Aktuelles Kinoprogramm

Federico Fellinis Porträt der italienischen Hauptstadt ist einzigartig in der Filmgeschichte: So pulsierend lebendig und zugleich so hässlich und vom Verfall bedroht ist Rom bis dato noch nie gezeigt worden: Über fiktional-autobiographische Szenen, die die Ankunft des Regisseurs in Rom zur Zeit Mussolinis zeigen. Revue-Shows, Bordelle, unterirdische Schächte: ROMA präsentiert ein kaleidoskopisches Porträt der ewigen Stadt. Der Film lebt dabei sowohl von einer Vielzahl an skurrilen wie fantastischen Figuren als auch von der Momenthaftigkeit seiner ineinanderfließenden Episoden. In einer der eindrücklichsten Szenen wird so die Fahrt nach Rom über Autobahnen und Straßen unvermittelt zu einer abstrakten, düster-impressionistischen Collage aus Autos, strömendem Regen und dem Lärm des Verkehrs.

Rom, Anfang der 1980er Jahre: Giulio, Paolo und Riccardo sind alle in der Innenstadt aufgewachsen, wenn auch in unterschiedlichen Gesellschaftsschichten, sind 16 Jahre alt und haben das Leben noch vor sich. Giulio und Paolo sind bereits befreundet, Riccardo stößt zu ihnen, nach einer turbulenten Studentendemo, bei der er sich den Spitznamen „der Überlebende“ verdient. Zu dem Trio gesellt sich Gemma, in die Paolo unsterblich verliebt ist. Die Jahre vergehen und das Leben der vier entwickelt sich in unterschiedliche und zum Teil unerwartete Richtungen - bis das Schicksal sie auf magische Art und Weise wieder zusammenführt.
Der neue Film von Gabriele Muccino ist eine wunderbare Erzählung über Freundschaft, Liebe und die Suche nach dem eigenen Lebensweg vor der sommerlichen Kulisse Italiens. Eine Hommage an die großen italienischen Filmemacher wie Federico Fellini, Cesare Zavattini und Ettore Scola.

Es ist früh am Morgen, alles ist ruhig in Ostia am Meer. Ein Typ schwatzt einer älteren Frau eine völlig überteuerte Uhr auf. Anderswo wird ein junger Philosophieprofessor aus einem Forschungsprojekt gedrängt, bei dem es um die Exhumierung Nietzsches geht. Zwei Betrogene aus zwei komplett unterschiedlichen Familien: die Pavones und die Vismaras. Bürgerlich-intellektuell die erste, proletarisch und neofaschistisch die zweite. Sie leben im gleichen Dschungel, Rom, und geraten durch einen dummen Zufall aneinander...
Ein explosives Debüt, das der 29-jährige Pietro Castellitto als Autor, Regisseur und Hauptdarsteller auf die Leinwand knallt und mit dem er die italienische Filmszene schon gehörig aufgemischt hat. Tiefschwarzer Humor, Kapitalismuskritik, rüde Sprache und eine virtuose Erzählstruktur, bei der sich die einzelnen Puzzleteilchen erst am Schluss zu einem Ganzen zusammenfügen.

STEAMBOAT BILL, JR. war Keatons letzte unabhängige Produktion und bündelt noch einmal viele seiner bevorzugten Motive und Themen, darunter mehrere autobiographische. Die Titelfigur des Films ist der verzärtelte Sohn eines kräftigen und groben Riverboat-Kapitäns auf dem Mississippi. Nach vielen Jahren der Trennung besucht er seinen Vater, der nicht sonderlich begeistert von seinem Sohn ist. Im Verlauf des Films erhält er die Gelegenheit, sich als ganzer Mann zu beweisen – mit einem Tornado als grandiosem Höhepunkt. Der Film enthält auch den gefährlichsten Stunt, den Keaton jemals vollführte. Makellos in seinen Erfindungen und der Durchführung, ist der Film ein absolutes Meisterwerk in Keatons Filmkarriere.

SHERLOCK, JR. ist einer von Keatons technisch brillantesten und einflussreichsten Filmen. Buster spielt einen Filmvorführer, der sich danach sehnt, ein großer Detektiv wie Sherlock Holmes zu werden. Während einer Filmvorführung schläft er ein und träumt sich in den Film hinein, wobei dessen Handlung Busters Situation in der Realität – er streitet mit einem Rivalen um die Gunst einer jungen Frau – reflektiert. Der Film enthält einige der gewagtesten Stunts Keatons und eine unglaublich clevere Sequenz, in der Buster durch die Filmschnitte immer wieder in eine neue Umgebung versetzt wird.
Als Vorfilm läuft THE GOAT, eine episodisch aufgebaute Verwechslungskomödie, in der Buster für einen berüchtigten Banditen gehalten wird.

Marcello verschwendet sein schriftstellerisches Talent als Zeitungsreporter. Sein Beruf öffnet ihm Türen zu Prominenz und Adel, das Berufs- und Privatleben verschwimmen dabei in steter Suche nach einer Sensationsgeschichte und hinter dem schönen Schein lauern Abgründe: Während Marcello seiner lockeren Affäre mit der gelangweilten Millionärstochter Maddalena frönt und das schwedische Hollywoodstarlet Sylvia bei ihrem Besuch in Rom begleitet, begeht seine Verlobte Emma aus Eifersucht einen Selbstmordversuch.
Anfang der 1960er Jahre war Fellinis LA DOLCE VITA ein Skandalerfolg. Der Skandal ist verflogen, geblieben ist ein Meisterwerk, eine sezierende Bestandsaufnahme der römischen High Society: einer sinnentleerten Welt, in der die Menschen sich zwar Luxus leisten, aber mit ihrem Leben nichts anzufangen wissen. Es ist diese innere Langeweile des äußerlich „süßen Lebens“, die den Klatschreporter Marcello Rubini, Filmdiven, Prostituierte, Adelige und ganze Partygesellschaften heimsucht. Ganz nebenbei prägt Fellini den Begriff des „Paparazzo“ und kreiert Bilder für die Ewigkeit, wie eine nächtliche Szene mit Anita Ekberg und Marcello Mastroianni im eiskalten Wasser des Trevi-Brunnens.

STEAMBOAT BILL, JR. war Keatons letzte unabhängige Produktion und bündelt noch einmal viele seiner bevorzugten Motive und Themen, darunter mehrere autobiographische. Die Titelfigur des Films ist der verzärtelte Sohn eines kräftigen und groben Riverboat-Kapitäns auf dem Mississippi. Nach vielen Jahren der Trennung besucht er seinen Vater, der nicht sonderlich begeistert von seinem Sohn ist. Im Verlauf des Films erhält er die Gelegenheit, sich als ganzer Mann zu beweisen – mit einem Tornado als grandiosem Höhepunkt. Der Film enthält auch den gefährlichsten Stunt, den Keaton jemals vollführte. Makellos in seinen Erfindungen und der Durchführung, ist der Film ein absolutes Meisterwerk in Keatons Filmkarriere.

Abgesehen von seiner Episode für HOW THE WEST WAS WON (1962) ist dies John Fords einziger Film über den amerikanischen Bürgerkrieg. Ein Colonel der Unionstruppen führt eine Kavalleriebrigade tief ins Konföderiertengebiet, um eine strategisch wichtige Eisenbahnstation zu zerstören. Ständige Auseinandersetzungen mit dem Arzt der Einheit begleiten ihn. Im Gegensatz zu Fords Militärwestern, in denen die Kavallerie eine Art mythisch überhöhte Heimat für die Soldaten darstellt, besitzt sie hier nur vordergründigen Glanz und wird im Verlauf des Films immer mehr Teil eines sinnlosen Krieges, in dem scheinbare Gewissheiten zunehmend zerbröseln.

LA SEMANA DEL ASESINO von Eloy de la Iglesia ist ein Vorgeschmack auf ein im Frühjahr 2022 geplantes Programm über das Kino der spanischen Transición und zugleich ein Rückblick auf eine Hommage an de la Iglesia aus dem Jahr 2016. Der Kult-Horrorthriller prangert Klassenunterschiede subtil und visuell beeindruckend an. Vor dem Hintergrund der Madrider Verstädterung wird ein Arbeiter einer Fleischfabrik plötzlich zum Mörder.

Fred Hampton war der Vorsitzende der Black Panther Party in Illinois. Ein Jahr lang filmten Mike Gray und sein Team Hamptons Auftritte und seine weitere politische Tätigkeit – bis er am 4. Dezember 1969 bei einem Überfall durch die Polizei ermordet wurde. Auf diese Weise geriet THE MUDER OF FRED HAMPTON ungewollt zum Epitaph für den erst 21-jährigen Revolutionär. Die zweite Hälfte des Films beschäftigt sich mit den Umständen der Ermordung und den Verschleierungsversuchen der zuständigen Behörden. Bei der Uraufführung des Films hielten die Auseinandersetzungen um den Tod noch an. THE MURDER OF FRED HAMPTON ist ein Musterbeispiel für ein aktiv eingreifendes politisches Kino.

Mit dem Ziel, eine Reportage über den aussterbenden Beruf des Clowns zu drehen, besuchen Federico Fellini und sein Team zahlreiche herausragende Vertreter:innen ihrer Zunft auf einer Reise durch Italien und Frankreich. I CLOWNS, der für das Fernsehen produziert wurde, ist dabei ein spielerischer Reigen, in dem (fingierte) dokumentarische Aufnahmen, Zirkusnummern und clownesque Szenen aus der Vergangenheit Italiens ineinanderfließen. Immer wieder blickt Fellini dabei melancholisch in die eigene Vergangenheit und verwebt Kindheitserinnerungen mit Auftritten einiger seiner Weggefährt:innen wie Anita Ekberg.

Nach verschiedenen Drehbüchern für Regisseure wie Roberto Rossellini, Pietro Germi und Alberto Lattuada realisierte Federico Fellini 1950 gemeinsam mit Lattuada den Spielfilm LUCI DEL VARIETÀ, der den Beginn von Fellinis Regie-Karriere markiert. Im Film zieht eine zweitklassige Theatertruppe durch verschiedene Provinzstädte und hält sich fernab des großen Ruhms mit Varieté-Nummern über Wasser. Als die talentierte Liliana eines Tages zur Gruppe stößt, scheint ihr angesichts ausverkaufter Vorstellungen eine goldene Zukunft bevorzustehen. Doch Checco, der Direktor der Truppe, fühlt sich zu Liliane hingezogen, was wiederum seiner Partnerin Melina. LUCI DEL VARIETÀ entspinnt daraus ein bitter-humorvolles Spiel der Leidenschaft und Eifersucht im Milieu der Schauspielkunst, das bereits einige Züge von Fellinis späteren Werken wie LA STRADA aufweist.

Luchino Viscontis erster Film ist eine Adaption des Romans „The Postman Always Rings Twice” von James M. Cain. Visconti verlegte die Handlung in die Po-Ebene: Der Betreiber einer Trattoria und Tankstelle an einer Landstraße heuert einen Landstreicher als Gehilfen an. Der jedoch verliebt sich in die Ehefrau des Wirts. Beide beschließen, den Ehemann umzubringen. Die genaue Milieuzeichnung des Films, die Verknüpfung der Charaktere mit der sie umgebenden Szenerie und die Fähigkeit Viscontis, Accessoires eine zusätzliche Bedeutung zu verleihen, machen OSSESSIONE nicht nur zu einem der ersten Filme des italienischen Neorealismus, sondern auch zu einem seiner Höhepunkte.

Seit 1981 dreht Peter Sempel Künstler:innenporträts und Musikdokumentationen in einem unverwechselbaren Montagestil. Sein vierter Film über Jonas Mekas begleitet diesen auf seinen letzten Reisen zwischen 2015 und 2019. Sempel drehte JONAS IN THE FIELDS gemeinsam mit Jonas Mekas´ Sohn Sebastian und Freunden wie Jim Jarmusch und Julian Schnabel vor allem in Brooklyn, aber auch bei Veranstaltungen in Deutschland, u.a. im HKW Berlin und auf der documenta in Kassel.

Ein assoziatives Porträt über den Künstler, Filmemacher und Teilzeit-Unternehmer Dieter Meier, der vor allem als Teil des Schweizer Musik-Duos „Yello“ bekannt wurde: „Gefilmt über 30 Jahre, in vielen Blickwinkeln und Welten, … so füllt Meier eine Kaffeekanne in Benares mit Wasser vom Ganges, und trägt sie nach Kathmandu, nach Marrakesch, und Berlin, …Unlogik wird zur Logik, oh Yeah!...“ (Peter Sempel)

Wenders‘ erster langer Film, seine Abschlussarbeit an der HFF München, zeigt einen Mann, der aus dem Gefängnis entlassen wurde und nach München zurückkommt, um alte Freunde aufzusuchen. Von seinen ehemaligen Kumpanen fühlt er sich verfolgt. Später geht er nach Berlin, am Ende will er nach Amsterdam. Im Gegensatz zum Filmtitel (einem Song der Lovin‘ Spoonful) filmte Wenders überwiegend nasskalte Straßen bei Nacht. Lange, meditative Einstellungen bestimmen den Film. Dazu ertönt reichlich Musik von den Kinks.

HRA O JABLKO markierte Chytilovás Rückkehr zum Kino, nachdem sie im Zuge der Niederschlagung des Prager Frühlings 1968 in der Tschechoslowakei mit einem Berufsverbot belegt wurde. Jirí Menzel, selbst eine der zentralen Figuren der Tschechischen Neuen Welle, spielt in dieser feministischen Komödie einen untreuen Gynäkologen in einem Kinderkrankenhaus, der im Operationssaal seine Kolleginnen verführt. Obwohl HRA O JABLKO in vielerlei Hinsicht einer ihrer zugänglichsten Filme ist, behält er dennoch viele der subversiven Züge bei, die ihr gesamtes Werk kennzeichnen.

Mit ihren surrealistisch inspirierten, anarchischen Filmkunstwerken gab Vera Chytilová dem Kino in den 1960er Jahren ein neues Gesicht. Die „Lecture & Film“-Reihe Zwischen Surrealismus und Subversion: Die Filme von Vera Chytilová präsentiert die wichtigsten Arbeiten der Regisseurin mit Einführungen von Expert:innen, die Chytilová im Kontext der aktuellen filmwissenschaftlichen Debatte verorten.
Daniel Fairfax ist wissenschaftlicher Mitarbeiter am Institut für Theater-, Film- und Medienwissenschaft an der Goethe-Universität Frankfurt am Main.

Der kleine Michel aus Lönneberga hat nur Unsinn im Kopf, aber das Herz am rechten Fleck. Im ersten Teil der dreiteiligen Adaption der europaweit bekannten Romane von Astrid Lindgren geschieht dem fröhlichen Fünfjährigen mal wieder ein Missgeschick: Als er die Suppe auslecken will, bleibt er mit seinem Kopf im Topf stecken.

„Das Concorde-Saint-Lazare ist für Godard, zum Genre passend, ein natürliches Studio – wie das Ritz und das Crillon als Hotels natürliche Paläste und das Lutétia für die Nazis eine natürliche Telefonzentrale. In den anderen Zeiten, die auch dieses Hotel gekannt haben, stiegen hier die Gäste aus Übersee ab, denn der Gare Saint-Lazare ist der Bahnhof für die Züge aus und nach Le Havre. Die Kategorie Vergnügungsreisende gibt es längst nicht mehr. Die Touristen, die an ihre Stelle getreten sind, sieht man in Godards Film verkörpert in einem alten amerikanischen Ehepaar, das durch die pompöse, im alten Glanz erhaltene Halle humpelt. Die Zimmer hinter den Türen an den schlauchlangen Fluren sind nach modernsten Maßgaben ökonomisch zugeschnitten und eingerichtet. […] Die melancholische Beleuchtung, in die Godards Film getaucht ist, partizipiert am ehemaligen Glanz eines ehemals großen Hauses. Die Geschichte dieses Bautyps ist zu Ende wie die eines bestimmten Kinos. Durchsichtig ist die Wahrheit, sagt ein weises kleines Mädchen, momentan, zwischen Auftauchen und Verschwinden.“ (Frieda Grafe, „Filmhistorischer Hotelführer“, 1990)

„Der Name Luxor für das Hotel im Film macht schon den ganzen Unterschied. Die Grandhotels der deutschen Filme nach 45 haben nicht mehr Vorkriegsniveau, aber in Fritz Langs Dramaturgie immer noch deren Funktion. Das Luxor von 1960 entspricht dem Olympic in SPIONE von 1928. Aus den Detektivgeschichten sind Thriller geworden. Das Luxor ist die Operationszentrale des Verbrechens. Verfolger und Verfolgte wohnen in einem Haus. Die Frauen, als Köder eingesetzt, erweisen sich als unberechenbar und pervertieren das System. Lang rechtfertigte den Film einem Freund gegenüber, der die dämonische Aura seiner Vorkriegsfilme vermisste: das ist die kalte Realität von heute. [...] Eine Zeitungsnotiz gibt Lang als Inspirationsquelle für den Film an. Von Albert Speer geplant, sollten an der Nord-Süd-Achse von Berlin/Germania repräsentative Staatshotels entstehen, ausgestattet mit perfekten Abhöranlagen. Die Bespitzelungsapparatur ist im Film in Richtung Television weiterentwickelt. Seine durchsichtigen Spiegelwände sind erinnerungsträchtig. Wie in Cocteaus Filmen haben sie mit der Natur des Kinos zu tun. Sie implizieren den Zuschauer als Voyeur.“ (Frieda Grafe, „Filmhistorischer Hotelführer“, 1990)

Der vom NDR produzierte Dokumentarfilm ist in der Nacht vom 24. auf den 25. Dezember 1967 in einer Kneipe auf St. Pauli mit einer 16mm-Handkamera aufgenommen worden. Klaus Wildenhahn filmte Seeleute, Amateurboxer:innen, Prostituierte, Fernfahrer:innen, Stammgäste und laufende Kundschaft beinahe zehn Stunden lang. Der Film arbeitet mit der Methode des Direct Cinema. Der Verlauf des Abends wird zur Dramaturgie.

Luchino Viscontis erster Film ist eine Adaption des Romans „The Postman Always Rings Twice” von James M. Cain. Visconti verlegte die Handlung in die Po-Ebene: Der Betreiber einer Trattoria und Tankstelle an einer Landstraße heuert einen Landstreicher als Gehilfen an. Der jedoch verliebt sich in die Ehefrau des Wirts. Beide beschließen, den Ehemann umzubringen. Die genaue Milieuzeichnung des Films, die Verknüpfung der Charaktere mit der sie umgebenden Szenerie und die Fähigkeit Viscontis, Accessoires eine zusätzliche Bedeutung zu verleihen, machen OSSESSIONE nicht nur zu einem der ersten Filme des italienischen Neorealismus, sondern auch zu einem seiner Höhepunkte.

Basierend auf dem gleichnamigen Fragment von Titus Petronius Arbiter erzählt Fellinis SATYRICON in lose verbundene Episoden vom Leben im alten Rom des 1. Jahrhundert nach Christus. Alles beginnt mit einem Streit um einen jungen Knaben zwischen den Studenten Encolpio und Ascilto, die sich wenig später gemeinsam auf eine Reise der Ausschweifung begeben. Der Film führt seine beiden Protagonisten durch artifizielle wie opulente Sets und erzählt mal humorvolle, mal albtraumartige Geschichten. SATYRICON ist dabei eine spielerische, phasenweise größenwahnsinnige und zutiefst subjektive Aneignung der Antike. Diese wird gerade nicht idealisiert oder vergeistigt, sondern mit einem Augenmerk für die Schönheit und Schrecklichkeit der Leidenschaft, des Rohen und Obszönen betrachtet.

1997 stürzt der Präsident der USA über Manhattan ab, das als ghettoisiertes Moloch fest in der Hand von Verbrechern ist. Die Welt steht am Abgrund eines Atomkrieges und der Präsident hatte eine Tonbandkassette bei sich, die den Kriegsausbruch verhindern soll. Nun soll der kriminelle Ex-Soldat Snake Plissken gezwungen werden, innerhalb von 24 Stunden den Präsidenten und sein Tonband herauszuholen. John Carpenters Klassiker ist eine bittere, düstere und atmosphärisch ungemein dicht gezeichnete Zukunftsvision, deren Katastrophenszenario in seiner Glaubwürdigkeit nachdenklich macht und gleichzeitig einen ikonischen Antihelden erschuf.

Der kleine Michel aus Lönneberga hat nur Unsinn im Kopf, aber das Herz am rechten Fleck. Im ersten Teil der dreiteiligen Adaption der europaweit bekannten Romane von Astrid Lindgren geschieht dem fröhlichen Fünfjährigen mal wieder ein Missgeschick: Als er die Suppe auslecken will, bleibt er mit seinem Kopf im Topf stecken.

Frankreich, Mitte des 19. Jahrhunderts: Der verwitwete Landarzt Charles Bovary und die junge hübsche Bauerntochter Emma Roualt heiraten. Während Charles nach seiner gescheiterten ersten Ehe nun endlich glücklich ist, sehnt sich Emma bald nach einem aufregenderen Leben und träumt davon, aus dem Alltagstrott auszubrechen. Charles bleibt die Unzufriedenheit seiner Ehefrau nicht verborgen und so ziehen sie aus der Provinz in die Nähe einer größeren Stadt. Doch weder der Ortswechsel noch die Geburt von Tochter Berthe können Emma umstimmen, stattdessen versinkt sie immer tiefer in ihre Depressionen. Für Emma gibt es nur noch einen Ausweg, um aus dieser nicht enden wollenden Abwärtsspirale zu entkommen.

Gustave Flauberts Madame Bovary gilt als zentrales Werk der europäischen Literaturgeschichte. Mit Isabelle Huppert in der Hauptrolle verfilmte Claude Chabrol den Stoff mit besonderer Aufmerksamkeit für die literarische Vorlage.

In LA CITTÀ DELLE DONNE spielt Marcello Mastroianni einen alternden Frauenhelden, der auf einer Zugfahrt eine Frau im Nachbarabteil bemerkt und dieser in ein abgelegenes Hotel folgt. Dort findet zu seiner Überraschung gerade ein feministischer Kongress statt. Die Frauen nehmen den Mann schnell in den Fokus. In der Folge lässt Fellini verschiedene skurrile wie surreale Szenen zwischen Traum und Albtraum ineinanderfließen. LA CITTÀ DELLE DONNE ist eine Reflexion Fellinis eigener Vorstellungen von Geschlecht und Sexualität. „Fellini gelingt das Porträt eines nicht mehr jungen Mannes, der verwirrt und verängstigt auf die Frauenbewegung reagiert. (…) Er hat durchaus recht, wenn er akzentuiert, dass dieser Film weniger ein Film über die Frauen sei als ein Film über einen Mann, der, in der alten Kruste des italienischen Männlichkeitsmythos verharrend, sich nicht zu helfen weiß.“ (Thomas Koebner)

UN CHIEN ANDALOU und L’ÂGE D’OR, die zwei ersten Filme Luis Buñuels, sind die bedeutendsten Klassiker des surrealistischen Kinos. Für UN CHIEN ANDALOU schrieb Buñuel das Drehbuch mit Salvador Dalí. Schockbilder wechseln sich mit traumartigen Szenen ab, alles entzieht sich einer eindeutigen Interpretation. L’ÂGE D’OR, einer der am längsten verbotenen Filme der Filmgeschichte, ist in seiner Lust an Provokation und Sozialkritik noch schärfer; auch hier tritt das Surreale aus der Wirklichkeit hervor. Zugleich erkundet L’ÂGE D’OR, ein früher Tonfilm, erfinderisch wie sonst nur Dziga Vertov im selben Jahr die Möglichkeiten dieses Mediums. TIERRA SIN PAN drehte Buñuel 1933 in den Hurdes, einer zurückgebliebenen Gegend südlich von Salamanca. Der Film ist sowohl ein scharfer Angriff auf die spanische Feudalgesellschaft als auch eine beißende Satire auf das Genre des Dokumentarfilms.

Was passiert, wenn Heimat unweigerlich mit dem Gefühl von Angst verbunden ist? Aboozar Amini gelingt es, die Erlebniswelt zweier Kinder und eines verschuldeten Busfahrers in seiner Geburtsstadt in Afghanistan eindrücklich und fesselnd einzufangen. Eine Geschichte vom Erwachsenwerden, von Krieg und Terror, von Arbeit und Überleben, von Sehnsucht und Wünschen, von Familie und Mut.

Seit 70 Jahren vergibt die Jury der Evangelischen Filmarbeit das Prädikat „Film des Monats“. Zum Jahresabschluss wird einer dieser Filme zum „Film des Jahres“ gekürt – 2021 kann sich Aboozar Amini, Regisseur des Films KABUL, CITY IN THE WIND, über die Auszeichnung freuen.

COMPAÑERAS AND COMPAÑEROS wurde im Sommer und Herbst 1969 in verschiedenen Provinzen Kubas gedreht. Der Film liefert einen Einblick in das Leben kubanischer Jugendlicher: Zu sehen sind Soldaten einer Zuckerrohrbrigade, ein Team von „Orientadores“, die den Bauern bei ihrer Arbeit helfen, eine Mädchenbrigade, die sich zu landwirtschaftlicher Arbeit gemeldet hat, eine größere Gruppe von Ingenieurstudent:innen und Schüler:innen in einem Internat. So ergibt sich ein Bild ihrer Lebensweisen und Ansichten: Wie gehen junge Menschen, die in eine revolutionäre Situation hineingewachsen sind, damit um?

THE HOTTEST AUGUST ist das komplexe Porträt einer Stadt und ihrer Bewohner:innen, das einen Einblick in das kollektive Bewusstsein einer Gesellschaft freizulegen versucht. Ausgangspunkt des Films ist die Beobachtung New York Citys. Es ist ein Monat geprägt von der Präsidentschaft Donald Trumps, der wachsenden Angst vor steigenden Mieten, marschierenden weißen Nationalisten und den unablässigen Nachrichten über Waldbrände oder Hurrikane an den Küsten. Der Film dreht sich um die Frage, wie unsere Zukunft aussehen wird und wo wir heute stehen. THE HOTTEST AUGUST hält einer Gesellschaft am Rande der Katastrophe den Spiegel vor und registriert die Ängste, Ablenkungen und Überlebensstrategien, die das gewöhnliche Leben am Laufen halten.

Der Regisseur Guido stürzt in eine berufliche und private Krise: Er hat seine Kreativität verloren und bricht die Arbeit an seinem aktuellen Film ab. Um neue Kräfte zu sammeln, zieht er sich in einen Kurort zurück, doch nach und nach treffen dort sein Drehbuchautor, sein Produzent, sowie seine Frau und seine Geliebte ein. OTTO E MEZZO gilt als zentraler Film des modernen Nachkriegskinos. Eine vielzitierte Arbeit über das Filmemachen und gleichzeitig ein Schlüsselwerk in Fellinis Schaffen: „Ein Film über die Genesis eines Films und die Geburt eines Werks: Protokoll einer Krise, Bedrückung, Befreiung. Schwerelos und magisch wechseln die Ebenen von Realität und Imagination, fluten Gegenwart und Vergangenheit ineinander, Albtraum, Erinnerung und erotische Fantasie.“ (Harry Tomicek, Österreichisches Filmmuseum).

Mr. West, Vorsitzender der Y.M.C.A., kommt in Begleitung eines Cowboys nach Moskau, voller Vorurteile über die Sowjetunion. Diese Vorurteile werden von einer Gaunerbande ausgenutzt, um ihn um sein Geld zu bringen. Inszeniert ist Kulešovs Film als Parodie amerikanischer Slapstick- und Kriminalfilme, deren Stil noch übersteigert wird. So fungiert der Hauptprotagonist als Parodie der Figur Harold Lloyds. Mit diesem Film konnte der Regisseur nicht nur seine Montagetheorien zum ersten Mal im größeren Umfang erproben, sondern auch seine Vorstellungen von spezifisch filmischem Schauspiel: Die Darsteller:innen psychologisieren nicht, sondern bedienen sich einer äußerst expressiven, extrem stilisierten, zeichenhaften Spielweise.

1997 stürzt der Präsident der USA über Manhattan ab, das als ghettoisiertes Moloch fest in der Hand von Verbrechern ist. Die Welt steht am Abgrund eines Atomkrieges und der Präsident hatte eine Tonbandkassette bei sich, die den Kriegsausbruch verhindern soll. Nun soll der kriminelle Ex-Soldat Snake Plissken gezwungen werden, innerhalb von 24 Stunden den Präsidenten und sein Tonband herauszuholen. John Carpenters Klassiker ist eine bittere, düstere und atmosphärisch ungemein dicht gezeichnete Zukunftsvision, deren Katastrophenszenario in seiner Glaubwürdigkeit nachdenklich macht und gleichzeitig einen ikonischen Antihelden erschuf.

Der Geschäftsmann Ebeneezer Scrooge kann Weihnachten überhaupt nicht leiden. Eines Abends erhält er Besuch von den Geistern der Weihnacht, die ihn dazu bringen wollen, ein anderer Mensch zu werden. In ihrem dritten Kinofilm interpretiert die Augsburger Puppenkiste Charles Dickens‘ Weihnachtsgeschichte mit ihrem ganz eigenen, traditionellen Charme.

Ein alter Kutscher und seine Tochter gehen mechanisch und nahezu wortlos ihrem ereignisarmen Tagewerk nach, während um ihr Haus ein lärmender Wind tobt. Nach sechs langen Tagen versiegt das Leben spendende Brunnenwasser, erlöschen das Feuer im Herd und das Licht der Lampe: Die Welt kommt an ihr Ende. Béla Tarr entwirft in archaisch-poetischen, metaphorisch aufgeladenen Bildern eine Umkehrung der Schöpfungsgeschichte, die aus der kargen Unwirtlichkeit des Schauplatzes eine geradezu betörende Schönheit gewinnt – in wunderbar intensiven analogen schwarz-weiß-Bildern, mit denen Tarr auch seinen Abschied vom Kino angesichts des Verschwindens des analogen Films im Angesicht der Digitalisierung erklärte.

Ivo wurde kürzlich aus einer psychiatrischen Klinik entlassen und unternimmt gemeinsam mit seinem Freund Gonnella Wanderungen durch eine traumartige Landschaft. Er ist besessen vom Mond und streift durch die Nacht, um seiner Stimme zu lauschen. Episodenartig gibt sich LA VOCE DELLA LUNA Träumereien hin, erkundet Schönheitswettbewerbe und eine Feier in einem stillgelegten Lagerhaus. Fellinis letzter Film verschreibt sich dabei ganz seinen fantastischen Ausschweifungen und stellt sich auf die Seite der Träumer:innen und gesellschaftlich Ausgestoßenen. Mit Paolo Villaggio und Roberto Benigni in den Hauptrollen lässt der Regisseur auch zwei verschiedene Schauspielgenerationen aufeinandertreffen. Obwohl der Film immer wieder Kritik an der modernen Massenkultur und Medienlandschaft übt, blickt Fellini in dieser melancholischen Komödie dabei nicht gänzlich ohne Optimismus in die Zukunft.

Los Angeles wurde durch ein Erdbeben vom Festland abgetrennt und ist seither ein Ghetto von Verbrecher:innen und Außenseiter:innen, die ideologisch nicht mehr im rigiden Festlandstaat geduldet werden. Snake Plissken wird erneut auf eine Rettungsmission geschickt, bekommt jedoch zuvor eine tödliche Injektion verabreicht, deren Gegenmittel er erst nach erfolgreicher Mission erhält. Statt einer Fortsetzung ist ESCAPE FROM L.A. eher eine knallige, eigenständige Variation auf den Vorgängerfilm. Geblieben ist die Skepsis gegenüber Autoritäten und die Sympathie für Outlaws. Ein vergnüglich grelles, schräges und abgedrehtes Spektakel, dem Carpenter erneut eine unerreicht sarkastische Schlusspointe verpasst.

Der Geschäftsmann Ebeneezer Scrooge kann Weihnachten überhaupt nicht leiden. Eines Abends erhält er Besuch von den Geistern der Weihnacht, die ihn dazu bringen wollen, ein anderer Mensch zu werden. In ihrem dritten Kinofilm interpretiert die Augsburger Puppenkiste Charles Dickens‘ Weihnachtsgeschichte mit ihrem ganz eigenen, traditionellen Charme.

Agustina Comedis EL SILENCIO ES UN CUERPO QUE CAE ist eine dokumentarische Auseinandersetzung mit der Familiengeschichte der Regisseurin: Lange nach dem Tod ihres Vaters erfährt Comedi, dass dieser vor der Hochzeit mit ihrer Mutter eine Beziehung mit einem Mann geführt hat. Mithilfe der großen Sammlung von Heimvideos, die ihr Vater als Hobby anfertigte, sowie Interviews mit alten Freund:innen, gibt der Film Einblick in die Zeit vor der Geburt der Regisseurin. Während in weiten Teilen der Gesellschaft Argentiniens Homosexualität in den 1980er Jahren als Tabu galt, formierte sich gleichzeitig eine Gegenbewegung, die für Solidarität und Emanzipation stand. Die alten VHS- und 8mm-Aufnahmen von Urlauben und Geburtstagsfeiern schaffen eine nostalgisch-poetische Atmosphäre, in der die Filmemacherin mitfühlend versucht, zu verstehen, wie es für ihren Vater gewesen sein muss, mit einer Lüge zu leben.
Der Kurzfilm PLAYBACK ist eine Hommage an eine Gruppe von Trans-Frauen und Drag-Queens im Córdoba der 1980er, das einerseits von euphorischen Momenten der Selbstermächtigung, andererseits von zunehmenden Aids-Erkrankungen geprägt ist.

Andreas Kleinerts Spielfilm erzählt aus dem Leben des Schriftstellers Thomas Brasch, das eng mit der Geschichte des 20. Jahrhunderts verknüpft ist. Ein Porträt eines radikal Unangepassten: In der DDR konnte der Sohn des stellvertretenden Kulturministers nicht bleiben, im Westen wollte er nicht sein.

Was tut sich – im deutschen Film?
Einmal pro Monat widmet sich die Reihe „Was tut sich – im deutschen Film?“ in Kooperation mit epd film dem aktuellen deutschen Kinogeschehen.

Filmreihe: Specials

Filmreihe: Specials

Basierend auf Michel Bergmanns Romanen Die Teilacher und Machloikes erzählt Sam Garbarskis Film die Geschichten einiger Displaced Persons in Frankfurt in den unmittelbaren Nachkriegsjahren.

Mit originalen Film- und Tondokumenten zeichnet Thomas Frickel mit WUNDER DER WIRKLICHKEIT ein sensibles und persönliches Porträt der Filmgruppe Cinema Concetta um Martin Kirchberger, der 1991 vor genau 30 Jahren bei einem Flugzeugabsturz verunglückte.

Abgesehen von seiner Episode für HOW THE WEST WAS WON (1962) ist dies John Fords einziger Film über den amerikanischen Bürgerkrieg. Ein Colonel der Unionstruppen führt eine Kavalleriebrigade tief ins Konföderiertengebiet, um eine strategisch wichtige Eisenbahnstation zu zerstören. Ständige Auseinandersetzungen mit dem Arzt der Einheit begleiten ihn. Im Gegensatz zu Fords Militärwestern, in denen die Kavallerie eine Art mythisch überhöhte Heimat für die Soldaten darstellt, besitzt sie hier nur vordergründigen Glanz und wird im Verlauf des Films immer mehr Teil eines sinnlosen Krieges, in dem scheinbare Gewissheiten zunehmend zerbröseln.

Ivo wurde kürzlich aus einer psychiatrischen Klinik entlassen und unternimmt gemeinsam mit seinem Freund Gonnella Wanderungen durch eine traumartige Landschaft. Er ist besessen vom Mond und streift durch die Nacht, um seiner Stimme zu lauschen. Episodenartig gibt sich LA VOCE DELLA LUNA Träumereien hin, erkundet Schönheitswettbewerbe und eine Feier in einem stillgelegten Lagerhaus. Fellinis letzter Film verschreibt sich dabei ganz seinen fantastischen Ausschweifungen und stellt sich auf die Seite der Träumer:innen und gesellschaftlich Ausgestoßenen. Mit Paolo Villaggio und Roberto Benigni in den Hauptrollen lässt der Regisseur auch zwei verschiedene Schauspielgenerationen aufeinandertreffen. Obwohl der Film immer wieder Kritik an der modernen Massenkultur und Medienlandschaft übt, blickt Fellini in dieser melancholischen Komödie dabei nicht gänzlich ohne Optimismus in die Zukunft.

Eine ledige Mutter setzt ihr Baby aus; es fällt einem Tramp in die Hände und nach einigen vergeblichen Versuchen, es wieder loszuwerden, zieht er das Kind auf. Chaplins erster Langfilm enthält deutliche Reminiszenzen an die eigene Kindheit in miserablen Verhältnissen. Sowohl als Komödie wie auch als Melodram ist THE KID ein Meisterwerk. Der Film enthält eine der beeindruckendsten Leistungen eines Kinderdarstellers in der Geschichte des Films. Chaplin hatte den fünfjährigen Jackie Coogan in einem Vaudeville-Akt zusammen mit seinen Eltern gesehen. Auch mit Chaplin harmoniert Coogan perfekt auf der Leinwand. 1971 schrieb Chaplin eine Musik für den Film.

Anthony Quinn gibt den „großen Zampanò“, einen Jahrmarktgaukler, der Ketten mit bloßer Muskelkraft sprengen und Feuer schlucken kann. Gelsomina, ein liebenswertes und einfältig-naives Mädchen, wird seine Assistentin und tingelt mit ihm durch Italien. Seinen Wutanfällen ist sie hilflos ausgeliefert, bis der Seiltänzer Matto ihr mit Respekt und Verständnis begegnet. Zwischen den beiden Artisten kommt es zum Eklat. Fellinis Klassiker wurde mit einem Oscar® als Bester Fremdsprachiger Film und dem Silbernen Löwen von Venedig ausgezeichnet.

Los Angeles wurde durch ein Erdbeben vom Festland abgetrennt und ist seither ein Ghetto von Verbrecher:innen und Außenseiter:innen, die ideologisch nicht mehr im rigiden Festlandstaat geduldet werden. Snake Plissken wird erneut auf eine Rettungsmission geschickt, bekommt jedoch zuvor eine tödliche Injektion verabreicht, deren Gegenmittel er erst nach erfolgreicher Mission erhält. Statt einer Fortsetzung ist ESCAPE FROM L.A. eher eine knallige, eigenständige Variation auf den Vorgängerfilm. Geblieben ist die Skepsis gegenüber Autoritäten und die Sympathie für Outlaws. Ein vergnüglich grelles, schräges und abgedrehtes Spektakel, dem Carpenter erneut eine unerreicht sarkastische Schlusspointe verpasst.

Der Geschäftsmann Ebeneezer Scrooge kann Weihnachten überhaupt nicht leiden. Eines Abends erhält er Besuch von den Geistern der Weihnacht, die ihn dazu bringen wollen, ein anderer Mensch zu werden. In ihrem dritten Kinofilm interpretiert die Augsburger Puppenkiste Charles Dickens‘ Weihnachtsgeschichte mit ihrem ganz eigenen, traditionellen Charme.

Marcello verschwendet sein schriftstellerisches Talent als Zeitungsreporter. Sein Beruf öffnet ihm Türen zu Prominenz und Adel, das Berufs- und Privatleben verschwimmen dabei in steter Suche nach einer Sensationsgeschichte und hinter dem schönen Schein lauern Abgründe: Während Marcello seiner lockeren Affäre mit der gelangweilten Millionärstochter Maddalena frönt und das schwedische Hollywoodstarlet Sylvia bei ihrem Besuch in Rom begleitet, begeht seine Verlobte Emma aus Eifersucht einen Selbstmordversuch.
Anfang der 1960er Jahre war Fellinis LA DOLCE VITA ein Skandalerfolg. Der Skandal ist verflogen, geblieben ist ein Meisterwerk, eine sezierende Bestandsaufnahme der römischen High Society: einer sinnentleerten Welt, in der die Menschen sich zwar Luxus leisten, aber mit ihrem Leben nichts anzufangen wissen. Es ist diese innere Langeweile des äußerlich „süßen Lebens“, die den Klatschreporter Marcello Rubini, Filmdiven, Prostituierte, Adelige und ganze Partygesellschaften heimsucht. Ganz nebenbei prägt Fellini den Begriff des „Paparazzo“ und kreiert Bilder für die Ewigkeit, wie eine nächtliche Szene mit Anita Ekberg und Marcello Mastroianni im eiskalten Wasser des Trevi-Brunnens.

Wenders‘ erster langer Film, seine Abschlussarbeit an der HFF München, zeigt einen Mann, der aus dem Gefängnis entlassen wurde und nach München zurückkommt, um alte Freunde aufzusuchen. Von seinen ehemaligen Kumpanen fühlt er sich verfolgt. Später geht er nach Berlin, am Ende will er nach Amsterdam. Im Gegensatz zum Filmtitel (einem Song der Lovin‘ Spoonful) filmte Wenders überwiegend nasskalte Straßen bei Nacht. Lange, meditative Einstellungen bestimmen den Film. Dazu ertönt reichlich Musik von den Kinks.

UN CHIEN ANDALOU und L’ÂGE D’OR, die zwei ersten Filme Luis Buñuels, sind die bedeutendsten Klassiker des surrealistischen Kinos. Für UN CHIEN ANDALOU schrieb Buñuel das Drehbuch mit Salvador Dalí. Schockbilder wechseln sich mit traumartigen Szenen ab, alles entzieht sich einer eindeutigen Interpretation. L’ÂGE D’OR, einer der am längsten verbotenen Filme der Filmgeschichte, ist in seiner Lust an Provokation und Sozialkritik noch schärfer; auch hier tritt das Surreale aus der Wirklichkeit hervor. Zugleich erkundet L’ÂGE D’OR, ein früher Tonfilm, erfinderisch wie sonst nur Dziga Vertov im selben Jahr die Möglichkeiten dieses Mediums. TIERRA SIN PAN drehte Buñuel 1933 in den Hurdes, einer zurückgebliebenen Gegend südlich von Salamanca. Der Film ist sowohl ein scharfer Angriff auf die spanische Feudalgesellschaft als auch eine beißende Satire auf das Genre des Dokumentarfilms.

Ein alter Kutscher und seine Tochter gehen mechanisch und nahezu wortlos ihrem ereignisarmen Tagewerk nach, während um ihr Haus ein lärmender Wind tobt. Nach sechs langen Tagen versiegt das Leben spendende Brunnenwasser, erlöschen das Feuer im Herd und das Licht der Lampe: Die Welt kommt an ihr Ende. Béla Tarr entwirft in archaisch-poetischen, metaphorisch aufgeladenen Bildern eine Umkehrung der Schöpfungsgeschichte, die aus der kargen Unwirtlichkeit des Schauplatzes eine geradezu betörende Schönheit gewinnt – in wunderbar intensiven analogen schwarz-weiß-Bildern, mit denen Tarr auch seinen Abschied vom Kino angesichts des Verschwindens des analogen Films im Angesicht der Digitalisierung erklärte.

Lars von Triers MELANCHOLIA erzählt eine Weltuntergangsgeschichte aus der Perspektive von zwei vollkommen verschiedenen Schwestern. Die depressive Justine heiratet ihren Verlobten Michael. Bereits kurze Zeit später werden ihre Depressionen immer stärker und sie zieht zu ihrer Schwester Claire. Währenddessen wird bekannt, dass die Erde vor der Vernichtung steht: Der Planet Melancholia rast unaufhaltsam auf sie zu. Von nun an bereiten sich die Schwestern auf unterschiedliche Weise auf den bevorstehenden Weltuntergang vor. Lars von Triers vielfach ausgezeichneter Abgesang auf die bürgerliche Welt erzählt mit abstrakter Reduktion ausgerechnet anhand einer Hochzeitsfeier von existenzieller Leere und Verzweiflung, ohne eine Hoffnung auf Transzendenz oder Erlösung einzuräumen – und blickt im Angesicht der Katastrophe doch mit einer bemerkenswerten Zärtlichkeit auf seine Charaktere.

Im Juli 1914 sticht ein italienischer Luxusdampfer in See. An Bord befindet sich eine exklusive Gesellschaft (darunter eine von Pina Bausch gespielte Prinzessin), die die Asche einer legendären Operndiva auf ihrer letzten Reise begleitet. Ein schelmischer Journalist stellt die einzelnen Personen vor. E LA NAVE VA ist ein Film, wie ihn nur Fellini drehen konnte: phantastisch und bildgewaltig, vollkommen irreal und doch mit einem starken Zeitbezug, tragisch und komisch zugleich, exzentrisch und poetisch. Selten wurde die Lust am Untergang so schön zelebriert.

Federico Fellinis Porträt der italienischen Hauptstadt ist einzigartig in der Filmgeschichte: So pulsierend lebendig und zugleich so hässlich und vom Verfall bedroht ist Rom bis dato noch nie gezeigt worden: Über fiktional-autobiographische Szenen, die die Ankunft des Regisseurs in Rom zur Zeit Mussolinis zeigen. Revue-Shows, Bordelle, unterirdische Schächte: ROMA präsentiert ein kaleidoskopisches Porträt der ewigen Stadt. Der Film lebt dabei sowohl von einer Vielzahl an skurrilen wie fantastischen Figuren als auch von der Momenthaftigkeit seiner ineinanderfließenden Episoden. In einer der eindrücklichsten Szenen wird so die Fahrt nach Rom über Autobahnen und Straßen unvermittelt zu einer abstrakten, düster-impressionistischen Collage aus Autos, strömendem Regen und dem Lärm des Verkehrs.

Lars von Triers MELANCHOLIA erzählt eine Weltuntergangsgeschichte aus der Perspektive von zwei vollkommen verschiedenen Schwestern. Die depressive Justine heiratet ihren Verlobten Michael. Bereits kurze Zeit später werden ihre Depressionen immer stärker und sie zieht zu ihrer Schwester Claire. Währenddessen wird bekannt, dass die Erde vor der Vernichtung steht: Der Planet Melancholia rast unaufhaltsam auf sie zu. Von nun an bereiten sich die Schwestern auf unterschiedliche Weise auf den bevorstehenden Weltuntergang vor. Lars von Triers vielfach ausgezeichneter Abgesang auf die bürgerliche Welt erzählt mit abstrakter Reduktion ausgerechnet anhand einer Hochzeitsfeier von existenzieller Leere und Verzweiflung, ohne eine Hoffnung auf Transzendenz oder Erlösung einzuräumen – und blickt im Angesicht der Katastrophe doch mit einer bemerkenswerten Zärtlichkeit auf seine Charaktere.