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Sechs Personen und eine Vielzahl grotesk scheiternder Verabredungen zum Essen: Mal irrt man sich im Datum, mal wird das Restaurant zum Aufbahren des frisch verstorbenen Eigentümers benötigt. Auf allerhand Traum- und Bewusstseinsebenen spielt Buñuel dabei die hohle Existenz des Großbürgertums durch. In ihrem Vortrag zeichnet Marie Rebecchi die Beziehungen zwischen Ekel, Perversion und Essen im Werk des Regisseurs nach, welche in Buñuels Filmen seit L'ÂGE D'OR (1930) präsent sind und ab den 1960er Jahren, als der Regisseur VIRIDIANA (1961) drehte, verstärkt aufgetreten sind. In den 1970ern wurden die Themen Ekel, Exzess, Perversion und Vergnügen in fatalen Extremen im europäischen Kino immer häufiger: Wie Bertoluccis LAST TANGO IN PARIS (1972) und Marco Ferreris LA GRANDE BOUFFE (1973) arbeitet auch Buñuel in LE DISCRET CHARME DE LA BOURGEOISIE (1972) mit Mitteln der Sublimierung und Ersetzung.

Der Film für den Louis Malle erstmals alleinig das Drehbuch schrieb, widmet sich behutsam den letzten 48 Stunden eines Mannes, der nach einem Entzug den Lebenswillen verloren hat. Die Arbeit an dem Projekt half dem Regisseur, sich nach dem Tod eines Freundes aus einer persönlichen Krise zu lösen. Auch für Volker Schlöndorff, damals der Assistent des Filmemachers, bedeutete LE FEU FOLLET eine Zäsur: Während der Film geschnitten wurde, begann er, das Drehbuch zu seinem Debüt DER JUNGE TÖRLESS (1966) zu schreiben. „Der fast autobiographische Film meines ‚Bruders‘ Malle, der das Irren durch Paris, das Suchen nach einem Sinn, die abgründige Melancholie dieser Stadt zeigt, Swann lässt grüßen. Seine Verzweiflung ist so groß, dass auch die beste Freundin Jeanne Moreau ihn nicht halten kann.“ (Volker Schlöndorff)

Das moderierte Kurzfilmprogramm präsentiert kurze Trickfilme aus der Zeit des Weimarer Kinos. Zu sehen sind Schattenfilme von Lotte Reiniger, Avantgardefilme von Oskar Fischinger und frühe Werbefilme. Unterlegt sind die Filme aus den 1920er und 30er Jahren mit klassischer Musik und Jazz.

Der pensionierte Forstverwalter Faik lebt auf einem abgeschiedenen Stück Land in den Bergen Anatoliens. An einem Sommertag besuchen ihn sein Sohn und die Enkel. Doch die Stimmung ist getrübt. Grund ist die latente Bedrohung durch Nomad:innen auf der anderen Seite des Hügels. Die unsichtbare Gefahr lässt die Familie stärker zusammenhalten – doch das nahende Unheil ist unabwendbar. Emin Alpers Langfilmdebüt wurde 2012 auf der Berlinale mit dem Caligari-Filmpreis für thematische oder stilistische Innovation ausgezeichnet.

Im Hafen von Hoboken herrscht eine korrupte Gewerkschaft, die von dem rücksichtslosen Johnny Friendly geleitet wird. Arbeiter, die aufbegehren, müssen damit rechnen, keinen Job oder im schlimmsten Fall den Tod zu finden. ON THE WATERFRONT gilt als Meilenstein des amerikanischen Kinos und als herausragender Vertreter des Method Acting im Film. Er wurde unter anderem mit acht Oscars und vier Golden Globes ausgezeichnet. „Mein Erweckungserlebnis: Wenn dieser Aufschrei gegen Ungerechtigkeit Kino ist, muss ich auch Film machen. Wohl verliebt in Marlon Brando und seinen Traum, einmal im Leben ‚jemand‘ zu sein. Kazans Schauspielführung für immer mein Vorbild.“ (Volker Schlöndorff)

„Während sich die meisten Regisseure dem Tonfilm skeptisch näherten, feierte Vertov ihn als Bereicherung, mehr noch: als Vervollkommnung des Mediums. ENTUZIAZM (SIMFONIJA DONBASSA) (1930) demonstriert die Möglichkeiten von Geräusch und Musik mit solch programmatischer Brillanz, dass der Film noch heute wie ein unüberholtes Lehrstück in Sachen Bild-Ton-Montage erscheint. Der Beginn, in dem die Gesänge des alten orthodoxen Russlands mit Einstellungen von Kirchen, Betenden und Alkoholikern gekoppelt sind, und die darauffolgenden „Gesänge“ von Hochöfen, Kolben und Erntemaschinen zählen zum Faszinierendsten in Vertovs Schaffen. Charles Chaplin: „Ich halte Entuziazm für eine der erregendsten Sinfonien, die ich je gehört habe.“ (Harry Tomicek, Österreichisches Filmmuseum)

Georg Wilhelm Pabsts Stummfilmklassiker basiert lose auf Frank Wedekinds Theaterstücken „Erdgeist“ (1898) und „Die Büchse der Pandora“ (1903). Dr. Schön, Zeitungsverleger und Mitinhaber eines Revue-Theaters, erliegt den Reizen der Blumenverkäuferin Lulu, doch die Hochzeitsnacht endet tragisch. Lulu gelingt die Flucht nach Paris, wo sie einem Erpresser in die Hände fällt und erneut fliehen muss. DIE BÜCHSE DER PANDORA brach eine Reihe von Tabus und machte Louise Brooks zur Legende. Die US-Amerikanerin glänzt als verführerische Femme Fatale, die Frauen wie Männern zum Verhängnis wird, ehe sie selbst einem Mörder zum Opfer fällt.

In Paris sah Schlöndorff gemeinsam mit Bertrand Tavernier GYCKLARNAS AFTON. Das Werk war für den Regisseur der erste Kontakt mit den Filmen Ingmar Bergmans, der damals noch als Cineast selbst in seiner schwedischen Heimat unterschätzt war. Der Film kreist um einen Zirkusdirektor, der mit seiner Truppe in seiner Heimatstadt Halt macht. „Und dann kamen die körnigen, harten Schwarzweiß-Bilder von Kameramann Sven Nykvists bei seiner ersten Arbeit mit Bergman. Ein alternder Schauspieler, noch in verschmierter Clownsmaske, setzte eine Pistole an, um sich das Hirn auszublasen. (...) Nie wieder im Leben ist mir ein Werk verzweifelter vorgekommen, auch kein Film von Bergman selbst.“ (Volker Schlöndorff)

John Waters' Underground-Schocker, seinerzeit mit der Tagline "An Exercise In Poor Taste" beworben, mischt in lustvoll überzeichneter Weise Sex, Gewalt und Geschmacklosigkeit. Ein berühmt-berüchtigtes Midnight Movie, das mit subversiver Verve, anarchischem Humor und grotesk überzeichneten Tabubrüchen zu einer beißenden Satire auf konservative US-Moralvorstellungen und Klischeebilder von gesellschaftlichem Außenseitertum ausholt. Mittendrin: Dragqueen Divine im Wettstreit um die Auszeichnung als „Filthiest Person Alive“.

Über drei Generationen erzählt ARMY die Geschichte einer Familie, deren Leben eng mit dem Militär verwoben ist. 1944 unter strengen Zensurauflagen gedreht, bietet der Film zunächst ein verklärendes Bild der japanischen Streitkräfte. Dieses wird jedoch insbesondere im Finale subtil unterwandert, was Kinoshita ein Berufsverbot bis zum Kriegsende einbrachte. Seine emotionale Wucht verdankt ARMY nicht zuletzt dem berührenden Schauspiel von Kinuyo Tanaka.

Der Sommer 2003 bricht in Deutschland alle Hitzerekorde – auch im Berliner Ortsteil Gropiusstadt. Dort geht es zwischen den Teenagern Lukas, Gino, Julius und Sanchez ebenfalls heiß her. Beim Drogenkauf im Park läuft plötzlich alles schief und die Freunde geraten zwischen die Fronten der Dealer. Lukas wird verprügelt und soll 500 Euro Schutzgeld bezahlen. Die Jungs haben kein Geld und hecken daher einen vermeintlich wasserdichten Plan aus: die neuen Schulcomputer klauen und zu Geld machen. Temporeich, unterhaltsam und mit viel Situationskomik zieht der auf der Romanvorlage des Comedian Felix Lobrecht basierende Film SONNE UND BETON die Kinobesucher:innen in den Sog des Alltags der Berliner Vorstadt.

Seit der Geburt der kleinen Schwester dreht sich in Kuns Familie alles um das Baby. Er flüchtet sich in den mysteriösen Garten des Hauses, wo ihm allerhand Personen aus Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft begegnen. Die episodenhafte Erzählung über Eifersucht und familiäre Konflikte ist für Kinder und Erwachsene gleichermaßen geeignet. Der Animationsfilm ist begleitend zum japanischen Filmfestival Nippon Connection zu sehen.

Die liberale Familie Osone wird durch den Pazifikkrieg auseinandergerissen: Sohn Ichiro muss wegen eines kritischen Zeitungsartikels ins Gefängnis und seine Brüder Taiji und Takashi werden vom Militär eingezogen. Als sich der ultranationalistisch gesinnte Schwager im Haus der verwitweten Mutter und ihrer Tochter festsetzt, wird die Situation unerträglich. Direkt nach dem Krieg unter der amerikanischen Besatzung entstanden, ist MORNING FOR THE OSONE FAMILY der erste Film, den Regisseur Keisuke Kinoshita ohne japanische Militärzensur drehen konnte.

Ein kleines Dorf in der Präfektur Nagano erwartet hohen Besuch: Okin, die unter ihrem Bühnennamen Lily Carmen in Tokio zum Star geworden ist, will nach Jahren ihren Vater in der ländlichen Heimatstadt besuchen. Was hier noch niemand weiß: Berühmt ist Okin in der Stadt als Striptease-Tänzerin. Im ersten Farbfilm Japans kommentiert Keisuke Kinoshita mit viel Ironie den Kontrast zwischen Stadt- und Landbevölkerung.

Carmen lebt zusammen mit ihrer Freundin Akemi wieder in der Großstadt. Sich von Job zu Job hangelnd, werden sie in die Untiefen der japanischen Gesellschaft hinabgezogen, vom elitären Kunstbetrieb bis zu politischen Kampagnen. Die sehr lose Fortsetzung zu CARMEN COMES HOME (1951) gilt als einer der wichtigsten satirischen Filme der japanischen Kinogeschichte. Auf formaler Ebene spiegelt die absolut irrwitzige Kameraführung die turbulente Handlung wider.

Die junge Lehrerin Hisako wird 1928 auf eine abgelegene Insel berufen, um dort an der Grundschule zu unterrichten. Als Jahre später die Auswirkungen des Pazifikkrieges in Japan spürbar werden, gerät das idyllische Leben der Menschen auf der Insel aus den Fugen. Keisuke Kinoshita zeigt eindrücklich, wie das Schicksal der Lehrerin und ihrer zwölf Schüler:innen zunehmend von Kriegspropaganda und Militarismus geprägt wird.

Masao blickt als alter Mann zurück auf seine erste Liebe: Er besucht das Dorf seiner Kindheit und Jugend, wo er als junger Mann seinen Schwarm Tamiko zurückließ. Die beiden mussten sich den Plänen ihrer Familien beugen und ihre Liebe endete tragisch. Keisuke Kinoshita, der für seine formalen Experimente bekannt ist, setzte alle Szenen aus der Vergangenheit in eine Rahmenvignette und betonte so den melancholischen Charakter des Films.

Hideo, der jüngste Sohn der Nagura-Familie, will gemeinsam mit Haruko Selbstmord begehen, weil sein tyrannischer Vater die Liebesbeziehung der beiden nicht akzeptiert. Mit seinem Tod bringt Hideo Schande über seine Familie, während Haruko überlebt und ihren gemeinsamen Sohn Suteo zur Welt bringt. 18 Jahre später verliebt sich Suteo ausgerechnet in eine junge Frau aus der Nagura-Familie und eine neue Tragödie bahnt sich an. Mit scharfer Kritik an Familientraditionen und einer betont non-linearen Erzählweise gehört THE SNOW FLURRY zu den Vorläufern der Neuen Welle Japans.

Mit Ryuichi Sakamoto, der zahlreiche internationale Filme vertonte, ist am 28. März einer der größten japanischen Künstler der Gegenwart gestorben. Regisseur Stephen Nomura Schible hat den Musiker seit 2012 mehrere Jahre lang begleitet: Seine sehr persönlichen Aufnahmen fügte er mit Archivmaterial zusammen und schuf so ein berührendes Porträt eines rastlosen Künstlers, der sich immer wieder neu erfunden hat.

Seit der Geburt der kleinen Schwester dreht sich in Kuns Familie alles um das Baby. Er flüchtet sich in den mysteriösen Garten des Hauses, wo ihm allerhand Personen aus Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft begegnen. Die episodenhafte Erzählung über Eifersucht und familiäre Konflikte ist für Kinder und Erwachsene gleichermaßen geeignet. Der Animationsfilm ist begleitend zum japanischen Filmfestival Nippon Connection zu sehen.

Der Haushalt der wohlhabenden Okudaira-Familie wird durcheinandergewirbelt, als ein Süßkartoffelverkäufer in ihrem Wohnzimmer einen Schlaganfall erleidet und dort gesund gepflegt werden muss. Keisuke Kinoshita lässt seine Screwball-Komödie fast gänzlich im Familienanwesen spielen und zeichnet in prachtvollen Farben ein bissiges und doch hoffnungsvolles Porträt der japanischen Klassengesellschaft.

Die Chronik einer armen Bauernfamilie im Japan des 16. Jahrhunderts: In einer Zeit, die von ständigen Bürgerkriegen geprägt ist, tritt der älteste Sohn Sozo in den Dienst des Takeda-Clans. Auch seine Brüder folgen ihm, um den ärmlichen Verhältnissen zu entfliehen. Kinoshitas Historienfilm ist ein Gegenentwurf zu den actiongeladenen Samurai-Epen seiner Zeit und vor allem durch das auffällige Spiel mit Farben eine seiner spektakulärsten und formal gewagtesten Regiearbeiten.

Albi, Tayfun und Franz sind beste Freunde und teilen ihre Leidenschaft für Motorräder. Doch die sind ein teures Hobby, und die Bank drängt auf die Rückzahlung der Raten. Die Arbeit in einer Autowerkstatt hält sie eine Weile über Wasser, doch als sie nach dem Tod des Chefs entlassen werden, geraten sie an einen Kredithai und die Geldnot führt zu einem gewagten Plan. Dominik Grafs präzise Milieu- und Charakterstudie macht die Alltagsprobleme und Abenteuer der Freunde auf unterhaltsame und unverkrampfte Weise lebendig. Für Tayfun Bademsoy war TREFFER der Durchbruch, auf den zahlreiche Auftritte vor allem in Fernsehserien folgten.

Ein junger Staatsanwalt wird in die türkische Provinz gesandt, um in einem Dorf zu ermitteln, das von akutem Wassermangel betroffen ist. Bald schon findet sich der Anwalt inmitten eines Konflikts verschiedener Parteien, die Einzelinteressen zu Ungunsten der Allgemeinheit auszuspielen versuchen. Emin Alpers Polit-Thriller ist ein Film von besonderer Aktualität, der sowohl durch sein Ensemble als auch durch seine Bildsprache eine Sogwirkung zu entfaltet.

PERWYJ UTSCHITJEL spielt in Kirgisien: Ein ehemaliger Soldat der Roten Armee kommt in ein einsames Bergdorf, um als erster Lehrer die einheimischen Kinder zu unterrichten. Er hat von Anfang an gegen den Widerstand der fortschrittsfeindlichen Dorfbevölkerung zu kämpfen. Der Konflikt verschärft sich, als eine Schülerin, zu der er eine tiefe Zuneigung empfindet, gegen ihren Willen mit einem mächtigen Großbauern verheiratet wird. „Es ist der uralte Kampf gegen das Patriarchat, könnte heute in Afghanistan spielen – und hat mich mit ULZHAN zu einer Dorfschullehrerin in die Steppe gelockt.“ (Volker Schlöndorff)

Die jugendliche Halbwaise Manuela erlebt an einem Stift für höhere Töchter in Potsdam eine Erziehung, die von preußischem Drill und dem Fehlen menschlicher Nähe geprägt ist. Einziger Lichtblick ist für sie die zugewandte Lehrerin Fräulein von Bernburg, die sich dem rigiden Erziehungsideal der Oberin widersetzt. Doch als Manuela der nur wenige Jahre älteren Frau ihre Liebe gesteht, führt das zum Eklat. Der Klassiker des frühen deutschen Tonfilms, der heute als lesbischer Kultfilm verehrt wird, wartet mit einem rein weiblichen Cast und zwei Frauen in Schlüsselpositionen auf: Das Drehbuch schrieb Christa Winsloe, Regie führte Leontine Sagan.

„Ein Film, vollgesogen mit dem schönen Saft gelebten und erfahrenen Lebens. Seine Armut, sein Mangel an Geld, die Reduktion des Apparats, Minimierung der Crew, Absenz technischer „Raffinessen“ - all dies erweist sich postwendend als Reichtum und freies Atmen, an dem es der Mehrzahl gelackter, zu Tode perfektionierter Kinoprodukte gebricht. Cook filmt als starke, sanfte, unkorrumpierte Persönlichkeit im Modus der ersten Person und des intimen Plurals. Ich filme mit 16mm-Schwarzweiß-Material, ich spiele mich, wir spielen uns selbst, vermische und vermischen traumwandlerisch gelöst die Jetons von Autobiographie und Fiktion, von Dokument und Zitat, Vor-sich-hin-Phantasieren und wissbegieriger Visitation eines strömenden Lebens. Film privé, charmantes Gedicht über persönliche Beziehungen und „Amateurkino“ im intensiven Wortsinn: Kino, in Kinetik versetzt von Liebhabern (Amateuren), solchen des Films, solchen des menschlichen In-der-Welt-Seins. (Harry Tomicek, Österreichisches Filmmuseum)

Wanderratte Rémy hat eine für seine Art ungewöhnliche Leidenschaft: Er liebt gutes Essen und kocht mit Vorliebe Gourmetgerichte. Bei einem Streifzug durch Paris entdeckt er das Restaurant seines großen Vorbildes, des verstorbenen Sternekochs Gusteau. Unterstützt durch dessen Geist beschließt Rémy dem unbegabten Küchenjungen Linguini unter die Arme zu greifen. Der liebevoll animierte Lobgesang auf den guten Geschmack und kulinarische Obsessionen wurde mit dem Oscar® für den besten Animationsfilm ausgezeichnet.

Zaubern ist Busters Lieblingshobby. Der lebensfrohe Elfjährige trainiert fleißig, um die Konkurrenz beim nächsten Talent-Wettbewerb hinter sich zu lassen und einmal der größte Zauberkünstler des Landes zu werden. Doch vorher erwarten ihn einige Hindernisse sowie die erste große Liebe. Zweite Verfilmung des dänischen Kinderbuchs von Bjarne Reuter mit einer hervorragenden Darstellung von Manfred Weber Cortzen als etwas eigenwilliger Buster.

Der bereits mit einigen Tonsequenzen ausgestattete Stummfilm ist ein sozialkritisches Manifest gegen den damals noch in verschärfter Form geltenden Abtreibungsparagraphen 218 und ein eindrucksvolles Beispiel des proletarischen Films der Weimarer Republik. Basierend auf dem Theaterstück von Friedrich Wolf wird das Schicksal der arbeitslos gewordenen Stenotypistin Hete geschildert, die sich inmitten des materiellen Überlebenskampfes für einen Schwangerschaftsabbruch entscheidet. Weil die Ärzte sich weigern, den Eingriff vorzunehmen, gerät Hete an eine Kurpfuscherin, die ihr Cyankali verabreicht – mit verheerenden Folgen.

Ein Boxkampf in Atlantic City bildet den Hintergrund für Brian De Palmas Thriller über ein Mordkomplott an einem hochrangigen Politiker. Auf filmischer Ebene arbeitet De Palma mit beeindruckenden Plansequenzen, während Nicolas Cage als ermittelnder Polizist mit einer furiosen Performance überzeugt. Die zwischen Melodramatik und klassizistischer Spannung pendelnde Filmmusik komponierte der japanische Komponist Ryuichi Sakamoto, der im März 2023 im Alter von 71 Jahren an einem Krebsleiden starb.

Enthalten in dieser Kurzfilm-Zusammenstellung sind ZWEI ZAREN, ein epochaler Abgesang, WENN ORPHEUS SINGT, eine Sternstunde der Kleintierdressur und ISLAND - INSEL DES FEUERS, einer der schönsten Filme über Island überhaupt. Zusammengehalten wird der pythoneske Reigen von Alfred Edel.

Der Schauspieler Viktor Hempel verdient als Damen-Imitator „Monsieur Viktoria“ sein Geld, sieht sich aber zu größeren Rollen berufen. Beim Vorsprechen in einer Theateragentur stellt er eine ernste Szene unfreiwillig komisch dar. Er wird abgelehnt und trifft auf die ebenfalls wenig erfolgreiche Sängerin Susanne Lohr. Als Viktor erkrankt, springt Susanne als „Monsieur Viktoria“ für ihn ein. Der Erfolg ist groß und führt Susanne sogar nach London – bis ihr Londons berühmtester Frauenkenner auf die Schliche kommt. Noch ganz im Geist der Weimarer Zeit, entfaltet das mit Charme und Spielwitz inszenierte Musical ein einfallsreiches, satirisch gefärbtes Spiel um Verhaltensnormen und Geschlechterrollenklischees.

Emin Alpers ABLUKA skizziert das Leben in einer Gesellschaft, die kurz vor dem Kollaps zu stehen scheint. Während bewaffnete Gruppierungen die Kontrolle über einige Vorstädte Istanbuls erlangt haben, erzeugen schärfere Repressionen des Staates ein Klima des Misstrauens und der Paranoia. Kadir wird nach rund zwanzig Jahren vorzeitig aus dem Gefängnis entlassen, um für die Polizei als Informant zu arbeiten. „Wenn es einen Film gibt, der uns vor Augen führt, wohin ein Land und seine Gesellschaft driften, wenn Ausgrenzung und Verdacht bestimmend werden, dann dieser.“ (Walter Ruggle)

Zaubern ist Busters Lieblingshobby. Der lebensfrohe Elfjährige trainiert fleißig, um die Konkurrenz beim nächsten Talent-Wettbewerb hinter sich zu lassen und einmal der größte Zauberkünstler des Landes zu werden. Doch vorher erwarten ihn einige Hindernisse sowie die erste große Liebe. Zweite Verfilmung des dänischen Kinderbuchs von Bjarne Reuter mit einer hervorragenden Darstellung von Manfred Weber Cortzen als etwas eigenwilliger Buster.

Die drei Schwestern Reyhan, Nurhan und Havva leben mit ihrem Vater in einem abgelegenen Dorf in Zentralanatolien. Nacheinander und aus unterschiedlichen Gründen kehren sie aus der Stadt zurück, wo sie als Hausmädchen eigentlich ihre Chancen auf eine bessere Zukunft erhöhen sollten. Während sie darauf warten, dass die verschneiten Straßen wieder passierbar werden, vertreiben sich Vater und Töchter die Zeit mit Geschichten. KIZ KARDESLER gibt mit eindringlichen Bildern und einer märchenhaften Atmosphäre einen Einblick in das Leben einer Familie und die sozialen Strukturen der Region.

Der Film für den Louis Malle erstmals alleinig das Drehbuch schrieb, widmet sich behutsam den letzten 48 Stunden eines Mannes, der nach einem Entzug den Lebenswillen verloren hat. Die Arbeit an dem Projekt half dem Regisseur, sich nach dem Tod eines Freundes aus einer persönlichen Krise zu lösen. Auch für Volker Schlöndorff, damals der Assistent des Filmemachers, bedeutete LE FEU FOLLET eine Zäsur: Während der Film geschnitten wurde, begann er, das Drehbuch zu seinem Debüt DER JUNGE TÖRLESS (1966) zu schreiben. „Der fast autobiographische Film meines ‚Bruders‘ Malle, der das Irren durch Paris, das Suchen nach einem Sinn, die abgründige Melancholie dieser Stadt zeigt, Swann lässt grüßen. Seine Verzweiflung ist so groß, dass auch die beste Freundin Jeanne Moreau ihn nicht halten kann.“ (Volker Schlöndorff)

„Erstes Langfilmgedicht einer der faszinierendsten Stimmen im Gegenwartskino: Der täuschende Doku-Beginn dieser Reise von Bangkok südwärts weicht bald einem unvergleichlichen, unvorhersehbaren, aus dem kollektiven Unbewussten aufsteigenden Fakt-Fiktion-Fantasie-Bastard. Unterwegs hörte der Regisseur eine Geschichte, die er von anderen Menschen, die er traf, nach Belieben weiterspinnen ließ. MYSTERIOUS OBJECT AT NOON (2000) wurde unter schwierigsten Bedingungen produziert, in einem Land, in dem keine adäquate Filmarchivierung etabliert war. Das 16mm-Originalmaterial ging verloren, schließlich konnte das Werk nicht mehr als Filmkopie vorgeführt werden. Deshalb war kaum zwölf Jahre nach seiner Entstehung die Restaurierung dieses einzigartigen Films notwendig – eine Aufgabe, die das Filmmuseum in Partnerschaft mit Martin Scorseses World Cinema Project und in enger Zusammenarbeit mit Apichatpong Weerasethakul übernahm. (Christoph Huber/Oliver Hanley, Österreichisches Filmmuseum)

Eva Hielscher, Isabelle Bastian und Jens Kaufmann geben Einblicke in die Sammlung, die vor der Schenkung von seiner Witwe, Dr. Silvia Vega-Llona, aufbewahrt wurde, und erläutern ihren Wert für die Forschung. Alo Paistik präsentiert die Website zur Elsaesser-Sammlung, die derzeit im Auftrag des DFF von Ayham Ghraowi erstellt wird, und Vinzent Hediger gibt Auskunft, wie der gemeinsame Masterstudiengang Filmkultur und die Forschungsprojekte der Universität die Sammlungen im DFF-Archiv nutzen.

Enttäuschte Weihnachtserwartungen, bizarre Schönheitswettbewerbe und die mörderische Sehnsucht nach dem Rampenlicht: In seinem für viele besten Film holt der „King of Trash“ John Waters im Verbund mit Divine erneut zu einem wilden, bewusst geschmacklosen Rundumschlag auf den American Way of Life, die Mediengesellschaft sowie die Fetische von Schönheit, Jugend und Schlankheit aus. Grandios überdreht, derb und schräg!

Ein Zentralwerk im Schaffen von Harun Farocki, der darin die Entstehung des deutschen Industriekomplexes vom Ende des Ersten Weltkriegs bis in die 1930er Jahre hinein und die Wurzeln des Faschismus darin untersucht. Historisch und thematisch mit DIE SONNENINSEL verwandt, zieht Farocki eine Parallele zwischen den industriellen Produktionsprinzipien und dem Filmemachen. Auch für Elsaesser ist es eine wichtige frühe Referenz in Farockis Werk: „Das erste Mal habe ich einen seiner Filme auf einer Konferenz in Vancouver vorgestellt, nachdem ich eine 16mm-Kopie von ZWISCHEN ZWEI KRIEGEN am kanadischen Zoll vorbei geschmuggelt hatte.“ Elsaesser analysierte den Film in dem 2004 von ihm herausgegebenen Buch „Harun Farocki: Working on the Sight-Lines“ umfassend.

Begrüßung: Ellen Harrington. Malte Hagener über die Bedeutung von Elsaesser, Alo Paistik stellt die neue Elaesser-Website vor. Nach dieser Website-Präsentation ist Thomas Elsaessers essayistischer Dokumentarfilm DIE SONNENINSEL im Kino des DFF zu sehen.

Frankfurts Stadtbaurat Ernst May und Architekt Martin Elsaesser wurden in den 1920er Jahren zu Vorreitern des Neuen Bauens. Vor den Nazis floh May in die Sowjetunion, Elsaesser auf eine abgeschiedene Insel im Osten Berlins. Auf dieser „Sonneninsel“ begegnen Elsaesser und seine Frau dem Landschafts- und Gartenarchitekten Leberecht Migge, der dort seine Ideen der autarken Versorgung und des alternativen Lebens in die Praxis übersetzen wollte. In DIE SONNENINSEL erzählt Martin Elsaessers Enkel Thomas Elsaesser anhand bislang unbekannter Privataufnahmen vom erzwungenen Aussteigerdasein seines berühmten Großvaters und einer tragischen Ménage à trois.

In Paris sah Schlöndorff gemeinsam mit Bertrand Tavernier GYCKLARNAS AFTON. Das Werk war für den Regisseur der erste Kontakt mit den Filmen Ingmar Bergmans, der damals noch als Cineast selbst in seiner schwedischen Heimat unterschätzt war. Der Film kreist um einen Zirkusdirektor, der mit seiner Truppe in seiner Heimatstadt Halt macht. „Und dann kamen die körnigen, harten Schwarzweiß-Bilder von Kameramann Sven Nykvists bei seiner ersten Arbeit mit Bergman. Ein alternder Schauspieler, noch in verschmierter Clownsmaske, setzte eine Pistole an, um sich das Hirn auszublasen. (...) Nie wieder im Leben ist mir ein Werk verzweifelter vorgekommen, auch kein Film von Bergman selbst.“ (Volker Schlöndorff)

Die scheue Waise Tristana (Catherine Deneuve) wohnt als Hausmädchen bei Don Lope, einem alternden und eitlen Caballero. Als dieser sie zwingt, seine Mätresse zu werden, leistet Tristana zunächst kaum Widerstand. Doch eines Tages flieht die Frau mit dem jungen Maler Horacio und verlässt ihren einstigen Gönner. „Es ist keine Übertreibung zu behaupten, dass TRISTANA (1970) ein Film ist, der wie ein Schock wirkt. Plötzlich, wenn es so aussieht, als ob der Film auf einen kanonischen Schluss zusteuert, unterbricht Buñuel seine Gleichgültigkeit und lässt den Zuschauer in einem Zustand des Erstaunens zurück, der jedes Gefühl der Sicherheit untergräbt.“ (Jordi Xifra) In seinem Vortrag untersucht Jordi Xifra, die Schlusssequenz des Films und damit verbundene Fragen mit Hilfe von Gilles Deleuzes Konzept des Impuls-Bildes.

Das kleine Kapuzineräffchen Saï wächst in Gefangenschaft auf, bis es nach einem Flugzeugabsturz den Weg in die Wildnis findet. Von nun an muss es den Gefahren des brasilianischen Regenwaldes trotzen und begegnet dabei unterschiedlichen Tieren. Die Mischung aus Dokumentar- und Spielfilmelementen ergibt einen spannenden und lehrreichen Blick auf das faszinierende Ökosystem.

Der erste deutsche Film über Homosexualität ist ein Aufklärungsfilm abseits aller Klischees und glänzt mit hervorragenden Schauspielleistungen. Der Geigenvirtuose Paul Körner fördert das musikalische Talent des jungen Kurt Sivers, dessen Eltern das schwärmerische Verhältnis der beiden mit Misstrauen beobachten. Körner wird vom homophoben Ganoven Bollek erpresst. Schließlich zeigt Körner den Erpresser an, der sich mit einer Anzeige wegen § 175 revanchiert, was Körner ins Gefängnis bringt und aufgrund der sozialen Ächtung in den Suizid treibt.

2009 erscheint eine Annonce: Pedi und Anny suchen einen Samenspender. Mit dem großen Kinderwunsch der beiden Frauen beginnt diese Familiengeschichte. In einer Zeit, in der das Familienbild aus Mutter, Vater und Kind besteht, geht ihr Traum mit Eike in Erfüllung. Mit ihm als Spender bekommen sie drei Söhne. Über 13 Jahre lang begleitet die Filmemacherin Annette Ernst das lesbische Paar in ihrem Dokumentarfilm MUTTER MUTTER KIND. Dem Film gelingen dabei einfühlsame Beobachtungen, ohne den gesellschaftlichen Kontext aus dem Blick zu verlieren. In Kooperation mit dem Netzwerk LSBT*IQ Rhein-Main.

Hier spielen Farben die Hauptrolle: Das Kurzfilmprogramm ist eine spannende Reise durch Animations- und Experimentalfilme, die bis zu den Ursprüngen des Films zurückführt und die ästhetische Wirkung von Farbe erfahrbar macht. Zwischen den Filmen finden kleine Kreativeinheiten statt. Mit freundlicher Unterstützung der Ustinov-Stiftung.

Die scheue Waise Tristana (Catherine Deneuve) wohnt als Hausmädchen bei Don Lope, einem alternden und eitlen Caballero. Als dieser sie zwingt, seine Mätresse zu werden, leistet Tristana zunächst kaum Widerstand. Doch eines Tages flieht die Frau mit dem jungen Maler Horacio und verlässt ihren einstigen Gönner. „Es ist keine Übertreibung zu behaupten, dass TRISTANA (1970) ein Film ist, der wie ein Schock wirkt. Plötzlich, wenn es so aussieht, als ob der Film auf einen kanonischen Schluss zusteuert, unterbricht Buñuel seine Gleichgültigkeit und lässt den Zuschauer in einem Zustand des Erstaunens zurück, der jedes Gefühl der Sicherheit untergräbt.“ (Jordi Xifra) In seinem Vortrag untersucht Jordi Xifra, die Schlusssequenz des Films und damit verbundene Fragen mit Hilfe von Gilles Deleuzes Konzept des Impuls-Bildes.

In TOPKAPI versieht Regisseur Jules Dassin das Genre des Einbruchsthrillers gelungen mit komischen Elementen: Ein wertvoller Dolch soll aus dem Topkapi-Museum von Istanbul gestohlen werden. Doch die Diebesbande hat ihren ausgeklügelten Plan ohne den so tollpatschigen wie verräterischen Fremdenführer Arthur gemacht. Fritz Göttler schrieb in der Süddeutschen Zeitung: „Arthur, für den Ustinov seinen zweiten Oscar® gekriegt hat, ist der wahre Held des zwanzigsten Jahrhunderts, ein Opfer der Frühphase der Globalisierung, die sich vor allem in bürokratischen Schikanen und irren kriminellen Meisterstücken niederschlägt.“

Das kleine Kapuzineräffchen Saï wächst in Gefangenschaft auf, bis es nach einem Flugzeugabsturz den Weg in die Wildnis findet. Von nun an muss es den Gefahren des brasilianischen Regenwaldes trotzen und begegnet dabei unterschiedlichen Tieren. Die Mischung aus Dokumentar- und Spielfilmelementen ergibt einen spannenden und lehrreichen Blick auf das faszinierende Ökosystem.

THE BAREFOOT CONTESSA beginnt mit einem Begräbnis im Regen und erzählt in Rückblenden die Geschichte eines kometenhaften Aufstiegs: Drei Männer erinnern sich an Maria Vargas, eine Tänzerin, die von einem abgehalfterten Regisseur in Spanien entdeckt und wenig später in Hollywood zum Star wird. „Farbenfroh nach all diesen Schwarz-Weiß-Filmen und prallvoll spanischen Lebens und Sterbens, wird Ava Gardner von Mankiewicz gefeiert (…). Als 16-Jähriger dachte ich, es sei der größte Kitsch, später habe ich entdeckt, dass dieser Regisseur im Film mein eigentliches Vorbild war. Kein Wunder, ist es doch Humphrey Bogart.“ (Volker Schlöndorff)

Der pensionierte Forstverwalter Faik lebt auf einem abgeschiedenen Stück Land in den Bergen Anatoliens. An einem Sommertag besuchen ihn sein Sohn und die Enkel. Doch die Stimmung ist getrübt. Grund ist die latente Bedrohung durch Nomad:innen auf der anderen Seite des Hügels. Die unsichtbare Gefahr lässt die Familie stärker zusammenhalten – doch das nahende Unheil ist unabwendbar. Emin Alpers Langfilmdebüt wurde 2012 auf der Berlinale mit dem Caligari-Filmpreis für thematische oder stilistische Innovation ausgezeichnet.

„Seine erste lange Arbeit begründete Mitte der 1970er Jahre Bennings singuläre Stellung in der Filmkunstwelt. Jetzt liegt das auf 16mm gedrehte Werk digitalisiert und restauriert vor. 11X14 (1976) ist eine zugleich linear wie zirkulär angelegte Reise durch ein ländliches Amerika. Züge schieben sich ins Bild, Sattelschlepper durchqueren Landschaften, Menschen fahren Auto, liebkosen einander, bleiben stehen. In präzise kadrierten statischen Einstellungen inventarisiert Benning seine Lebensumwelt in Echtzeit und erzwingt so, jenseits dieser Mini-Narrative, ein Nachdenken auch darüber, wie wir Bilder lesen.“ (Maria Marchetta, Viennale)

THE BAREFOOT CONTESSA beginnt mit einem Begräbnis im Regen und erzählt in Rückblenden die Geschichte eines kometenhaften Aufstiegs: Drei Männer erinnern sich an Maria Vargas, eine Tänzerin, die von einem abgehalfterten Regisseur in Spanien entdeckt und wenig später in Hollywood zum Star wird. „Farbenfroh nach all diesen Schwarz-Weiß-Filmen und prallvoll spanischen Lebens und Sterbens, wird Ava Gardner von Mankiewicz gefeiert (…). Als 16-Jähriger dachte ich, es sei der größte Kitsch, später habe ich entdeckt, dass dieser Regisseur im Film mein eigentliches Vorbild war. Kein Wunder, ist es doch Humphrey Bogart.“ (Volker Schlöndorff)

Emin Alpers ABLUKA skizziert das Leben in einer Gesellschaft, die kurz vor dem Kollaps zu stehen scheint. Während bewaffnete Gruppierungen die Kontrolle über einige Vorstädte Istanbuls erlangt haben, erzeugen schärfere Repressionen des Staates ein Klima des Misstrauens und der Paranoia. Kadir wird nach rund zwanzig Jahren vorzeitig aus dem Gefängnis entlassen, um für die Polizei als Informant zu arbeiten. „Wenn es einen Film gibt, der uns vor Augen führt, wohin ein Land und seine Gesellschaft driften, wenn Ausgrenzung und Verdacht bestimmend werden, dann dieser.“ (Walter Ruggle)

Manthia Diawaras neuester Essayfilm untersucht die Berührungspunkte von Ritualen afrikanischer Besessenheitskulte, wie sie in traditionellen Fischerdörfern an der senegalesischen Atlantikküste zu finden sind, und dem Aufkommen neuer Technologien im Bereich der künstlichen Intelligenz. Mit Blick auf die Verquickung von Tradition und Moderne fragt Diawara, wie wir von entkörperlichten Maschinen zu einer humaneren und spirituellen Kontrolle von Algorithmen gelangen können. Könnte Afrika der Kontext sein, in dem sich solch unwahrscheinliche Algorithmen entwickeln?

Als „Grotesk-Tänzerin“ brillierte Valeska Gert in den 1920ern in Berlin, Moskau und Paris. Sie trat in Filmen von Pabst und Renoir auf und soll S. M. Eisensteins große Liebe gewesen sein. Mit unnachahmlicher Schlagfertigkeit erzählt Gert von Begegnungen und Skandalen und stellt mit der jungen Schauspielerin Pola Kinski ihre Grotesktänze und Pantomimen nach.

Der Abschlussvortrag der Reihe beschäftigt sich mit Luis Buñuels letztem Film CET OBSCUR OBJET DU DÉSIR (1977). Darin erzählt ein älterer Mann während einer Zugfahrt von seiner unerfüllten Leidenschaft für eine junge Tänzerin. Alle Versuche, diese mit den Verlockungen seines Reichtums für sich zu gewinnen, scheiterten an ihrem Widerstand oder am Zufall. Arnaud Duprat blickt in seinem Vortrag auf die Gestaltung der Titelfigur des Films, Conchita, die sowohl durch karikaturistische als auch surrealistische Elemente geprägt ist. Der Rückbezug auf den Surrealismus, und damit die Anfänge der künstlerischen Arbeit von Luis Buñuel, ermöglicht dabei, den Film durch das Prisma seiner Heldin als ein Werk mit testamentarischer Qualität zu betrachten.

Nach zwei Jahrzehnten mit erfolgreichen Fernsehrollen wurde DIE UNBERÜHRBARE Hannelore Elsners großes Kino-Comeback, für das sie mit dem Deutschen Filmpreis ausgezeichnet wurde. Regisseur Oskar Roehler erzählt darin von den letzten Monaten im Leben der Schriftstellerin Hanna Flanders (Elsner). Schon lange hat die einst idealistische Autorin ihre große Zeit hinter sich. Mit dem Fall der Mauer bricht für die linke Autorin eine Welt zusammen. Vom Leben gezeichnet und vereinsamt zieht sie nach Berlin, um neu anzufangen. Doch dort interessiert sich niemand mehr für sie und ihre Ideale.

Die drei Schwestern Reyhan, Nurhan und Havva leben mit ihrem Vater in einem abgelegenen Dorf in Zentralanatolien. Nacheinander und aus unterschiedlichen Gründen kehren sie aus der Stadt zurück, wo sie als Hausmädchen eigentlich ihre Chancen auf eine bessere Zukunft erhöhen sollten. Während sie darauf warten, dass die verschneiten Straßen wieder passierbar werden, vertreiben sich Vater und Töchter die Zeit mit Geschichten. KIZ KARDESLER gibt mit eindringlichen Bildern und einer märchenhaften Atmosphäre einen Einblick in das Leben einer Familie und die sozialen Strukturen der Region.