsbeziehung eine ebenso intensive wie zu kurzer Dauer verurteilte Liebe. Der vielfach prämierte Film eröffnet in erlesen fotografierten Bildern und mit beeindruckenden Darstellerinnen eine dezidiert weibliche Perspektive auf gesellschaftliche Zwänge.

„Ein einsamer Landstreicher, nur mit einer Bibel im Gepäck, und ein taubstummer schwarzer Junge werden unfreiwillige Zeugen eines Mordes, der eine abenteuerliche Flucht durch die US-amerikanischen backwoods in Gang setzt. Durch Peter Kass‘ zutiefst humanistisch gedachte „man on the run“-Konstruktion spuken Rassismus und der Kalte Krieg. Unter Hochspannung gesetzt wird sie von den elektronischen Klangexperimenten und atonalen Bläserharmonien auf der Tonspur – bis sich alles in einer ekstatischen, psychedelischen Farbexplosion entlädt.“ (Filmclub 813)

„One of the toughest-minded critics I know says it hit him in the stomach like a ton of dynamite.“ (Jonas Mekas, The Village Voice)

Als sich im August 1944 die alliierten Truppen Paris nähern, gibt Hitler dem deutschen Kommandanten General von Choltitz den Befehl, die Stadt zu zerstören, sollte sich die Wehrmacht zurückziehen müssen. Auf Hitlers Frage, ob sein Befehl ausgeführt wurde, bezieht sich der Titel des Films. Mit großem Aufwand und akribisch in den Details, was die Aktionen der Alliierten und der verschiedenen Fraktionen der Résistance ebenso wie der involvierten Diplomaten und der deutschen Besatzer betrifft, rekonstruiert der Film die Ereignisse bis zur endgültigen Befreiung von Paris. Fast alle wichtigen Personen der Handlung werden dabei von internationalen Stars gespielt. Der Regisseur René Clément sah den Film vor allem als eine Feier von Paris und der Menschen, die bereit waren, für den Erhalt der Stadt ihr Leben zu geben.

Eine blonde, offenbar aus einem westlichen Land stammende Frau irrt durch die zentralasiatische Wüste. Sie ist verwahrlost, stumm und scheinbar ohne Erinnerung. Ein Hirte findet sie und bringt sie in sein Heim, wo er mit einem anderen Hirten zusammenlebt. Die beiden haben keine Sprache und nennen sich gegenseitig Bo und Bu. Sie erklären die Frau zu ihrem Eigentum und geben ihr den Namen Ba. Bald bricht ein Machtkampf dieser beiden Männer um die Herrschaft über die Frau aus. BO BA BU ist sicherlich Chamrajews provokantester Spielfilm: eine komplett ohne Sprache auskommende, nur mit Urlauten arbeitende Parabel über die archaische Natur menschlicher Beziehungen, in der Gewalt und Leidenschaft sich abwechseln. Der Film, in markant kadrierten Bildern inszeniert, ist auch eine grandiose Studie über das Licht und die Textur der Wüste.

Die zehnjährige Laure sieht nicht wie ein Mädchen aus und möchte am liebsten auch keines sein – sie ist ein Tomboy, ein Mädchen, das sich wie ein Junge fühlt und sich auch so benimmt. Als sie in den Sommerferien mit ihrer Familie in eine Vorortsiedlung zieht, nutzt sie die Gelegenheit zum Identitätswechsel: Sie stellt sich ihren neuen Klassenkameraden als Michael vor und ist bald in eine Clique von Jungs integriert. Erst als sich ein Mädchen aus seiner Klasse in Michael/Laure verliebt, wird die Situation kompliziert. Mit großer Authentizität und Leichtigkeit erzählt die französische Regisseurin Céline Sciamma in TOMBOY von diesem besonderen Sommer im Leben eines Mädchens, das anders sein möchte. Ihre feinfühlige Charakterstudie wurde bei der Berlinale 2011 mit dem Teddy Jury Award ausgezeichnet.

STRAIGHT OUTTA COMPTON erzählt die Erfolgsgeschichte der berühmt-berüchtigten Westcoast-Rapformation N.W.A, bestehend aus Dr. Dre, Easy-E, Ice Cube, MC Ren und DJ Yella, die mit ihren aggressiv-kontroversen, politisch aufgeladenen Texten und durch ihre Auseinandersetzungen mit der Polizei den Gangsterrap popularisierten. Mit brutalen Beats und starken schauspielerischen Leistungen wird einem zentralen Moment der amerikanischen Hip-Hop-Geschichte ein würdiges und unterhaltsames Denkmal gesetzt.   

Ein kleiner Trupp von Rotarmisten hält Sultan-Nazar, einen wichtigen Ideologen der Basmatschi-Bewegung in Turkestan, gefangen. Sie haben den Auftrag, ihn nach Duschanbe auszuliefern, um die dortigen Basmatschi, Aufständische gegen die bolschewistischen Machthaber, zur Niederlegeung ihrer Waffen zu zwingen. Der Transport des Gefangenen wird dem Bergsteigerjäger Mirzo anvertraut. Chamrajew drehte sein bildmächtiges Werk, der als Abenteuerfilm angelegt ist, mit den drei männlichen Hauptdarstellern aus Tarkowskis fast zeitgleich entstandenem STALKER, weshalb er oft mit ihm verglichen wurde.

„Vier Touristen aus der Stadt begeben sich aufs Land in Bengalen und machen Erfahrungen mit der Ökologie der Wälder, dem Stammesleben der Ureinwohner und ihren Dorffesten. Die Reise weg von der Stadt wird zur Erkundungsfahrt ins Seelenleben, bei der das Selbstverständnis der Reisenden auf dem Spiel steht und in eine Pendelbewegung von Entdeckung und Zerstörung mündet.“ (Ranjani Mazumdar) ARANYER DIN RATRI erinnert in seiner Polyphonie der Figuren und ihrer Beziehungen untereinander an Jean Renoirs LA RÈGLE DU JEU (1939) und verschränkt mit einer bemerkenswerten visuellen Bildsprache eine Vielzahl an Themen.

In seinem zweiten Kinofilm besucht Checker Tobi eine Höhle in Vietnam, Nomad:innen in der Mongolei und einen indigenen Aktivisten im Regenwald des Amazonas. Verpackt in die fiktionale Geschichte einer Schatzsuche zeigt der Film globale Zusammenhänge auf und bietet einem jungen Publikum einen leichten Einstieg in das dokumentarische Format.

Marieme lebt mit ihrer alleinerziehenden Mutter und drei Geschwistern in der Pariser Banlieue. Den ständigen Gängeleien ihres chauvinistischen Bruders und des Leistungsdrucks in der Schule überdrüssig, macht sie die Bekanntschaft mit einer Clique von drei etwas älteren Mädchen, die es an verbaler und körperlicher Schlagfertigkeit mit den Jungs in der Nachbarschaft aufnehmen können. Sie schließt sich der Mädchenclique an und erlebt die Licht- und Schattenseiten des Gangwesens. Mitreißend und emphatisch erzählt Céline Sciamma von weiblicher Identitätsfindung, ohne dabei gängigen Klischees zu verfallen.

Die zehnjährige Laure sieht nicht wie ein Mädchen aus und möchte am liebsten auch keines sein – sie ist ein Tomboy, ein Mädchen, das sich wie ein Junge fühlt und sich auch so benimmt. Als sie in den Sommerferien mit ihrer Familie in eine Vorortsiedlung zieht, nutzt sie die Gelegenheit zum Identitätswechsel: Sie stellt sich ihren neuen Klassenkameraden als Michael vor und ist bald in eine Clique von Jungs integriert. Erst als sich ein Mädchen aus seiner Klasse in Michael/Laure verliebt, wird die Situation kompliziert. Mit großer Authentizität und Leichtigkeit erzählt die französische Regisseurin Céline Sciamma in TOMBOY von diesem besonderen Sommer im Leben eines Mädchens, das anders sein möchte. Ihre feinfühlige Charakterstudie wurde bei der Berlinale 2011 mit dem Teddy Jury Award ausgezeichnet.

Die Shoah ist für Alexander Stoler seit seiner Kindheit ein Thema. Sein Großvater Michael wurde als kleines Kind aus dem Leben gerissen und mit seiner Familie in ein Ghetto in der Nähe des ukrainischen Winniza deportiert. Dort änderte sich für die Familie in den nächsten drei Jahren alles. Aufgewachsen mit den traurigen Erlebnissen seines Großvaters, der Emigration aus der Ukraine und dem Leben als Jude in Frankfurt am Main, beschloss Alexander, mit dem Frankfurter Filmemacher Nat Knop zu Deduschka nach Israel zu reisen. Durch Michaels Erzählungen stellt sich dem Filmteam umso mehr die Frage, wie es jungen Jüdinnen und Juden geht, die im 21. Jahrhundert ihre Heimat verlassen haben, um in Frankfurt ihr Glück zu finden.

DREI GENERATIONEN AUF DER FLUCHT ist ein Film über Michael Stoler (94), Vera Schteinberg-Stoler (89), Oksana Bezuhla (24), Hila Ofek (34) und Andre Tsirlin (36) und erzählt die Geschichten von Juden aus Czernowitz, Dnipro, Jerusalem und Irkutsk, die in Frankfurt angekommen sind.

In seinem zweiten Kinofilm besucht Checker Tobi eine Höhle in Vietnam, Nomad:innen in der Mongolei und einen indigenen Aktivisten im Regenwald des Amazonas. Verpackt in die fiktionale Geschichte einer Schatzsuche zeigt der Film globale Zusammenhänge auf und bietet einem jungen Publikum einen leichten Einstieg in das dokumentarische Format.

Marieme lebt mit ihrer alleinerziehenden Mutter und drei Geschwistern in der Pariser Banlieue. Den ständigen Gängeleien ihres chauvinistischen Bruders und des Leistungsdrucks in der Schule überdrüssig, macht sie die Bekanntschaft mit einer Clique von drei etwas älteren Mädchen, die es an verbaler und körperlicher Schlagfertigkeit mit den Jungs in der Nachbarschaft aufnehmen können. Sie schließt sich der Mädchenclique an und erlebt die Licht- und Schattenseiten des Gangwesens. Mitreißend und emphatisch erzählt Céline Sciamma von weiblicher Identitätsfindung, ohne dabei gängigen Klischees zu verfallen.

„Im Jahre 1919, als die Gegner der Revolution die Republik von drei Seiten eingekreist haben, kommt der außerordentliche Komissar Pjotr Kobosew nach Taschkent und propagiert die Politik der „proportionalen Repräsentation“, was bedeutet, dass Vertreter der muslimischen Bevölkerung proportional zu ihrem Anteil an der Gesamtbevölkerung an der Verwaltung der Republik beteiligt werden sollen. Aber unter den Mitgliedern des Provisorischen Revolutionssowjets wird diese Richtlinie nicht von allen akzeptiert. Kobosew und sein usbekischer Freund Nisameddin Chodshajew kämpfen um die Führung in diesem ideologischen Kampf. Die Schwarzweiß-Photographie des Films ist im Stil von Wochenschauen aus den 1920er Jahren gehalten, und dieses Moment wird dadurch unterstrichen, dass einzelne Episoden mit Datumsangaben versehen und Dokumente wie Telegramme, Radiogramme und Verordnungen in den Film eingefügt sind. In den ausgesprochen expressiven Massenszenen ist die Erfahrung der klassischen Filme von Eisenstein und Pudowkin unverkennbar […]“ (Lidija Mamatowa, Der Film in den sowjetischen Unionsrepubliken, Kommunales Kino Frankfurt am Main, 1982).

„The Big Red One“, so wurde die First US Infantry Division genannt. Samuel Fuller hatte selbst in deren 16. Kompanie von November 1942 bis Mai 1945 an deren Kampagnen teilgenommen – von Nordafrika über Sizilien und die Normandie bis zur Befreiung eines Konzentrationslagers in der Tschechoslowakei. Jahrzehntelang hatte er einen Film darüber machen wollen, bis er endlich 1980 die Möglichkeit dazu erhielt. Der Produzent kürzte allerdings die Uraufführungsfassung auf 113 Minuten und verkehrte dabei Fullers Intentionen teilweise in ihr Gegenteil: Aus einem ebenso realistischen wie poetischen Film über die Absurdität des Krieges war ein konventioneller Kriegsfilm geworden. 2004 wurde aus dem vorhandenen Material anhand von Fullers Script eine Fassung rekonstruiert, die dem Original sehr nahe kommt.

Laue Sommernächte und die abkühlende Atmosphäre eines Schwimmbades: Die 15-jährigen Mädchen Marie, Anne und Floriane kennen sich aus den Gängen des Hallenbads. Mitten in der Pubertät entwickeln alle drei unterschiedliche Verlangen, die es über einen langen Sommer zu erkunden gilt. Céline Sciamma versteht es, den Irrungen und Wirrungen des Heranwachsens, der Leidenschaft und des Erwachens der Sexualität feinfühlig und durch eine bedachte Inszenierung Raum und Zeit zu geben. Mit ihrem Debüt offenbarte Sciamma dabei einerseits eine Nähe zu den Werken von Regisseurinnen wie Catherine Breillat, Claire Denis und Lucrecia Martel, entwickelt andererseits aber bereits in ihrem Erstling eine eigene filmische Sprache.

Studentische Proteste um 1968, Gewerkschaftskämpfe, der Prager Frühling, Fidel Castros Kuba, Salvador Allendes Aufstieg in Chile, Maos Kulturrevolution. In LE FOND DE L’AIR EST ROUGE blickt Chris Marker assoziativ und mithilfe von offiziellem, privatem und persönlichem Archivmaterial auf zentrale politische Bewegungen und Kämpfe der internationalen Linken seiner Zeit. Der Regisseur interessiert sich dabei für verschiedene Facetten der medialen Darstellung von Geschichte und fragt, inwiefern Bilder im Kino und Fernsehen überhaupt historische Prozesse erinnern, verdrängen oder darstellen können. Nach dem Zerfall der Sowjetunion hat Marker seinen ursprünglich vierstündigen Film um eine Stunde gekürzt – die einzige heute erhaltene Fassung des Films.

Im Jahr 2010 nehmen die beiden Tänzerinnen Martha Nabwire und Niki Tsappos am Juste Debout in Paris teil, dem größten internationalen Streetdance-Wettbewerb. Gemeinsam werden die beiden zusammen Weltmeister im Hip-Hop – das erste Mal überhaupt, dass Frauen diesen Preis gewinnen. Das fordernde Turnier stellt nicht nur die Freundschaft von Martha und Niki, sondern auch ihre Leidenschaft für Hip-Hop auf die Probe. Die Dokumentation wirft den Blick auf die Rolle der Frauen im Hip-Hop, die sonst häufig stark unterrepräsentiert sind. Breaking wird als Tanzdisziplin dieses Jahr seinen ersten Auftritt bei den Olympischen Sommerspielen in Paris haben.

Im mittelalterlichen Usbekistan lernt der junge Faruk, ein Waisenkind, von den Vögeln die Kunst des Gesangs und sieht sich zum Dichter berufen. Mit einem Kameraden beginnt er eine lange Wanderung, unterwegs widerfährt ihm Grausamkeit und Ungerechtigkeit, doch er gibt die Hoffnung auf eine bessere Zukunft und die Suche nach Glück und Wahrheit nicht auf. Chamrajews gegenüber seinen bekannteren Filmen vielfach übersehenes Werk ist eine stilistische Meisterleistung - eine mystische Vision, ein western-hafter Coming-of-Age-Film, ein Fest der Farben und Bewegungen, ein bisweilen geradezu expressionistisches Porträt der Jugend. Nicht zuletzt die Visionen des jungen Faruk, in denen er sich vorstellt, wie seine Mutter ausgesehen haben könnte, gehören zu den schönsten Momenten in Chamrajews Œuvre.

Satyajit Rays Fortsetzung der Apu-Trilogie setzt einige Jahre nach PATHER PANCHALI ein und zeigt die titelgebende Figur als Jugendlichen, der gemeinsam mit seinen Eltern vom Land in die Stadt gezogen ist. „APARAJITO erzählt zwei miteinander verschränkte Geschichten, die vom aufregenden Aufbruch eines Jungen in die Welt und die vom Verlust seiner Mutter bei seinem Abschied. Der Film lässt sich dabei im Licht von Satyajit Rays eigener Biografie und einer Lebenserfahrung des Kosmopolitismus mit starken Wurzeln in einem besonderen, hybriden kulturellen Milieu in Bengalen betrachten.“ (Manishita Dass)

In seinem zweiten Kinofilm besucht Checker Tobi eine Höhle in Vietnam, Nomad:innen in der Mongolei und einen indigenen Aktivisten im Regenwald des Amazonas. Verpackt in die fiktionale Geschichte einer Schatzsuche zeigt der Film globale Zusammenhänge auf und bietet einem jungen Publikum einen leichten Einstieg in das dokumentarische Format.

Als der in Memphis ansässige Zuhälter DJay seinen alten Freund Key wiedertrifft, der von Beruf Toningenieur ist, beschließt er, einen lang gehegten Traum weiterzuverfolgen: Da er ein Talent dafür hat, mit Worten umzugehen, will DJay Lyrics für eigene Rap-Songs schreiben. Gemeinsam mit einem befreundeten Kirchenmusiker machen sich die drei an die Aufnahmen und beeinflussen durch ihre wieder entfachte Leidenschaft sich selbst und ihr Umfeld zum Besseren. HUSTLE & FLOW erzählt die Geschichte einer Läuterung und von der Macht der Musik, Menschen zu bewegen.  

Der Film spielt in einem Dorf mit dem Namen Weiße Störche. Die willensstarke Malika, verheiratet, aber kinderlos, verkehrt offen mit einem anderen Mann, zu dem sie eine scheinbar zärtliche Bindung pflegt. Chamrajew nähert sich in seinem frühen Werk dem Tabuthema der außerehelichen Affäre an. Genauso faszinierend wie die leidenschaftliche Darstellung der Verbundenheit der Verliebten ist das Porträt der komplizierten, traditionsgebundenen Familienbeziehungen und die Darstellung von Bräuchen, einschließlich des rasanten Pferdespiels Buzkaschi. Vor diesem Film hatte Chamrajew GDE TY, MOJA SULFIJA? (Wo bist du, meine Sulfija?, 1964) gedreht, der bis heute eine der populärsten volkstümlichen Musikkomödien Usbekistans ist. Mit BELYE, BEYLE AISTY, dessen von Chamrajew intendiertes Ende in der UdSSR zensiert worden, in dieser Fassung aber enthalten ist, erlangte er erstmals internationale Aufmerksamkeit.

In drei Kapiteln dokumentiert Wang Bing in TIE XI QU den Niedergang des Industrieviertels Tie Xi in der chinesischen Stadt Shenyang. Zur Zeit des Kommunismus galt der Bezirk als Herzstück der staatlich organisierten Schwerindustrie und symbolisierte für viele der dort arbeitenden Menschen die Hoffnung auf ökonomischen und gesellschaftlichen Fortschritt. Um 2000 ist hiervon wenig geblieben: Zu sehen sind marode Fabrikhallen und aufgebrauchte Existenzen, die der Regisseur, der sich bereits mit seinem Regiedebüt als eine der eigenständigen und radikalsten Stimmen des gegenwärtigen Dokumentarfilms etablieren konnte, mit Geduld, Mitgefühl und Beobachtungen von bemerkenswerter Intensität einfängt. Mit einer Laufzeit von mehr als neun Stunden gelingt es dem Film dabei, das Vergehen der Zeit und den Lauf der Geschichte beinahe körperlich spürbar werden zu lassen.

„Der zehnte Film eines der bedeutendsten Regisseure Usbekistans entwirft am Beispiel von drei Frauenschicksalen ein ebenso überzeugendes wie frappierendes soziales Fresko ohne Schönfärberei, was ihm einige Schwierigkeiten mit der Zensur eingebracht hat. Ausgangspunkt der Erzählung sind die Erinnerungen eines pensionierten Lehrers an drei Frauen und ihren Lebensweg, denen er im Dorfe, wo er unterrichtete, begegnet war.“ (Katholischer Filmdienst) Chamrajews berührender, eindringlicher Film wurde seinerzeit von nur wenigen sowjetischen Kinobesucher:innen gesehen, ist aber mit seiner „komplizierten Farbdramaturgie, der raffinierten Verwendung des Lichts und des sich langsam steigernden Rhythmus“ (Lidija Mamatowa) ein Film, den es zu entdecken gilt. Eine der Hauptrollen spielt Gulbustan Taschbajewa, die spätere Frau Chamrajews.

Der Sowjetkommandeur Maksumow stellt fest, dass die meisten seiner Einheiten zu den überlegenen, konterrevolutionären Basmatschi-Truppen unter der Führung des Offizier Chairulla übergelaufen sind. Er bereitet einen erfinderischen und listigen Plan vor, um Chairullas Truppen zu besiegen. Chamrajews zweifellos bekanntester Film, seinerzeit sowohl in der DDR verliehen wie auch im westdeutschen Fernsehen ausgestrahlt, war in jeder Retrospektive der vergangenen Jahrzehnte zum sogenannten „Eastern“ vertreten (u.a. 2011 beim Filmfestival in Rotterdam). Er ist ein bis heute unterhaltsamer Beleg seiner inszenatorischen Qualitäten. „Dies ist ein wunderbarer Film für das Mainstream-Publikum: ein Western, der zur Zeit der Gründung der Usbekischen Sowjetrepublik spielt. Die Basmachi-Bewegung wurde von den Sowjets als Banditen angeprangert, war aber eigentlich eine Widerstandsbewegung. Der usbekische Star Dilorom Kambarova war Khamraevs Muse.“ (Saodat Ismailowa)

In drei Kapiteln dokumentiert Wang Bing in TIE XI QU den Niedergang des Industrieviertels Tie Xi in der chinesischen Stadt Shenyang. Zur Zeit des Kommunismus galt der Bezirk als Herzstück der staatlich organisierten Schwerindustrie und symbolisierte für viele der dort arbeitenden Menschen die Hoffnung auf ökonomischen und gesellschaftlichen Fortschritt. Um 2000 ist hiervon wenig geblieben: Zu sehen sind marode Fabrikhallen und aufgebrauchte Existenzen, die der Regisseur, der sich bereits mit seinem Regiedebüt als eine der eigenständigen und radikalsten Stimmen des gegenwärtigen Dokumentarfilms etablieren konnte, mit Geduld, Mitgefühl und Beobachtungen von bemerkenswerter Intensität einfängt. Mit einer Laufzeit von mehr als neun Stunden gelingt es dem Film dabei, das Vergehen der Zeit und den Lauf der Geschichte beinahe körperlich spürbar werden zu lassen.

Das von der Deutschen Film- und Medienbewertung (FBW) zusammengestellte Kurzfilmprogramm führt Kinder an das Kino heran. Eine Moderatorin führt mit Erzählungen, Fragen und Spielen durch das Programm.

Der Bürgerkrieg ist beendet. Ein usbekischer Offizier der Roten Armee wurde von einer jungen usbekischen Frau gesund gepflegt, woraufhin beide heiraten. Zusammen mit den Bolschewiken möchte der Offizier das Dorf modernisieren und fordert die Frauen zum Ablegen der Schleier auf. Seine Retterin und Ehefrau wird jedoch von ihrem strengen Vater daran gehindert. Ein Mädchen aus dem Dorf möchte ein Beispiel setzen und folgt der Aufforderung des Rotarmisten, wird daraufhin jedoch getötet. Eine Region zwischen dem Drang nach der Moderne und den alteingesessenen, strengen Traditionen. BES STRACHA ist bis heute für Chamrajew einer der wichtigsten Filme seines Werkes.

JA TEBJA POMNJU ist eine autobiografische Meditation über die Vergangenheit. Der männliche Protagonist verlässt auf Wunsch seiner schwerkranken Mutter Samarkand und begibt sich auf eine Reise durch das sowjetische Russland auf der Suche nach dem Grab seines im Zweiten Weltkrieg gefallenen Vaters. Chamrajews formvollendetes, erlesen schön fotografiertes Werk ist eine poetische Odyssee, die sich auch als Reise in die unterbewusste Erinnerung erweist, und als ein filmisches Denkmal für seinen früh verstorbenen Vater. Auch in diesem Fim spielt seine spätere Frau Gulbustan Taschbajewa die Hauptrolle.

Im Vorfilm JA TEBJA NE ZABYL erzählt Chamrajew anhand vieler spannender archivarischer Funde die Geschichte seines Vaters und setzt den Schwerpunkt auf dessen Beitrag zur Entwicklung des usbekischen Kinos.

Während des Zweiten Weltkriegs rekrutierte Frankreich aus seinen afrikanischen Kolonien mehr als 130.000 Soldaten, die an vorderster Front für die Befreiung eines „Heimatlandes“ kämpften, das sie noch nie gesehen hatten. Exemplarisch wird in INDIGÈNES das Schicksal von vier maghrebinischen Soldaten erzählt. Unter Führung eines Algerienfranzosen kämpfen sie zunächst in Italien am Monte Cassino und werden dabei im Wesentlichen als Kanonenfutter eingesetzt, landen dann mit der französischen Armee in Marseille und beteiligen sich schließlich an einem Kommandounternehmen in einem elsässischen Dorf, wo sie einem zahlenmäßig weit überlegenen deutschen Bataillon gegenüberstehen. Rachid Boucharebs Film stieß im Herbst 2006 in Frankreich eine Debatte über Militärpensionen der sogenannten Indigènes an; der Staat hatte die Höhe der Pensionen für sie 1959 eingefroren.

Der Film spielt in einem Dorf mit dem Namen Weiße Störche. Die willensstarke Malika, verheiratet, aber kinderlos, verkehrt offen mit einem anderen Mann, zu dem sie eine scheinbar zärtliche Bindung pflegt. Chamrajew nähert sich in seinem frühen Werk dem Tabuthema der außerehelichen Affäre an. Genauso faszinierend wie die leidenschaftliche Darstellung der Verbundenheit der Verliebten ist das Porträt der komplizierten, traditionsgebundenen Familienbeziehungen und die Darstellung von Bräuchen, einschließlich des rasanten Pferdespiels Buzkaschi. Vor diesem Film hatte Chamrajew GDE TY, MOJA SULFIJA? (Wo bist du, meine Sulfija?, 1964) gedreht, der bis heute eine der populärsten volkstümlichen Musikkomödien Usbekistans ist. Mit BELYE, BEYLE AISTY, dessen von Chamrajew intendiertes Ende in der UdSSR zensiert worden, in dieser Fassung aber enthalten ist, erlangte er erstmals internationale Aufmerksamkeit.

Satyajit Rays Fortsetzung der Apu-Trilogie setzt einige Jahre nach PATHER PANCHALI ein und zeigt die titelgebende Figur als Jugendlichen, der gemeinsam mit seinen Eltern vom Land in die Stadt gezogen ist. „APARAJITO erzählt zwei miteinander verschränkte Geschichten, die vom aufregenden Aufbruch eines Jungen in die Welt und die vom Verlust seiner Mutter bei seinem Abschied. Der Film lässt sich dabei im Licht von Satyajit Rays eigener Biografie und einer Lebenserfahrung des Kosmopolitismus mit starken Wurzeln in einem besonderen, hybriden kulturellen Milieu in Bengalen betrachten.“ (Manishita Dass)

Der Sowjetkommandeur Maksumow stellt fest, dass die meisten seiner Einheiten zu den überlegenen, konterrevolutionären Basmatschi-Truppen unter der Führung des Offizier Chairulla übergelaufen sind. Er bereitet einen erfinderischen und listigen Plan vor, um Chairullas Truppen zu besiegen. Chamrajews zweifellos bekanntester Film, seinerzeit sowohl in der DDR verliehen wie auch im westdeutschen Fernsehen ausgestrahlt, war in jeder Retrospektive der vergangenen Jahrzehnte zum sogenannten „Eastern“ vertreten (u.a. 2011 beim Filmfestival in Rotterdam). Er ist ein bis heute unterhaltsamer Beleg seiner inszenatorischen Qualitäten. „Dies ist ein wunderbarer Film für das Mainstream-Publikum: ein Western, der zur Zeit der Gründung der Usbekischen Sowjetrepublik spielt. Die Basmachi-Bewegung wurde von den Sowjets als Banditen angeprangert, war aber eigentlich eine Widerstandsbewegung. Der usbekische Star Dilorom Kambarova war Khamraevs Muse.“ (Saodat Ismailowa)

Auf dem Weg zu ihrem neuen Wohnort verirren sich Chihiro und ihre Eltern in eine bedrohliche magische Welt. Dort trifft Chihiro auf den geheimnisvollen Jungen Haku. Dieser hilft ihr, sich gegen die Hexe Yubaba zu behaupten. Ein Meilenstein des Zeichentrickfilms und in Japan einer der erfolgreichsten Filme aller Zeiten.

Auf dem Weg zu ihrem neuen Wohnort verirren sich Chihiro und ihre Eltern in eine bedrohliche magische Welt. Dort trifft Chihiro auf den geheimnisvollen Jungen Haku. Dieser hilft ihr, sich gegen die Hexe Yubaba zu behaupten. Ein Meilenstein des Zeichentrickfilms und in Japan einer der erfolgreichsten Filme aller Zeiten.

Auf dem Weg zu ihrem neuen Wohnort verirren sich Chihiro und ihre Eltern in eine bedrohliche magische Welt. Dort trifft Chihiro auf den geheimnisvollen Jungen Haku. Dieser hilft ihr, sich gegen die Hexe Yubaba zu behaupten. Ein Meilenstein des Zeichentrickfilms und in Japan einer der erfolgreichsten Filme aller Zeiten.

Sein langjähriges Bestehen feiert das DFF von Freitag, 7., bis Sonntag, 9. Juni, mit vielen kostenlosen Aktivitäten für die ganze Familie und freiem Eintritt.
Am Sonntag findet um 15 Uhr eine einstündige, interaktive Laterna-Magica-Vorstellung für Familien mit Kindern ab sechs Jahren statt: Laternen- Bilder aus dem Archiv Ruth Baumer & Günther Holzhey werden mit einer historischen Projektions-Laterne vorgeführt.

Die „wilden Kerle“, eine Gruppe fußballbegeisterter Freund:innen, freuen sich auf die Sommerferien. Doch erst regnet es in Strömen und dann bekommen sie auch noch Hausarrest. Indessen wird ihr Fußballplatz von Michi und seiner Bande von älteren Jungs, den „Unbesiegbaren Siegern“, besetzt.

Die „wilden Kerle“, eine Gruppe fußballbegeisterter Freund:innen, freuen sich auf die Sommerferien. Doch erst regnet es in Strömen und dann bekommen sie auch noch Hausarrest. Indessen wird ihr Fußballplatz von Michi und seiner Bande von älteren Jungs, den „Unbesiegbaren Siegern“, besetzt.

Die Besucher:innen gehen im Kino auf Zeitreise und begegnen dabei Schätzen aus dem Archiv. Was sammelt ein Filmarchiv, wo kommen die Filme her, wo und wie werden sie aufbewahrt? Wir werfen einen Blick hinter die Kulissen und sehen unterschiedliche Filmschätze auf der großen Leinwand.

Die Besucher:innen gehen im Kino auf Zeitreise und begegnen dabei Schätzen aus dem Archiv. Was sammelt ein Filmarchiv, wo kommen die Filme her, wo und wie werden sie aufbewahrt? Wir werfen einen Blick hinter die Kulissen und sehen unterschiedliche Filmschätze auf der großen Leinwand.

Die junge Hexe Kiki muss einem alten Brauch folgend ein Jahr lang ohne ihre Eltern leben. Mit ihrem Besen, ihrem sprechenden Kater Jiji und einem Radio macht sie sich auf den Weg in die fremde Stadt. Dort findet sie eine Unterkunft bei der Bäckerin Osono, für die sie bald auch Ware ausliefern darf.

Die junge Hexe Kiki muss einem alten Brauch folgend ein Jahr lang ohne ihre Eltern leben. Mit ihrem Besen, ihrem sprechenden Kater Jiji und einem Radio macht sie sich auf den Weg in die fremde Stadt. Dort findet sie eine Unterkunft bei der Bäckerin Osono, für die sie bald auch Ware ausliefern darf.