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Basierend auf Stendhals Essay Über die Liebe erzählt Jean Aurel episodenhaft vom wechselvollen Begehren und den verschiedenen Facetten der Liebe. Im Zentrum des Films steht der von Michel Piccoli verkörperte Zahnarzt Raoul, eine Art moderner Don Juan, der von einer amourösen Begegnung zur nächsten hastet. Jean Aurel, der sich seit den 1950er Jahren vor allem als Drehbuchautor für Filme wie Jacques Beckers LE TROU (1960) einen Namen gemacht hatte, ließ sich für sein Regiedebüt von den Filmen der frühen Nouvelle Vague inspirieren: In einem spielerischen Prolog werden so beispielsweise die Annäherungen zwischen Anna Karina und einem jungen Mann zu einem sportlichen Wettkampf stilisiert, inklusive Kommentator und eingespieltem Applaus.

Die erfolgreiche Modeschöpferin Petra von Kant lebt zusammen mit ihrer Sekretärin Marlene in Bremen. Das Verhältnis der beiden ist geprägt von den ständigen Demütigungen, die Marlene erleidet. Dann verliebt sich Petra von Kant in das junge Model Karin Thimm, das zu ihr zieht. Karin wird der Beziehung jedoch schnell müde und lenkt sich durch Affären ab. 1971 fiel Fassbinders gleichnamiges Stück bei der Uraufführung im Frankfurter Theater am Turm beim Publikum durch. Doch bald nach der Premiere des Films, der seinen theatralischen Ursprung durch eine hochgradige Stilisierung betont, wurde es zu einem seiner meistgespielten Theaterwerke.

Als in seinem Betrieb Massenentlassungen angedroht werden, erschießt ein Fabrikarbeiter einen Vorgesetzten und anschließend sich selbst. Seine Witwe, Mutter Küsters, muss nun mit den Folgen der Tat zurechtkommen. Während ihre Tochter, eine Nachtclub-Sängerin, die mediale Aufmerksamkeit für eigene Zwecke nutzt, zieht der Sohn aus der mütterlichen Wohnung aus und lässt sie allein. Ein sich freundschaftlich gebender Journalist missbraucht das Vertrauen der Witwe und schreibt einen reißerischen Artikel über den Fall Küsters. Auch als ihr ein freundliches Ehepaar (beide in der DKP) Hilfe anbietet, wird ihre Hoffnung am Ende enttäuscht.

Lene arbeitet als Barfrau in einer alten Jazzkneipe. Während einer Reise hat sie den Musiker Leif kennengelernt und diesen für ein Konzert nach Deutschland eingeladen. Doch einige Dinge laufen anders als erwartet und die Durchführung des Konzerts scheint mehr und mehr fraglich. LEIF IN CONCERT – VOL. 2, als Liebeserklärung an die Kneipenkultur konzipiert, zeichnet einen typischen Kneipenabend mit einem besonderen Blick für die vielen kleinen Geschichten, die Gespräche der Stammgäste und Musik in schummriger Atmosphäre nach.
Christian Klandt wurde 1978 in Frankfurt/Oder geboren. Er war Gründungsmitglied des Berliner Theaterdiscounters. Von 2004 bis 2011 studierte er Regie an der Hochschule für Film und Fernsehen Konrad Wolf in Potsdam-Babelsberg (heute Filmuniversität) und realisierte zahlreiche Kurz- und Mittellangfilme, die mehrfach ausgezeichnet wurden. Sein viel beachtetes Langfilm-Debüt WELTSTADT (2008) wurde u.a. im MoMA in New York präsentiert und lief bei über 40 Filmfesti

„Die romantische Liebe, eine Krankheit der Frauen?“ Die Journalistin Dorothee macht sich, ihres Liebhabers Heinz überdrüssig, auf, um das Wesen der Liebe und die Facetten der Sexualität zu erforschen. Nach einem Besuch des Affenhauses im Zoo und bei einem von Peter Kern gespielten Hormonspezialisten, beschließt Dorothee, nach Kaliforniern zu reisen. Dort trifft sie auf eine Reihe inspirierender Persönlichkeiten und sammelt in einem Strip-Club von und für Frauen neue Erfahrungen. Monika Treut, eine der Pionierinnen des Queer Cinema, erzählt mit DIE JUNGFRAUENMASCHIEN eine Geschichte von der Auflösung klarer sexueller Identitäten und eines lesbischen Coming-Outs. Die Kamera führte Elfi Mikesch, die mit Treut an einer Reihe von Filmen zusammengearbeitet hat und 1984 gemeinsam mit der Regisseurin die Hamburger Produktionsfirma Hyene I/II gegründet hat.

Das Ehepaar Ariane und Gerhard Christ geht getrennt auf Geschäftsreise und trifft sich kurz darauf unverhofft auf dem gemeinsamen Schloss wieder – mit den jeweiligen Geliebten im Schlepptau. Zuletzt stößt auch die 14-jährige, gehbehinderte Tochter der Christs dazu. Das intelligente Mädchen lässt die Gruppe das zynische Wahrheitsspiel „Chinesisches Roulette“ spielen. In eingespielter Zusammenarbeit mit dem Kameramann Michael Ballhaus zeigt sich Fassbinder auf dem Höhepunkt seiner Inszenierungskunst: Kamerabewegung und Bildausschnitt gestalten den Handlungsraum und die Position der Figuren darin zu eigenständigen Bedeutungsträgern.

Als in seinem Betrieb Massenentlassungen angedroht werden, erschießt ein Fabrikarbeiter einen Vorgesetzten und anschließend sich selbst. Seine Witwe, Mutter Küsters, muss nun mit den Folgen der Tat zurechtkommen. Während ihre Tochter, eine Nachtclub-Sängerin, die mediale Aufmerksamkeit für eigene Zwecke nutzt, zieht der Sohn aus der mütterlichen Wohnung aus und lässt sie allein. Ein sich freundschaftlich gebender Journalist missbraucht das Vertrauen der Witwe und schreibt einen reißerischen Artikel über den Fall Küsters. Auch als ihr ein freundliches Ehepaar (beide in der DKP) Hilfe anbietet, wird ihre Hoffnung am Ende enttäuscht.

Lene arbeitet als Barfrau in einer alten Jazzkneipe. Während einer Reise hat sie den Musiker Leif kennengelernt und diesen für ein Konzert nach Deutschland eingeladen. Doch einige Dinge laufen anders als erwartet und die Durchführung des Konzerts scheint mehr und mehr fraglich. LEIF IN CONCERT – VOL. 2, als Liebeserklärung an die Kneipenkultur konzipiert, zeichnet einen typischen Kneipenabend mit einem besonderen Blick für die vielen kleinen Geschichten, die Gespräche der Stammgäste und Musik in schummriger Atmosphäre nach.
Christian Klandt wurde 1978 in Frankfurt/Oder geboren. Er war Gründungsmitglied des Berliner Theaterdiscounters. Von 2004 bis 2011 studierte er Regie an der Hochschule für Film und Fernsehen Konrad Wolf in Potsdam-Babelsberg (heute Filmuniversität) und realisierte zahlreiche Kurz- und Mittellangfilme, die mehrfach ausgezeichnet wurden. Sein viel beachtetes Langfilm-Debüt WELTSTADT (2008) wurde u.a. im MoMA in New York präsentiert und lief bei über 40 Filmfesti

Luchino Viscontis Adaption von Albert Camus‘ Der Fremde, hochkarätig mit Marcello Mastroianni und Anna Karina in den Hauptrollen besetzt, wurde zur Zeit seines Erscheinens mit durchwachsenen Kritiken bedacht und in der Folge vergleichsweise selten gezeigt. Dabei zeichnet sich der Film in seiner Werktreue aus, indem er Bilder für die im Roman beschriebene existenzielle Leere und Entfremdungserfahrung seines Protagonisten Meursault findet. L’ÉTRANGER fängt mit Ansichten der Straßen Algiers und der sengenden Sonne am Strand das Algerien der 1930er Jahre ein, das auch von der Spannung zwischen der algerischen Bevölkerung und den französischen Kolonisatoren geprägt ist.

Zum 5. Geburtstag von Treppe 41 ein Treppen-Film: Isabel wartet oft im Treppenhaus auf die Post. Seitdem sie und ihre Mutter vor der Diktatur Pinochets in die DDR geflohen sind, rechnen sie jeden Tag mit einer Todesnachricht des Vaters. Aus Angst, dass die Mutter das nicht verkraftet, will Isabel die Nachricht abfangen. Dabei trifft sie immer wieder den Nachbarsjungen Philipp, der spürt, dass etwas nicht in Ordnung ist. Bei Hannelore Unterberg sind Treppen ein Ort des Alltäglichen, der Begegnungen ermöglicht.

Ein alter Seebär erzählt Kindern eine gruselige Geschichte: Die Besatzung eines 100 Jahre zuvor vor der Küste des Fischerdorfes im dichten Nebel gesunkenen Schiffes werde wiederkommen und Rache nehmen. Während der Alte erzählt, erhält die Sprecherin der Radiostation im Leuchtturm die Mitteilung, dass eine dichte Nebelbank auf die Küste zutreibt – die Legende wird Wirklichkeit. John Carpenters Klassiker verbreitet mit virtuosen Cinemascope-Bildern, effektvoller Inszenierung von Licht und Nebel sowie suggestiver Musik eine soghafte Gruselstimmung.

Tagein, tagaus der gleiche Weg zur Arbeit, das Gedränge in der Metro und ein öder Job – doch schließlich begehrt der Anstreicher Themroc auf, reißt sich die Kleider vom Leib und wirft alle Einrichtungsgegenstände aus seiner Wohnung, die er zur Höhle umfunktioniert. Sein radikales Beispiel macht Schule und Paris löst sich aus den Fängen der menschenfeindlichen Bürgerlichkeit. Claude Faraldo griff in THEMROC den Geist der französischen Nach-68er-Zeit auf, sein Werk liest sich wie eine satirische Anleitung zur Errichtung einer anarchistisch-ursprünglichen Utopie. Im ganzen Film wird kein einziges Wort gesprochen: „Michel Piccoli grummelt, schreit, röhrt, grunzt, knurrt und grölt sich bewundernswert durch den sprachlosen Film“, schrieb hierzu 1974 Die Zeit.

Einige Monate nach dem Selbstmord seines Ex-Freundes Armin Meier drehte Fassbinder einen seiner persönlichsten Filme, in dem er erstmals auch die Kameraarbeit übernahm. Die tragische Geschichte von Elvira Weishaupt spielt in einem Jahr mit 13 Neumonden, die für gefühlsbetonte Menschen als besonders gefährlich gelten. Elvira, die sich vor einigen Jahren aus Liebe zu einem Mann einer Geschlechtsumwandlung unterzogen hat, rekapituliert ihr Leben, ihre Kindheit und ihre Beziehungen zu ihren Nächsten. Dabei wandert sie durch ein unwirtliches Frankfurt.

Einige Monate nach dem Selbstmord seines Ex-Freundes Armin Meier drehte Fassbinder einen seiner persönlichsten Filme, in dem er erstmals auch die Kameraarbeit übernahm. Die tragische Geschichte von Elvira Weishaupt spielt in einem Jahr mit 13 Neumonden, die für gefühlsbetonte Menschen als besonders gefährlich gelten. Elvira, die sich vor einigen Jahren aus Liebe zu einem Mann einer Geschlechtsumwandlung unterzogen hat, rekapituliert ihr Leben, ihre Kindheit und ihre Beziehungen zu ihren Nächsten. Dabei wandert sie durch ein unwirtliches Frankfurt.

Luchino Viscontis Adaption von Albert Camus‘ Der Fremde, hochkarätig mit Marcello Mastroianni und Anna Karina in den Hauptrollen besetzt, wurde zur Zeit seines Erscheinens mit durchwachsenen Kritiken bedacht und in der Folge vergleichsweise selten gezeigt. Dabei zeichnet sich der Film in seiner Werktreue aus, indem er Bilder für die im Roman beschriebene existenzielle Leere und Entfremdungserfahrung seines Protagonisten Meursault findet. L’ÉTRANGER fängt mit Ansichten der Straßen Algiers und der sengenden Sonne am Strand das Algerien der 1930er Jahre ein, das auch von der Spannung zwischen der algerischen Bevölkerung und den französischen Kolonisatoren geprägt ist.

Die Mittvierzigerin Anna, Besitzerin einer Rosenfarm, lebt mit ihrem Sohn Albert an einem Mittelmeerstrand. Albert ist in einen jungen Italiener verliebt – doch liebt er ihn nicht auf "konventionelle" Weise, sondern in der Weise, wie er auch seine Rosen liebt. Schließlich entführt er das Objekt seiner Begierde. „Eine Rose blüht im Zeitraffer auf, die Schauspielerin Magdalena Montezuma schiebt ihren mageren, vom Tod gezeichneten Körper durchs Bild, ihre Füße hinterlassen Spuren im Sand, ihr Blick schweift himmelwärts, von einer zerschnittenen Rose tropft Blut – kein Zweifel, in Werner Schroeters Film DER ROSENKÖNIG kündet alles vom Tod.“ (Kinema Kommunal, März 2017)

Ein nicht vollendetes Gemälde ist Ausgangspunkt dieses Films, der nach Balzacs Novelle Das unbekannte Meisterwerk entstand. Zehn Jahre nachdem er die Arbeit an dem Bild „La Belle Noiseuse“ aufgegeben hat, lässt sich der Künstler Frenhofer von einem jungen Kollegen überreden, das Werk wiederaufzunehmen. Modell soll nicht mehr die Frau des Malers sein, sondern die Freundin des Kollegen. Je mehr der Maler versucht, den Körper der jungen Frau in Posen zu zwingen, desto mehr gewinnt diese die Autonomie über ihren Körper. Ein Film, wie so oft bei Rivette, über die gegenseitige Durchdringung von Kunst und Leben, der sich Zeit lässt, künstlerische Schaffensprozesse und die Entstehung von Kunstwerken geduldig zu beobachten.

Während des Zweiten Weltkrieges wurde der melancholische Schlager „Lili Marleen“ zum meistgehörten Soldatenlied. Später von zahlreichen Sängerinnen interpretiert, war es ursprünglich Lale Andersen, deren Stimme der Sehnsucht der Soldaten an allen Fronten Ausdruck verlieh. Fassbinder erzählt weitgehend fiktional von der Entstehung des Liedes und von Andersens Beziehung zu einem jüdischen Komponisten. Dessen Tätigkeit als Widerstandskämpfer gefährdet beider Leben. Das Werk ist eine visuelle und narrative Huldigung an die Stilmittel des Melodrams und damit typisch für Fassbinders späte Filme.

Irrtümlich für einen Spion gehalten, gerät der harmlose New Yorker Werbefachmann Roger Thornholl (Cary Grant) zwischen die Fronten rivalisierender Geheimdienste. Fortan benutzt die CIA seine Ahnungslosigkeit, um die Gegenseite auf eine falsche Spur zu locken – der Beginn einer Verfolgungsjagd, die quer durch den amerikanischen Kontinent führt, wobei Thornholl unfreiwillig zum Helden wird. Ein perfektes und originelles Verwirrspiel um Agenten und falsche Identitäten.

Auf der Suche nach verschollenen Filmrollen der Brüder Manaki, die 1905 den ersten griechischen Film gedreht haben, kommt ein seit Langem in den USA lebender Regisseur in seine Heimat zurück. Wie einst Odysseus irrt er durch ein ihm fremd gewordenes Europa, das sich im politischen Umbruch der Wendezeit befindet. Er landet im von Serben belagerten Sarajevo, wo der Archivar des Filmmuseums drei Rollen der Manaki-Brüder versteckt. Inmitten der Kriegszerstörung findet er die Negative aus vergangener Zeit. Eine surreal anmutende, bisweilen visionäre Kinomeditation, die eine individuelle Geschichte mit Zeit- und Filmgeschichte verschränkt.

ZHESTOKAYA BOLEZN MUZHCHIN Die brutale Krankheit der Männer
Bilder von Häuserblöcken, Rohren, Gleisen, begleitet von atonaler Musik, demontieren sowjetische Heldenmythen. Anstelle des Aufbaus des Sozialismus wird eine fragmentierte Industrielandschaft gezeigt, und der „Held der Arbeit“ hat sich in einen Leichnam, eine Puppe, einen Feigling verwandelt.
NANAYNANA
Dadaistisch, avantgardistisch, futuristisch? NANAYNANA ist eine Attacke auf unsere Sehgewohnheiten. Der Film greift die Ästhetik des frühen Stummfilms auf und kombiniert diese mit experimentellen Formen der frühen Avantgarde. Bilder, Wörter und Körper(teile) ergeben ein absurdes Gesamtkunstwerk.
VESNA Frühling
FRÜHLING gilt als Manifest des Nekrorealismus. Dieser setzt der sozrealistischen Verherrlichung des Lebens die Präsentation des Todes entgegen und verweist so auf das Ende des Systems. Eine eigentliche Handlung bietet der Stummfilm nicht; dafür groteske Körper, exaltierte Gesten und die Eise

SCHASTYE Glück
Porträt des einfachen Lebens der Nomaden in Dvortsevoys Heimat Kasachstan, in dem alles ewig erscheint und nichts sich verändert. Eine Frau bereitet Teig zu. Ein Kind sitzt mit verschmiertem Gesicht auf dem Boden. Einem Kamel wird ein Seil durch die Nase gezogen. Sieht so das Glück aus?
KHLEBNYY DEN Brottag
Ein verlassenes Dorf in der Nähe von Sankt Petersburg. Auf einem Abstellgleis wird ein Waggon mit Brot abgestellt und ins Dorf geschoben. Die sozialen Kontakte ordnen sich um dieses immer wiederkehrende Ereignis an: das gemeinsame Schieben des Waggons, die Gespräche beim Verkauf des Brotes.

Als Jakub, Mittdreißiger und Lehrer, von seinem Vater aus der Wohnung geworfen wird, zieht er in das verfallene Landhaus seines toten Großvaters. Hier findet er ein altes, spiegelverkehrtes Tagebuch, das eine alternative, eng mit dem Garten verbundene Schöpfungsgeschichte erzählt. In seinem verwunschenen Garten tauchen biblische und historische Wiedergänger auf, die ihm ihre Weisheiten verkünden, dazu die Mariengestalt Helena. Jakub erfährt eine innere Verwandlung, bricht alte Verbindungen ab und findet seinen inneren Frieden. DER GARTEN ist ein märchenhafter, ruhiger Film in der Tradition der tschechoslowakischen Neuen Welle.
Vorfilm: MUŽNÉ HRY Männerspiele
Was könnte hier wohl gemeint sein? Fußball, natürlich! Poster an der Wand, Männer auf dem Spielfeld oder auch nur im Fernsehen. Und währenddessen macht der Zuschauer es sich mit einem Bier und ein paar Keksen (!) gemütlich... Ein witziger Film über Männerträume, für Fußballhasser.

MIEJSCE URODZENIA Geburtsort
Der Schriftsteller Henryk Grynberg, 1967 wegen einer antisemitischen Kampagne des Parteiapparates in die USA emigriert, kehrt in sein Heimatdorf zurück, wo sein Vater während des Krieges erschlagen und anonym verscharrt wurde. Die Reise in die Vergangenheit offenbart das Fortwirken des Antisemitismus.
Z MOJEGO OKNA Aus meinem Fenster
Ende der 1970er Jahre bezieht Robakowski eine Hochhauswohnung im 'Manhattan' genannten Lódzer Neubauviertel. Vom Küchenfenster beobachtet er den Platz zwischen den Wohnblocks und einer Straße. Seine Antigeschichte der Solidarnosc- und Wendezeit endet, als dort ein Hotelgebäude errichtet wird.
SWIADKOWIE Die Zeugen
Rekonstruktion des Pogroms von Kielce 1946, dem 42 Holocaust-Überlebende aus einem Übergangsheim zum Opfer fielen und bei dem weitere 40 schwer verletzt wurden. Illegal auf Super 8 gedreht, bricht der Untergrundfilm eines der bestgehüteten Tabus der Volksrepublik Polen.

Im Gleichklang mit Edisons Erfindung des elektrischen Lichts erblicken die Zwillingsschwestern Dóra und Lili das Licht der Welt. Während der Kindheit getrennt, halten sie auf unterschiedlichen Pfaden mit dem neuen Jahrhundert Schritt: Lili als Anarchistin, Dóra als Schwindlerin. Ihre Wege kreuzen sich immer wieder, zumal beide eine Affäre mit demselben geheimnisvollen Aristokraten haben. In seiner Vorstellung verschmelzen sie zu einer Person, der perfekten Frau. Enyedis allegorische Zeitreise zu den Ursprüngen des 20. Jahrhunderts zeichnet in ironischen Brechungen Stationen zweier Lebenswege als Verweise auf nicht eingelöste Zukunftserwartungen nach.

Der Film beginnt harmlos, mit spätsowjetischem Charme und Freunden in Feierlaune. Plötzlich ertönen überall Sirenen. Es ist der 26. April 1986, Tschernobyl, der Reaktor ist explodiert. Während Menschen die Stadt verlassen und das Schreckenswort „Strahlung“ von Mund zu Mund wandert, drohen, lügen und vertuschen die offiziellen Stellen. Bilder aus Kiew, das sich für ein Radrennen rüstet, stehen neben solchen, die das Ende einer Stadt und den Zerfall eines Landes ankündigen. Nur langsam verstehen die Menschen, was passiert. Die gefeierte HBO-Serie CHERNOBYL ließ sich u.a. von diesem erstaunlich kritischen Perestroika-Film inspirieren.

Die Roten ziehen durchs Land und nehmen den Bauernfamilien, was sie noch an Essbarem haben. Bilder von Hunger, Tod und Gewalt wechseln einander ab, in Farbe, Schwarz-Weiß, Sepia. Im Zentrum steht eine Bauernfamilie, die versucht, Widerstand zu leisten. Durch ihr Schicksal erleben wir den „roten Hunger“, das „nackte Leben“: leere Augen, hungrige Gesichter, lebende Tote. Dabei wechseln Visionen einer satten Vergangenheit und Bilder einer hungrigen Gegenwart einander ab. HUNGER 33 behandelt eines der dunkelsten Kapitel und großen Tabus sowjetischer Geschichte: den Holodomor, die Hungersnot in der Ukraine 1932–33, die Millionen von Menschen das Leben kostete.

Russland, kurz nach der Revolution. Es dauert nur Sekunden, Menschen zum Tode zu verurteilen. Andrey Srubov, Leiter der neu gegründeten Geheimpolizei einer russischen Provinzstadt, lässt sie alle erschießen – Popen, Frauen, die Bourgeoisie. Wie Tiere werden sie hingerichtet, doch die Tiere sind die anderen: jene, die schießen, die Leichen wegschleppen und verscharren. Srubov versucht, die Exekutionen philosophisch zu begründen und verliert dabei allmählich den Verstand. DER TSCHEKIST war der erste Perestroika-Film über die Verbrechen der Bolschewiki. Schonungslos, kalt, fast dokumentarisch.

Das friedliche Dasein eines Bauern endet, als sich eine Gruppe zwielichtiger Männer brutal seines Landes bemächtigt, um das dortige Ölvorkommen auszubeuten. Daraufhin trommelt er einige seiner mürrischen Nachbarn zusammen, die sich die Übeltäter vornehmen und eine tödliche Spur der Verwüstung hinterlassen. Der Showdown führt sie nach Moskau, in das alte neue Machtzentrum. In symbolischen bis surrealen Schwarz-Weiß-Bildern zielt das wortkarge Roadmovie auf den Raubkapitalismus der Jelzin-Ära und die verwestlichte russische Filmindustrie, indem es visuell an die Tradition des sowjetischen Vorkriegsfilms anknüpft und ironisch seinen Propagandacharakter umcodiert.

Kurz nach der Wende gliedert man eine Gruppe von ehemaligen Stasi-Agenten in den Polizeidienst ein. Franz Maurer, der seine Geheimdienstkarriere der Ehe mit der Tochter eines Politbüro-Mitglieds verdankt, verliert im Einsatz gegen die Automafia drei Männer. Bald wird klar, dass hinter der brutalen Ermordung der Polizisten nur seine Ex-Kollegen stecken können, deren Auftraggeber über dem Gesetz zu stehen scheinen. Sein Rachefeldzug gegen die korrupte und zynische Mitwelt generiert eine Allegorie der postkommunistischen Verhältnisse, die den bilderstürmerischen und provokativen Mafia-Thriller zum Publikumsschlager eines Kinos der „unmoralischen Unruhe“ machte.

London und Mazedonien werden zu Schauplätzen dreier Liebesgeschichten, deren Figuren ein junger Mönch, eine engagierte Bildredakteurin und ein desillusionierter Kriegsfotograf sind. In drei miteinander verwobenen Kapiteln wird die unbarmherzige Natur des Krieges erforscht, der alle Beteiligten durch unlösbare Konflikte in den Abgrund zieht. Die Titel der Episoden, „Words“, „Faces“ und „Pictures“, spielen auf kulturelle Verständigungsbarrieren sowie Fotos einer Exekution an und somit auf die ambivalente Rolle der Medien im Krieg. Nur dank seiner Form gelingt es dem rückwärts erzählten Episodenfilm, die tödliche Spirale der Gewalt zu durchbrechen.

Drei voneinander unabhängige Musikkomödien mit absurdem Humor bilden einen Omnibusfilm, der die spätjugoslawische Untergangs- und Aufbruchsatmosphäre einfängt: Junge Rebellen und ein Jugo-Ninja. Dracula, eine verführte Unschuld, und dann die ewige Liebe. Eine Schneiderin, ein eifersüchtiger Ehemann und geheime Briefe. Und überall Musik: Volksmusik, Rock'n'Roll, Punkrock, Rap. Die Musik und ein Übermaß an popkulturellen Zeichen sind Ausdruck inoffizieller Subkulturen, ohne jedoch politisch zu sein. Ganz im Gegenteil – den Protagonist/innen dieser Filme geht es im Wesentlichen um sich selbst, um ein unbeschwertes, musikalisches Lebensgefühl.

Ein junger Engländer, ein jugoslawischer Filmemacher, der Krieg in Bosnien. Graham zündet sich vor dem britischen Parlament an, als Protest gegen den Umgang mit diesem Krieg. Nenad Puhovski verwebt in seinem eindrücklichen Anti-Kriegsfilm den Weg Grahams mit seiner eigenen jugoslawischen Biographie.

Im Sommer 1968 finden in Sofia die Weltfestspiele der Jugend und Studenten statt. Sie dienen dem Schiwkow-Regime als Aushängeschild vorgeblicher Liberalität. Einige Jugendliche, darunter Sybille, auch „die Gräfin“ genannt, testen dabei ihre Vorstellungen der deklarierten Freiheit mit Popmusik und Drogen aus, bis eine Polizeirazzia dem kurzen Aufbruch ein Ende setzt. Für Sybille, die verhaftet wird, beginnt eine leidvolle Odyssee durch staatliche Resozialisierungsanstalten: Umerziehungsheime, Arbeitslager, Gefängnis und Psychiatrie. Mit seiner Farbdramaturgie und seinen Tabubrüchen demaskiert der bulgarische Kultfilm die totalitäre Bevormundung der Gesellschaft.

Das friedliche Dasein eines Bauern endet, als sich eine Gruppe zwielichtiger Männer brutal seines Landes bemächtigt, um das dortige Ölvorkommen auszubeuten. Daraufhin trommelt er einige seiner mürrischen Nachbarn zusammen, die sich die Übeltäter vornehmen und eine tödliche Spur der Verwüstung hinterlassen. Der Showdown führt sie nach Moskau, in das alte neue Machtzentrum. In symbolischen bis surrealen Schwarz-Weiß-Bildern zielt das wortkarge Roadmovie auf den Raubkapitalismus der Jelzin-Ära und die verwestlichte russische Filmindustrie, indem es visuell an die Tradition des sowjetischen Vorkriegsfilms anknüpft und ironisch seinen Propagandacharakter umcodiert.

Im Gleichklang mit Edisons Erfindung des elektrischen Lichts erblicken die Zwillingsschwestern Dóra und Lili das Licht der Welt. Während der Kindheit getrennt, halten sie auf unterschiedlichen Pfaden mit dem neuen Jahrhundert Schritt: Lili als Anarchistin, Dóra als Schwindlerin. Ihre Wege kreuzen sich immer wieder, zumal beide eine Affäre mit demselben geheimnisvollen Aristokraten haben. In seiner Vorstellung verschmelzen sie zu einer Person, der perfekten Frau. Enyedis allegorische Zeitreise zu den Ursprüngen des 20. Jahrhunderts zeichnet in ironischen Brechungen Stationen zweier Lebenswege als Verweise auf nicht eingelöste Zukunftserwartungen nach.

Drei voneinander unabhängige Musikkomödien mit absurdem Humor bilden einen Omnibusfilm, der die spätjugoslawische Untergangs- und Aufbruchsatmosphäre einfängt: Junge Rebellen und ein Jugo-Ninja. Dracula, eine verführte Unschuld, und dann die ewige Liebe. Eine Schneiderin, ein eifersüchtiger Ehemann und geheime Briefe. Und überall Musik: Volksmusik, Rock'n'Roll, Punkrock, Rap. Die Musik und ein Übermaß an popkulturellen Zeichen sind Ausdruck inoffizieller Subkulturen, ohne jedoch politisch zu sein. Ganz im Gegenteil – den Protagonist/innen dieser Filme geht es im Wesentlichen um sich selbst, um ein unbeschwertes, musikalisches Lebensgefühl.

Tagein, tagaus der gleiche Weg zur Arbeit, das Gedränge in der Metro und ein öder Job – doch schließlich begehrt der Anstreicher Themroc auf, reißt sich die Kleider vom Leib und wirft alle Einrichtungsgegenstände aus seiner Wohnung, die er zur Höhle umfunktioniert. Sein radikales Beispiel macht Schule und Paris löst sich aus den Fängen der menschenfeindlichen Bürgerlichkeit. Claude Faraldo griff in THEMROC den Geist der französischen Nach-68er-Zeit auf, sein Werk liest sich wie eine satirische Anleitung zur Errichtung einer anarchistisch-ursprünglichen Utopie. Im ganzen Film wird kein einziges Wort gesprochen: „Michel Piccoli grummelt, schreit, röhrt, grunzt, knurrt und grölt sich bewundernswert durch den sprachlosen Film“, schrieb hierzu 1974 Die Zeit.

Ein Dokumentarfilm über diverse Künstler/innen mit unterschiedlichen sexuellen Vorlieben und Lebensentwürfen, die im Berliner Bezirk Neukölln leben. Regisseur Rosa von Praunheim porträtiert unter anderem den Alltag der 89-jährigen Frau Richter, die nach Berlin zog, weil sie hier unbehelligt ihre Homosexualität leben kann, und den Kubaner Joaquin la Habana, der in Neukölln mit einem Mann zusammenlebt. Die zentrale Persönlichkeit des Films ist allerdings die Künstlerin Juwelia, die mit bürgerlichem Namen Stefan Stricker heißt und seit Jahren eine Galerie in Neukölln betreibt. Rosa von Praunheim zeigt die wöchentlichen Feiern in der Galerie, begleitet Juwelia zu ihrer ersten Ausstellung in New York City und beim Besuch am Grab ihrer Mutter.

Während des Zweiten Weltkrieges wurde der melancholische Schlager „Lili Marleen“ zum meistgehörten Soldatenlied. Später von zahlreichen Sängerinnen interpretiert, war es ursprünglich Lale Andersen, deren Stimme der Sehnsucht der Soldaten an allen Fronten Ausdruck verlieh. Fassbinder erzählt weitgehend fiktional von der Entstehung des Liedes und von Andersens Beziehung zu einem jüdischen Komponisten. Dessen Tätigkeit als Widerstandskämpfer gefährdet beider Leben. Das Werk ist eine visuelle und narrative Huldigung an die Stilmittel des Melodrams und damit typisch für Fassbinders späte Filme.