Aktuelles Kinoprogramm

Anlässlich Masatoshi Nagases Auszeichnung mit dem NIPPON HONOR AWARD läuft im Kino des DFF Jim Jarmuschs Kultfilm MYSTERY TRAIN, in dem der Schauspieler einen japanischen Touristen in den USA spielt. Für Nagase war die Zusammenarbeit das Sprungbrett für seine internationale Karriere.

In CHILDREN HAND IN HAND nutzt Susumu Hani seinen faszinierenden dokumentarischen Stil und erzählt die Geschichte eines lernbeeinträchtigten Jungen, der mit den Demütigungen und den zärtlichen Freundschaftsbekundungen seiner Klassenkameraden zurechtkommen muss. Ohne zu verurteilen, fesselt Hani in seinem Remake des gleichnamigen Films von Hiroshi Inagaki aus dem Jahr 1948 mit oft überraschenden Einsichten zur Natur des Menschen.

Osaka, 1956: Nach dem Koreakrieg befindet sich die Industriestadt im wirtschaftlichen Aufschwung. Am Ufer des Flusses Yodo betreiben Nobuos Eltern ein kleines Restaurant. Mit großen, unschuldigen Kinderaugen blickt der Junge in eine Welt, in der die Wunden des Krieges und die Armut der Gesellschaft nicht zu übersehen sind. Kohei Oguri gelingt es meisterhaft, Emotion und Historie in lebendigen Schwarz-Weiß-Bildern zusammenfließen zu lassen. Einer der eindrücklichsten Filme der Kinogeschichte zu den Themen Kindheit und Nachkriegszeit.

Juns Leben wird von seinen Eltern bestimmt: Er ist auf ihr Drängen nicht studieren gegangen und soll stattdessen eine kleine Bar führen, die sie ihm vermacht haben. Als sie ihm auch verbieten wollen, seine Freundin Keiko zu sehen, schlägt seine angestaute Frustration in Gewalt um. Kazuhiko Hasegawas auf einem tatsächlichen Kriminalfall basierendes Regiedebüt illustriert auf denkbar drastische Weise den Bruch mit den eigenen Eltern, der fürs Erwachsenwerden oft notwendig ist.

Die Verfilmung des Romans der schwedischen Schriftstellerin Selma Lagerlöf dreht sich um Nils, der eines Tages zur Strafe verzaubert wird: Plötzlich ist er winzig klein und kann die Sprache der Tiere verstehen. Er schließt sich einer Schar Gänse auf ihrem Weg nach Lappland an und muss fortan während ihrer gemeinsamen Abenteuer Mut und ein gutes Herz beweisen.

Im ländlichen Onomichi der 30er Jahre: Eine Gruppe Grundschulkinder organisiert ein Kriegsspiel mit dem Ziel, ihre tatsächlichen Konflikte dadurch beilegen zu können. Doch so wie der Pazifikkrieg näher rückt, so wird auch das Kriegsspiel der Kinder immer ernster. In der für ihn typischen Mischung aus cartoonhafter Überzeichnung und Melancholie widmet sich Nobuhiko Obayashi einem seiner Kernthemen: der korrumpierenden Macht des Krieges und dem damit einhergehenden Unschuldsverlust.

Der in einer Sekte aufgewachsene 12-jährige Ichiro ist gerade einer Strafanstalt entflohen als er eher zufällig die gleichaltrige Yuki vor einem sexuellen Übergriff rettet. Gemeinsam machen sich die beiden auf eine Reise quer durchs Land, denn Ichiro hofft, in Tokio seine Schwester wiederzufinden. Inspiriert von dem Fall der Aum-Sekte, hier in Nirvana umbenannt, erzählt Akihiko Shiota von zwei jugendlichen Außenseitern, die sich in einer ihnen feindseligen Gesellschaft zurechtfinden müssen.

DIE GROSSE LIEBE gilt allgemein als der größte kommerzielle Erfolg des deutschen Films während der Zeit des Zweiten Weltkriegs. Die Handlungskonstellation von WUNSCHKONZERT wieder aufnehmend, geht es um die Liebe zwischen einem Piloten der Luftwaffe und einer Revuesängerin, wobei der Krieg ihre Beziehung ständig unterbricht. Wenn auch in großen Teilen ein Revuefilm, zeichnet DIE GROSSE LIEBE gleichwohl ein erstaunlich realistisches Bild der Kriegsverhältnisse, jedenfalls gemessen am Umfeld der weitgehend eskapistischen NS-Spielfilmproduktion.

Gemeinsam mit Jan Kacer drehte Evald Schorm inmitten der Niederschlagung des Prager Frühlings DEN SEDMÝ, OSMÁ NOC (Der siebte Tag, die achte Nacht, 1969), ein düsterer, parabelartiger Film, in der ein kleines Dorf von mysteriösen Ereignissen heimgesucht wird: Während der örtliche Bahnhofsvorsteher verschwindet und das Telefonnetz zusammenbricht, erscheinen einige Wanderschauspieler:innen, um ein Passionsspiel aufzuführen. In der CSSR wurde Schorms Film fast umgehend verboten und erst 1990 in seiner finalen Fassung uraufgeführt.

Begleitend zur Ausstellung Rache: Geschichte und Fantasie im Jüdischen Museum Frankfurt ist Frank J. Schaffners Film THE BOYS FROM BRAZIL zu sehen: Der Nazijäger Ezra Lieberman (Laurence Olivier) wird über den Aufenthaltsort des KZ-Arztes und Massenmörders Josef Mengele (Gregory Peck) in Südamerika informiert. Dieser führt eine orchestrierte Mordserie an Familienvätern aus, die zunächst keine Verbindungen offenbaren. Jedoch wird der geheimnisvolle Plan von Lieberman entschlüsselt. Dieser setzt alles daran, das Vorhaben von Mengele zu durchkreuzen. Ein konfrontatives Ende rundet den Mystery-Thriller mit Science-Fiction Elementen ab. Eine der ungewöhnlicheren Rollen von Gregory Peck.

„Accattone“ (Bettler) ist der Spitzname eines jungen Mannes aus dem ärmlichen römischen Stadtrand, der auf Kosten der Prostitutierten Maddalena lebt. Als die junge Frau im Gefängnis landet, ist Accattone auf sich allein gestellt und rutscht in die Kriminalität ab. Pasolini besetzte seinen Debütfilm mit Laiendarsteller:innen aus römischen Vororten. Die naturalistischen Bilder aus der Welt des Subproletariats fügen sich über ihre Wirklichkeitsnähe hinaus zu einer modernen Passionsgeschichte über utopische Erlösungssehnsucht. Ein Meisterwerk, das durch seine Detailtreue und schonungslos-aufrichtigen gesellschaftlichen Beobachtungen besticht.

Pasolini befragte in Italien Hunderte Menschen aller gesellschaftlichen Schichten zu Themen, die seinerzeit als Tabu galten. Er interessiert sich für Sexualität, Ehe, Scheidung und Prostitution sowie die Beziehung zwischen Sex und Gesellschaft. Der Psychologe Cesare Musatti und der Schriftsteller Alberto Moravia kommentieren die Haltungen der Interviewpartner:innen. Pasolini lässt das Publikum am Entstehungsprozess des Filmes teilhaben und schafft dabei Platz für Zärtlichkeit und Humor.

In der komödiantischen Farce FAUNOVO AUNOVO VELMI POZDNÍ ODPOLEDNE muss ein Prager Casanova einsehen, dass es mit ihm bald zu Ende geht. Er wollte immer etwas bedeutsames tun, wurde aber durch junge Frauen abgelenkt. In ihrem Vortrag Es ist zu spät um etwas Bedeutsames aufzubauen: Zeit, Tod und mentale Geographien in The Very Late Afternoon of a Faun spricht Jindriška Bláhová über Chytilovás dritte Zusammenarbeit mit der Künstlerin Ester Krumbachová, in der die Regisseurin das Vergehen der Zeit auf die moralischen Dimensionen der menschlichen Existenz treffen lässt.

Dr. Jindriška Bláhová ist Filmkritikerin der Wochenzeitung Respekt und Chefredakteurin der Zeitschrift Cinepur. Sie leitet das Doktorand:innenprogramm der Akademie der darstellenden Künste in Prag und arbeitet derzeit an einer historischen Studie zur Geschichte des Festivals von Karlovy Vary vor 1989.

Zwischen Surrealismus und Subversion: Die Filme von Vera Chytilová
Die Veranstaltung ist Teil der „Lecture & Film“-Reihe, die die Werke der Regisseurin mit Einführungen von Expert:innen präsentiert.

Murmeln rollen in alle Richtungen, Tinte-Linien tanzen im Takt der Musik und ein Hund tollt mit seinem eigenen Schwanz herum. Gemeinsam erleben die jungen Kinobesucher:innen fünf einzigartige und lustige Filme aus der Cinemini-Europe-Filmsammlung und tanzen und bewegen sich dazu. Eine spielerische Einführung in die Kunst der Bewegung mit aktuellen und historischen Filmen.

Der Episodenfilm PERLICKY NA DNE versammelt Beiträge von einigen zentralen Regisseur:innen des Kinos der CSSR, darunter Vera Chytilová, Evald Schorm, Jirí Menzel, Jan Nemec und Jaromil Jireš. Basierend auf einem Erzählband Bohumil Hrabals, einer der wichtigsten literarischen Bezugspunkte der Nová Vlna, wechseln die verschiedenen Episoden zwischen den Registern des Komödiantischen, Surrealen sowie Romantischen und geben dabei einen Einblick in die eigenwilligen Zugänge der jeweiligen Regisseur:innen. Im Rückblick wirkt der Film wie ein kollektives Manifest der Bewegung, bevor diese sich im Zuge der Niederschlagung des Prager Frühlings in verschiedene Bereiche und Länder zersplittern sollte.

In RAFTIS gehen dem traditionsbewussten Schneider Nikos die Kunden aus. Er kommt auf die Idee, einen fahrbaren Marktstand zu bauen und in der Not sogar Brautkleider zu nähen. Eine sehr ertragreiche Entscheidung, wie sich bald herausstellt. Und so schneidert sich Nikos durch das farbenfrohe Reich der prunkvollsten Damenmode. Nachbarin Olga berät ihn mit wachsender Leidenschaft bei der Hochzeitsmode. In poetischen Bildern und mit verspieltem Humor erzählt Sonia Liza Kenterman eine romantische Komödie über eine ganz besondere Anziehungskraft zwischen zwei Menschen.

Mit impressionistisch wirkenden Bildmotiven im Dialog mit einer Musikdramaturgie aus Werken der Renaissance, des Barock und der Wiener Klassik interpretiert Werner Herzog das Rätsel um den im Jahre 1828 aufgefunden Kaspar Hauser als Parabel auf Humanität und deren Scheitern. In der Begegnung voneinander abweichender Denk- und Handlungsmuster und dem Aufeinandertreffen von Rationalität und Intuition lotet der Film die Grenzen einer von Kognition, Vernunft sowie gesellschaftlichen Normen und Werten geprägten Wirklichkeitswahrnehmung und Kulturvorstellung aus. JEDER FÜR SICH UND GOTT GEGEN ALLE wurde bei den Internationalen Filmfestspielen von Cannes 1975 mehrfach ausgezeichnet.

Der Filmclub Treppe 41 lädt Menschen ein, ihre Lieblingsfilme im Kino des DFF vorzustellen.

Ein Remake des gleichnamigen Films von 1931: Um 1910 zieht Manuela von Meinhardt nach dem Tode ihrer Mutter in ein Stift für höhere Töchter nach Potsdam. Ihre wichtigste Bezugsperson in der neuen Umgebung wird die verständige Lehrerin Fräulein von Bernburg, in die sich Manuela verliebt. Nach der Aufführung des Stücks Romeo und Julia, bei dem Manuela den Romeo gibt, kommt es zum Eklat.

Jedes Jahr im Juni feiern die LGBTQIA*-Community und ihre Unterstützer:innen in Deutschland und vielen anderen Nationen den „Pride Month“. Erinnert wird damit an den Aufstand von 1969 in der „Stonewall“-Bar in der Christopher Street in Manhattan, bei dem sich die LGBTQIA*-Szene zum ersten mal erfolgreich gegen damals gängige Polizei-Razzien verteidigt und damit einen Wendepunkt für die Befreiungsbewegung von queeren Menschen in den Vereinigten Staaten und von dort aus in der westlichen Welt eingeleitet hat. Alljährlich wird dem historischen Ereignis auch auf den Christopher-Street-Paraden in deutschen Städten gedacht. Aus Anlass des Pride Month sind im Kino des DFF in der Reihe OUT AND PROUD drei Filme mit queerer Thematik zu sehen.

Pasolini befragte in Italien Hunderte Menschen aller gesellschaftlichen Schichten zu Themen, die seinerzeit als Tabu galten. Er interessiert sich für Sexualität, Ehe, Scheidung und Prostitution sowie die Beziehung zwischen Sex und Gesellschaft. Der Psychologe Cesare Musatti und der Schriftsteller Alberto Moravia kommentieren die Haltungen der Interviewpartner:innen. Pasolini lässt das Publikum am Entstehungsprozess des Filmes teilhaben und schafft dabei Platz für Zärtlichkeit und Humor.

Heiligabend in Los Angeles: Als die afroamerikanische, transsexuelle Prostituierte Sin-Dee Rella nach 28 Tagen aus dem Gefängnis kommt, erfährt sie von ihrer Freundin Alexandra, dass ihr Freund und Zuhälter Chester, fu¨r den sie Drogen aufbewahrt hatte, sie betrogen hat, noch dazu mit einer Cis-Frau. Gemeinsam mit Dinah, der angeblichen Bekanntschaft von Chester, machen sie sich auf die Suche nach Sin-Dees Freund und dem Wahrheitsgehalt der Geschichte. Auf dem Weg dorthin treffen sie im Großstadtdschungel auf verschiedenste Subkulturen und auch immer wieder auf den armenischen Taxifahrer Rezmik. TANGERINE L.A. wurde komplett mit dem iPhone gedreht.

Jedes Jahr im Juni feiern die LGBTQIA*-Community und ihre Unterstützer:innen in Deutschland und vielen anderen Nationen den „Pride Month“. Erinnert wird damit an den Aufstand von 1969 in der „Stonewall“-Bar in der Christopher Street in Manhattan, bei dem sich die LGBTQIA*-Szene zum ersten mal erfolgreich gegen damals gängige Polizei-Razzien verteidigt und damit einen Wendepunkt für die Befreiungsbewegung von queeren Menschen in den Vereinigten Staaten und von dort aus in der westlichen Welt eingeleitet hat. Alljährlich wird dem historischen Ereignis auch auf den Christopher-Street-Paraden in deutschen Städten gedacht. Aus Anlass des Pride Month sind im Kino des DFF in der Reihe OUT AND PROUD drei Filme mit queerer Thematik zu sehen.

Murmeln rollen in alle Richtungen, Tinte-Linien tanzen im Takt der Musik und ein Hund tollt mit seinem eigenen Schwanz herum. Gemeinsam erleben die jungen Kinobesucher:innen fünf einzigartige und lustige Filme aus der Cinemini-Europe-Filmsammlung und tanzen und bewegen sich dazu. Eine spielerische Einführung in die Kunst der Bewegung mit aktuellen und historischen Filmen.

In RAFTIS gehen dem traditionsbewussten Schneider Nikos die Kunden aus. Er kommt auf die Idee, einen fahrbaren Marktstand zu bauen und in der Not sogar Brautkleider zu nähen. Eine sehr ertragreiche Entscheidung, wie sich bald herausstellt. Und so schneidert sich Nikos durch das farbenfrohe Reich der prunkvollsten Damenmode. Nachbarin Olga berät ihn mit wachsender Leidenschaft bei der Hochzeitsmode. In poetischen Bildern und mit verspieltem Humor erzählt Sonia Liza Kenterman eine romantische Komödie über eine ganz besondere Anziehungskraft zwischen zwei Menschen.

Die Prostituierte Mamma Roma gibt ihr Metier auf, als ihr Zuhälter Carmine eine andere Frau heiratet. Sie holt ihren 16-jährigen Sohn Ettore zu sich, um ihm ein besseres Leben zu ermöglichen. Als Obst- und Gemüseverkäuferin hat Mamma Roma Erfolg und betreibt einen gutgehenden Stand auf dem Markt des Viertels. Nur ihr Sohn findet keine Arbeit. Mithilfe ihrer alten Kontakte versucht sie auf erpresserische Art, Ettore eine Anstellung zu verschaffen. Doch dann holt die Vergangenheit die beiden gnadenlos ein. Mit ihrer Hauptrolle in Pasolinis zweitem Spielfilm begeisterte Anna Magnani Publikum und Kritiker:innen, alle weiteren Rollen besetzte Pasolini mit Laien.

Mit IL VANGELO SECONDO MATTEO hält sich Pasolini eng an den Text des biblischen „Matthäus-Evangeliums“. Dies verwunderte viele Kritiker:innen, die ihn zuvor wegen Diffamierung der Religion verurteilt hatten. Der in seinem kühnen ästhetischen Entwurf von Cinéma vérité, Roberto Rossellini und Robert Bresson beeinflusste Film stellt die Figur und Lehren Jesu ins Zentrum, der hier als leidenschaftlicher Kämpfer gegen das Unrecht, das die Menschheit sich gegenseitig zufügt, dargestellt wird und damit auch sozialrevolutionäre Fragen in den Blick nimmt.

GREEN SEA basiert auf einem Roman der bekannten griechischen Schriftstellerin Evgenia Fakinou und erzählt die Geschichte einer Frau namens Anna, die ihr Gedächtnis verloren hat. Geblieben ist ihr das Handwerk und ein besonderes Gespür fürs Kochen. Sie tritt eine Stelle in einer kleinen Taverne in der Nähe eines Hafens an. Ihre Rezepte, Speisen und Aromen wecken vergessene Erinnerungen bei der örtlichen Bevölkerung. Anna findet sich in ihrer neuen Situation zurecht, bis plötzlich Roula, der Besitzer der Taverne, eine merkwürdige Entdeckung macht.

„Lieder der Erde“ nennt Klaus Wyborny einen Zyklus von fünf Filmen, die er ab 1985 realisierte und die auf seinen Reisen in Super 8 gefilmte rhythmische Sequenzen montieren. EINE ANDERE WELT ist der letzte aus der Reihe (trägt aber die Nummer 2). Im Unterschied zu den früheren, auf 16 mm gedrehten Filmen, ist Nummer 2 mithilfe der Digitaltechnik fertiggestellt worden. Ein filmisches Poem in fünf Gesängen mit drei Gedichten von Durs Grünbein. Es erinnert an die dritte Reise des Cristóbal Colón nach Amerika, in deren Verlauf er die Insel Trinidad und die Nordküste Südamerikas entdeckte. Als Vorfilm läuft ein früher Film Wybornys, DAS ABENTEUERLICHE, ABER GLÜCKLOSE LEBEN DES WILLIAM PARMAGINO aus dem Jahr 1969.

„Accattone“ (Bettler) ist der Spitzname eines jungen Mannes aus dem ärmlichen römischen Stadtrand, der auf Kosten der Prostitutierten Maddalena lebt. Als die junge Frau im Gefängnis landet, ist Accattone auf sich allein gestellt und rutscht in die Kriminalität ab. Pasolini besetzte seinen Debütfilm mit Laiendarsteller:innen aus römischen Vororten. Die naturalistischen Bilder aus der Welt des Subproletariats fügen sich über ihre Wirklichkeitsnähe hinaus zu einer modernen Passionsgeschichte über utopische Erlösungssehnsucht. Ein Meisterwerk, das durch seine Detailtreue und schonungslos-aufrichtigen gesellschaftlichen Beobachtungen besticht.

Die eindrucksvoll gefilmte Naturdokumentarfilm fasziniert durch ihre hochauflösenden Bilder, welche das Leben unter der Wasseroberfläche einfangen. DEEP BLUE ist eine Reise in die Tiefen, die von sonnigen Korallenriffen bis in die undurchdringbare Dunkelheit der Tiefsee führt. Das Voice-Over von Pierce Brosnan, minimal und zu keiner Zeit belehrend, lässt den Bildern den Vortritt, die so ihre spektakuläre Wirkung entfalten. Der Dokumentarfilm ist die Kinoversion einer achtteiligen Serie der BBC. Die Filmmusik wird von den Berliner Philharmonikern gespielt.

Mit OCÉANS, der an 54 Drehorten in fünf Ozeanen und über vier Jahre hinweg gedreht wurde, zeigen Jacques Perrin und Jacques Cluzaud (NOMADEN DER LÜFTE) die Schönheit der Biodiversität der Meere. Neben Rochen, Delphinen oder Walen treten auch unbekannte Lebewesen der Tiefe bildgewaltig in Erscheinung. Auch der Einfluss der Menschen auf das Ökosystem wird thematisiert, deren Müll und Schleppnetze für die Meere zur Gefahr werden. Begleitet wird die visuelle Anziehungskraft durch die Komposition von Bruno Coulais (DIE KINDER DES MONSIEUR MATHIEU).

GREEN SEA basiert auf einem Roman der bekannten griechischen Schriftstellerin Evgenia Fakinou und erzählt die Geschichte einer Frau namens Anna, die ihr Gedächtnis verloren hat. Geblieben ist ihr das Handwerk und ein besonderes Gespür fürs Kochen. Sie tritt eine Stelle in einer kleinen Taverne in der Nähe eines Hafens an. Ihre Rezepte, Speisen und Aromen wecken vergessene Erinnerungen bei der örtlichen Bevölkerung. Anna findet sich in ihrer neuen Situation zurecht, bis plötzlich Roula, der Besitzer der Taverne, eine merkwürdige Entdeckung macht.

Alice Lovejoy (University of Minnesota) beschäftigt sich in ihrem Vortrag Bauen Filmen: Panelstory (Geschichte der Wände) und der Wandel von Prag (in englischer Sprache) mit dem Film PANELSTORY ANEB JAK SE RODÍ SÍDLISTE. Gegen Ende der 1970er Jahre begann Chytilová mit dem Film eine Untersuchung des sich wandelnden Stadtbilds von Prag und erforschte die halbfertigen Gebäude der groß angelegten Plattensiedlungsbauten der Stadt. Der Film verbindet auf Chytilovás unnachahmliche Weise Melodrama und Sozialkritik.

Alice Lovejoy ist Associate Professor im Department of Cultural Studies and Comparative Literature und im Moving Image Studies program der University of Minnesota. Zu ihren Publikationen zählt Army Film and the Avant Garde: Cinema and Experiment in the Czechoslovak Military (Indiana University Press 2014).

Zwischen Surrealismus und Subversion: Die Filme von Vera Chytilová Die Veranstaltung ist Teil der „Lecture & Film“-Reihe, die die Werke der Regisseurin mit Einführungen von Expert:innen präsentiert.

Mit seinen Streichen bringt der kleine Michel den ganzen Ort Lönneberga gegen sich auf und die Bewohner:innen wollen ihn sogar nach Amerika schicken. So weit kommt es nicht. Doch auch im zweiten Teil der Adaption der Lindgren-Romane verbringt Michel wieder viel Zeit mit dem Schnitzen von Männchen im Holzschuppen, wo ihn der Vater zur Strafe für seine Missetaten einsperrt.

Gedreht mit Unterstützung der algerischen Partei Nationale Befreiungsfront (FLN), legt Maldorors Debütfilm MONANGAMBEE (1969) die Gewalt des portugiesischen Kolonialsystems gegen die angolanische Unabhängigkeitsbewegung mit ungewöhnlicher Sensibilität offen, während ET LES CHIENS SE TAISAIENT (1978) ein Theaterstück über die Auflehnung gegen die Sklaverei im Musée de l’Homme in Paris inszeniert. Der poetische Dokumentarfilm LÉON G. DAMAS (1994) reflektiert Landschaften und Einflüsse, die den Dichter der Négritude umgaben. Anne-Laure Follys SARAH MALDOROR OU LA NOSTALGIE DE L’UTOPIE (1999) ist ein eindrückliches Porträt über Maldoror.

SAMBIZANGA spielt im Jahr 1961: Der Befreiungskampf gewinnt auch in Angola an Momentum. Mit Bildern des Alltäglichen erzählt Sarah Maldoror die Suche Marias nach ihrem Ehemann Domingo – er wurde inhaftiert, weil er sich der Revolution angeschlossen hat. Dabei legt Maldoror mit Feingefühl das Alleinsein einer Frau auf einer beschwerlichen Reise offen. Marias Suche entpuppt sich als einfühlsame und kraftvolle Metapher für das Leiden des angolanischen Volkes und dessen „Entwicklung eines revolutionären Bewusstseins“ (S. Maldoror).

Ein kleines Filmteam will 1979 im Süden der USA in einem abgelegenen Bauernhaus einen Pornofilm drehen. Das uralte Gastgeber-Ehepaar ist davon gar nicht begeistert. In Ti Wests schwarzhumoriger Hommage an Backwood-Slasher und Golden-Age-Erotikfilme münden unterdrücktes Begehren und religiöser Wahn in einem brutalen Überlebenskampf, der zugleich mit weiblicher Selbstermächtigung das Horrorkino aufmischt und melancholisch über Ruhm und Alter reflektiert.

Annouchka de Andrade setzt sich mit der „Assoziation Sarah Maldoror und Mario de Andrade“ für den Erhalt und die Verbreitung des Erbes ihrer Eltern ein. Seit über 30 Jahren arbeitet Annouchka de Andrade international zu den Schwerpunkten audiovisuelle Medien, kulturelles Erbe und Produktion.

PORTRAIT D’UNE FEMME AFRICAINE verhandelt in beeindruckend dichter Erzählweise die Situation einer in Frankreich arbeitenden senegalesischen Frau. In dem von ihr unmittelbar eingesprochenen Off-Kommentar erzählt sie von den Schwierigkeiten des Lebens in der Fremde und den Verpflichtungen gegenüber den Zurückgebliebenen in der Heimat, während die Kamera sie in ihrem Alltag filmt.

Auch der für das Fernsehen entstandene Langfilm UN DESSERT POUR CONSTANCE widmet sich der prekären Situation der afrikanischen Diaspora in Frankreich, jedoch in Gestalt einer sarkastischen und in der Darstellung menschlicher Solidarität zutiefst berührenden Komödie: Über Umwege gelangt ein Kochbuch, das die Rezepte urfranzösischer Saucen versammelt, zu Mamadou und seinen Freunden, die als Müllmänner in Paris arbeiten. Einer von ihnen ist schwer krank und die Gruppe beschließt, ihm die Rückkehr nach Afrika zu ermöglichen. Eine kulinarische Quizsendung im Fernsehen soll das benötigte Geld einbringen.

Im Jahr 1932 erhält der Schriftsteller Victor Serge die Einladung, das älteste psychiatrische Krankenhaus Leningrads zu besuchen. Schon auf dem Weg dorthin beobachtet er die alltäglichen Auswirkungen des stalinistischen Regimes: Polizisten üben Gewalt gegenüber Bürger:innen aus, Wägen mit verhafteten Menschen fahren vor und singende Pioniergruppen marschieren durch die Straßen. Im Krankenhaus lernt Serge einige Opfer des sowjetischen Systems kennen, darunter den Denker Nestor Jurijew, der einen philosophischen Diskurs mit ihm beginnt. Im Zentrum seiner Gedanken steht die Überzeugung, dass erst das Überwinden der Angst – auch in Zeiten von Denunziation und willkürlichen Verhaftungen – ein freies Denken ermöglicht. Nach einer Erzählung des Schriftstellers und Revolutionärs Victor Serge inszeniert Maldoror diese Begegnung in einem langsamen Rhythmus und in melancholischen Bildern, deren bewusste graue Ödnis einzig vom Rot der kommunistischen Propaganda durchbrochen wird.

In VLADY – PEINTRE besucht Maldoror den Maler Wladimir Kibaltschitsch, kurz “Vlady” genannt, den Sohn Victor Serges, der mit seiner Familie seit 1941 im Exil in Mexiko lebt. Anhand eines von Symbolen und Anspielungen erfüllten Wandgemäldes erläutert Vlady seine künstlerische Handschrift, erinnert sich aber auch an seinen Vater, dessen Freundschaft mit Trotzki und das Aufwachsen im Exil.

Eine 19-jährige Schwedin reist in die USA, um es im Pornogeschäft ganz nach oben zu schaffen. Um erfolgreich zu sein, muss sie immer mehr Grenzen überschreiten und sich zunehmend selbst aufgeben. Thybergs Film basiert auf jahrelangen Recherchen und seziert mit dokumentarischer Genauigkeit die Machtstrukturen der Branche, ohne in Plattitüden abzugleiten. Der Oberflächenglanz des Films spiegelt die ambivalent-abgründige Anziehungskraft der Branche, kontrastiert den gängigen 'male gaze' dabei aber immer wieder mit einem feministischen Perspektivwechsel.

Mit seinen Streichen bringt der kleine Michel den ganzen Ort Lönneberga gegen sich auf und die Bewohner:innen wollen ihn sogar nach Amerika schicken. So weit kommt es nicht. Doch auch im zweiten Teil der Adaption der Lindgren-Romane verbringt Michel wieder viel Zeit mit dem Schnitzen von Männchen im Holzschuppen, wo ihn der Vater zur Strafe für seine Missetaten einsperrt.

Maldoror präferierte das Kurzporträt als filmische Form. Davon zeugt TOTO BISSAINTHE über die gleichnamige haitianische Sängerin und enge Freundin der Regisseurin. Mehrere Filme widmete Maldoror dem Mitbegründer der Négritude, Aimé Césaire. Ausgangspunkt von AIMÉ CÉSAIRE – LE MASQUE DES MOTS ist eine Konferenz in Miami, die ihm zu Ehren veranstaltet wurde. Mittels zahlreicher Interviews u.a. mit dem Poeten Édouard Glissant und der Politikerin Madeleine de Grandmaison begibt sich REGARDS DE MÉMOIRE auf die Spuren von Sklaverei, Kolonialismus und der haitianischen Revolution.

In ihrem weltberühmten Tagebuch wandte sich Anne Frank an ihre imaginierte Freundin namens Kitty. Ihr vertraute sie Momentaufnahmen aus dem Alltag im Versteck an: Wünsche, Wut, Hoffnungen und Geheimnisse aus dem Hinterhaus. Im Animationsfilm WHERE IS ANNE FRANK? erweckt der israelische Regisseur Ari Folman Kitty zum ersten Mal zum Leben und erzählt ihre eigene Geschichte. Auf der Suche nach ihrer besten Freundin Anne Frank wird Kitty Zeugin der letzten Monate der Familie Frank während der Schoa und des Europas nach dem Zweiten Weltkrieg. Der Film wurde 2021 auf den Filmfestspielen in Cannes gezeigt und ist nun erstmals auf einer deutschen Kinoleinwand zu sehen.

Der Film ist anlässlich des Anne Frank Tags 2022 zu sehen.

Einer der markantesten Vertreter des tunesischen Kinos ist der Regisseur Nacer Khemir. Sein zweiter Film, bekannt auch unter dem französischen Titel „Le Collier perdu de la colombe“ und beruhend auf einem mittelalterlichen Buch mit dem Untertitel Von der Liebe und den Liebenden, darf als eines seiner Hauptwerke bezeichnet werden. Im Stil orientalischer Märchen und in leuchtenden Farben gedreht, beschwört er die Blütezeit der arabischen Kultur des Mittelalters herauf. Hauptfigur ist der junge Hassan, der bei einem Meister der Kalligraphie diese Kunst erlernt und sich in eine Phantasiewelt hineinträumt, die in mehreren miteinander verschränkten Liebesgeschichten Gestalt annimmt.

Totò und sein Sohn Ninetto treffen sich auf einer Landstraße in der Umgebung von Rom und diskutieren über Gott und die Welt. Da gesellt sich ein sprechender Rabe zu ihnen, der Rabe der Ideologie, der intellektuelle Reden schwingt und marxistische Parolen von sich gibt. Er ermuntert die beiden, als Mönche verkleidet, den Spatzen und Falken das Evangelium zu predigen, ganz wie der Heilige Franziskus. Das Ergebnis ist jedoch überraschend. UCCELLACCI E UCCELLINI ist ein Film zwischen christlicher und kommunistischer Ideologie – und zugleich das letzte Mal, dass sich Pasolini in einem Film eingehend mit dem Subproletariat auseinandersetzt. Die Hauptrolle ist zugleich ein letzter großer Auftritt von Totò, einem neapolitanischen Sänger, Dichter und Komödianten, der zum größten Star des populären italienischen Kinos der ersten Jahrhunderthälfte avancierte.

Mit IL VANGELO SECONDO MATTEO hält sich Pasolini eng an den Text des biblischen „Matthäus-Evangeliums“. Dies verwunderte viele Kritiker:innen, die ihn zuvor wegen Diffamierung der Religion verurteilt hatten. Der in seinem kühnen ästhetischen Entwurf von Cinéma vérité, Roberto Rossellini und Robert Bresson beeinflusste Film stellt die Figur und Lehren Jesu ins Zentrum, der hier als leidenschaftlicher Kämpfer gegen das Unrecht, das die Menschheit sich gegenseitig zufügt, dargestellt wird und damit auch sozialrevolutionäre Fragen in den Blick nimmt.

In Christos Nikous MILA werden Menschen auf der ganzen Welt durch eine unvorhergesehene Pandemie von einer plötzlichen Amnesie befallen. So auch Aris, der in einer Klinik an einem eigenartigen Therapieprogramm teilnimmt, um sich eine neue Identität zu verschaffen. In surrealen und lakonischen Szenen entfaltet Nikou, der zuvor als Regie-Assistent für Yorgos Lanthimos und Richard Linklater gearbeitet hat, in seinem Debütfilm einen ganz eigenen Humor. Obwohl MILA vor der Corona-Pandemie gedreht wurde, sind die Parallelen zur Situation seit 2020 offenkundig.

STEP ACROSS THE BORDER von Werner Penzel und Nicolas Humbert dreht sich um den Musiker Fred Frith. Statt eines konventionellen Dokumentarfilms sind hier rauschhafte Bild-Ton-Collagen mit teilweise frei assoziierenden Bildfolgen zu sehen, die der Musik gerecht werden. Zwei auf ähnliche Weise arbeitende künstlerische Ausdrucksformen treffen dabei aufeinander: improvisierte Musik und spontane, aus dem Augenblick der Beobachtung heraus aufgenommene Bilder. Auf diese Weise entstand ein Film, der ein Gefühl großer Freiheit vermittelt. Gedreht wurde er in mehreren Ländern, von Japan bis zur Schweiz, von den USA bis Frankreich.

Amerika im Jahre 1831. Willie McKay erhält die Aufforderung, sein Erbe im fernen Süden anzutreten. Er selbst ist in New York aufgewachsen, nachdem sein Vater als Opfer der Blutfehde zwischen den McKays und den Canfields ermordet wurde. Willie macht sich nun auf die abenteuerliche Dampflokomotiven-Reise zu dem (vermeintlich) prunkvollen Anwesen. Seine attraktive Abteilnachbarin und er haben das selbe Ziel und sie lädt ihn zum Abendessen ein – in das Anwesen der Canfields, wie sich dann herausstellt. Die laden sogleich ihre Revolver, um ihn traditionsgemäß umzubringen. Doch das Gastrecht schützt Willie vor der Ermordung - solange er sich innerhalb des Hauses befindet.

Da das Kommunale Kino vor 50 Jahren mit einer Buster-Keaton-Retrospektive eröffnet wurde, darf ein Film dieses großen Komikers nicht fehlen.

Im Jahr 1969 fertiggestellt, fand die Uraufführung von AM AMA AM AMAZONAS erst zehn Jahre später im Mai 1980 im Kommunalen Kino in Frankfurt statt. Thematisch wie ästhetisch ein Zeitdokument par excellence, erzählt der Film des Frankfurter Kollektivs „Epplewoi Motion Pictures“ in semi-dokumentarischen Stil von Marion, die gleich drei Männer im Glauben lässt, sie wären Vater ihres ungeborenen Kindes.

Seit Jahrzehnten beobachtet und katalogisiert Zoe Lucas Flora und Fauna auf Sable Island, einem Eiland vor der Küste Kanadas. Die Experimentalfilmerin Jacqueline Mills begleitet sie zu den Dünen und Süßwassertümpeln, zu Wildpferden und angespültem Plastikmüll.

Wie Geschirr, Porzellan und Hartkeramik gemacht wird, wie Maschinen funktionieren, an denen Menschen immer die gleichen Handgriffe bewerkstelligen, um Geschirr, Porzellan und Hartkeramik herzustellen, zeigt der Film ZUM BEISPIEL GESCHIRRHERSTELLUNG, der zugleich über Arbeitsbedingungen und Lohn berichtet und die industrielle Produktion in den Blick nimmt.

In MEINE GROSSMUTTER ZEIGT UND ERZÄHLT BÄUERLICHE HAUSARBEIT führtt eine alte Frau einige bäuerliche Hausarbeiten vor, die 50 Jahre vor dem Dreh des Films alltäglich waren. Durch ökonomische, technische und soziale Veränderungen sind diese Arbeiten und Arbeitsweisen nicht mehr gebräuchlich. Ein Film über die Bewertung des Vergangenen, über jenes, was noch festzuhalten ist, weil das Vergessen immer ein Mangel an der Zukunft ist.

Von einem versunkenen Kontinent, auf dem nur Frauen leben und geboren werden, werden sieben junge Frauen nach München entsandt. Sie sollen auf der Erde Kontakt mit irdischen Männern aufnehmen, sie auf Daumengröße schrumpfen und mit nach Hause bringen. Einzig Atlantis (Isolde ter Jung) ist nicht gewillt, diesen Auftrag übers Herz zu bringen. Eckhardt Schmidts zweiter Spielfilm, seinerzeit im Kino untergegangen, birgt als vordergründig leichthändige Science-Fiction-Komödie zugleich auch viel subversives Potential. Als Vorfilm ist der Imagefilm OPERATION STADTBAHN zu sehen, in dem der Frankfurter U-Bahn-Bau durch animierte Puppen und Tricksequenzen bebildert wird.

In Christos Nikous MILA werden Menschen auf der ganzen Welt durch eine unvorhergesehene Pandemie von einer plötzlichen Amnesie befallen. So auch Aris, der in einer Klinik an einem eigenartigen Therapieprogramm teilnimmt, um sich eine neue Identität zu verschaffen. In surrealen und lakonischen Szenen entfaltet Nikou, der zuvor als Regie-Assistent für Yorgos Lanthimos und Richard Linklater gearbeitet hat, in seinem Debütfilm einen ganz eigenen Humor. Obwohl MILA vor der Corona-Pandemie gedreht wurde, sind die Parallelen zur Situation seit 2020 offenkundig.

Laios und Iokaste, die Herrscher von Theben, erfahren durch ein Orakel, dass ihr Sohn den Vater umbringen und die Mutter heiraten wird. Sie beauftragen einen Diener, ihren Sohn Ödipus zu töten. Doch der Diener setzt das Kind in den Bergen bei Korinth aus. Dort findet es ein Bauer, der es König Kreon übergibt. Als Ödipus erwachsen ist, erfährt er vom Orakel des Apollon die grauenvolle Weissagung. Das Schicksal nimmt seinen Lauf. Pasolini bezeichnete EDIPO RE als seinen autobiografischsten Film, der das mythische Geschehen der Vorlage von Sophokles in die archaische Realität der bäuerlichen und handwerkenden Bevölkerung des unterentwickelten italienischen Südens (aufgenommen in Marokko) verlegt und den antiken Stoff damit auf bemerkenswerte Weise aktualisiert.

Martin Scorseses vierter Spielfilm war sein erster für ein Hollywood-Studio. Die Schauspielerin Ellen Burstyn schlug den Regisseur aufgrund der Qualität von MEAN STREETS für das Projekt vor. ALICE DOESN’T LIVE HERE ANYMORE ist das eindringliche Porträt einer Frau, die nach dem plötzlichen Tod ihres Mannes für sich und ihren elfjährigen Sohn sorgen und mit ihrem Leben zurechtkommen muss. Sie beschließt, ihre Habseligkeiten zu verkaufen und ihren Kindheitstraum wahrzumachen. Sie will als Sängerin durchstarten, landet aber als Kellnerin in einer Bar in Tucson, wo der Film überwiegend gedreht wurde. Ellen Burstyn gewann einen Oscar® für die Darstellung der Hauptfigur.

Murat Kurnaz wird als Terrorist verdächtigt und kommt in das berüchtigte US-Gefangenenlager Guantánamo. Obwohl sich bald seine Unschuld herausstellt, bleibt er in Haft. Seine Mutter Rabiye beginnt einen schier aussichtslosen Kampf um die Freilassung ihres Sohnes. Gemeinsam mit dem Menschenrechtsanwalt Bernhard Docke strengt die mutige türkische Hausfrau von Bremen aus eine Klage gegen die amerikanische Regierung an, der die beiden bis zum Supreme Court der USA führt.

Einmal pro Monat widmet sich die Reihe „Was tut sich – im deutschen Film?“ dem aktuellen deutschen Kinogeschehen. Im Juni stellt Drehbuchautorin Laila Stieler mit RABIYE KURNAZ GEGEN GEORGE W. BUSH ihre neueste Zusammenarbeit mit Regisseur Andreas Dresen vor. Der auf realen Ereignissen basierende Film feierte seine Premiere im Wettbewerb der diesjährigen Berlinale, wo Meltem Kaptan als Hauptdarstellerin und Laila Stieler für das Beste Drehbuch mit jeweils einem Silbernen Bären ausgezeichnet wurden.

EFTYCHIA basiert auf dem außergewöhnlichen Leben der Liedtextschreiberin Eftychia Papagiannopoulou, deren Lieder bis heute gesungen werden. Sie überlebte zusammen mit ihren Kindern das Massaker in Smyrna und kam als Flüchtling aus Kleinasien nach Athen. Dort beschließt sie ihr eigenes Leben zu leben. Ende der 1940er Jahre begann sie Liedtexte für Rebetiko- und Populärmusik zu schreiben und kämpfte mutig und unangepasst als Frau in einer Männerdomäne. Bekannte Komponisten ihrer Zeit wie Vassilis Tsitsanis bis Manos Hatzidakis haben ihre Texte für großartige Lieder verwendet, die zum griechischen Kulturerbe gehören.

IL DECAMERON erzählt neun Novellen des Boccaccio: Den Leitfaden im ersten Teil bildet die Geschichte des Ser Cepperello, der beim Beichten den Priester belügt und sich in einen Heiligen verwandelt. Der Fresken-Maler Andreuccio wird von einem Mädchen ausgeraubt und erleichtert die Leiche eines Bischofs um seine Juwelen. Masetto gibt sich taubstumm, wird in ein Nonnenkloster aufgenommen und lässt sich dort bis zur Erschöpfung verführen. Ein sinnenfreudiger Film „mitten hinein ins volle, pralle Leben“, urteilte Fassbinder-Schauspieler Harry Baer nach der Premiere auf der Berlinale 1971, bei der Pasolini mit dem Silbernen Bären ausgezeichnet wurde.

Der junge Jason macht sich mit den Argonauten auf die Suche nach dem Goldenen Vlies, um seinen Onkel Pelias vom unrechtmäßig erworbenen Thron zu stoßen. Er heiratet die Königstochter und Zauberin Medea, die ihm zum Vlies verhalf, verlässt sie und die gemeinsamen Kinder später jedoch für die junge Tochter des Königs von Korinth. Medea sinnt auf Rache. In ihrer ersten und einzigen Kinorolle spielte Operndiva Maria Callas die tragische Figur der Verstoßenen. Pasolini inszenierte die antike Sage, indem er den Text von Euripides‘ Vorlage als Tragödie des Menschen zwischen barbarisch-sakraler und zivilisiert-rationalistischer Kultur interpretiert.

Bettina Schulte Strathaus (Goethe-Universität Frankfurt) nimmt in Murdering the devil? Chytilovás doppelbödige Würdigung Ester Krumbachovás eine der langjährigen künstlerischen Partnerinnen Chytilovás in den Blick. Wie viele ihrer Kolleg:innen verdankt Chytilová der (infolge politischer Repressionen oft unsichtbaren) Komplizin auf Zeit elementare Ideen und extravagante Zugriffe auf Stoff, Dramaturgie und Oberfläche ihrer Filme. Im Jahr 2002 entscheidet sich die Regisseurin mit PÁTRÁNÍ PO ESTER der 1996 verstorbenen Künstlerin, Drehbuchautorin, Kostümbildnerin, Setdesignerin und schließlich auch Regisseurin Krumbachová im Gestus der Spurensuche ein filmisches Porträt zu widmen.

Bettina Schulte Strathaus ist wissenschaftliche Koordinatorin für den Master „Filmkultur: Archivierung, Programmierung, Präsentation“ an der Goethe-Universität Frankfurt. Derzeit forscht sie zu Ella Bergmann-Michels Regie- und Filmkulturarbeit.

Zwischen Surrealismus und Subversion: Die Filme von Vera Chytilová
Die Veranstaltung ist Teil der „Lecture & Film“-Reihe, die die Werke der Regisseurin mit Einführungen von Expert:innen präsentiert.

Es könnte so beschaulich sein in der Kleinstadt Schmuddelfing, wenn da nicht die riesige, übelriechende Müllhalde wäre. Die Olchis finden die Deponie indes paradiesisch, denn die kleinen grünen Wesen essen gerne Müll. Doch der Olchi-Familie droht die Vertreibung. Die humorvolle Adaption der Kinderbuchreihe thematisiert auch nachdenkliche Themen wie Müllverwertung und Anderssein.

Totò und sein Sohn Ninetto treffen sich auf einer Landstraße in der Umgebung von Rom und diskutieren über Gott und die Welt. Da gesellt sich ein sprechender Rabe zu ihnen, der Rabe der Ideologie, der intellektuelle Reden schwingt und marxistische Parolen von sich gibt. Er ermuntert die beiden, als Mönche verkleidet, den Spatzen und Falken das Evangelium zu predigen, ganz wie der Heilige Franziskus. Das Ergebnis ist jedoch überraschend. UCCELLACCI E UCCELLINI ist ein Film zwischen christlicher und kommunistischer Ideologie – und zugleich das letzte Mal, dass sich Pasolini in einem Film eingehend mit dem Subproletariat auseinandersetzt. Die Hauptrolle ist zugleich ein letzter großer Auftritt von Totò, einem neapolitanischen Sänger, Dichter und Komödianten, der zum größten Star des populären italienischen Kinos der ersten Jahrhunderthälfte avancierte.

EFTYCHIA basiert auf dem außergewöhnlichen Leben der Liedtextschreiberin Eftychia Papagiannopoulou, deren Lieder bis heute gesungen werden. Sie überlebte zusammen mit ihren Kindern das Massaker in Smyrna und kam als Flüchtling aus Kleinasien nach Athen. Dort beschließt sie ihr eigenes Leben zu leben. Ende der 1940er Jahre begann sie Liedtexte für Rebetiko- und Populärmusik zu schreiben und kämpfte mutig und unangepasst als Frau in einer Männerdomäne. Bekannte Komponisten ihrer Zeit wie Vassilis Tsitsanis bis Manos Hatzidakis haben ihre Texte für großartige Lieder verwendet, die zum griechischen Kulturerbe gehören.

Eine 19-jährige Schwedin reist in die USA, um es im Pornogeschäft ganz nach oben zu schaffen. Um erfolgreich zu sein, muss sie immer mehr Grenzen überschreiten und sich zunehmend selbst aufgeben. Thybergs Film basiert auf jahrelangen Recherchen und seziert mit dokumentarischer Genauigkeit die Machtstrukturen der Branche, ohne in Plattitüden abzugleiten. Der Oberflächenglanz des Films spiegelt die ambivalent-abgründige Anziehungskraft der Branche, kontrastiert den gängigen 'male gaze' dabei aber immer wieder mit einem feministischen Perspektivwechsel.

Alice Lovejoy (University of Minnesota) beschäftigt sich in ihrem Vortrag Bauen Filmen: Panelstory (Geschichte der Wände) und der Wandel von Prag (in englischer Sprache) mit dem Film PANELSTORY ANEB JAK SE RODÍ SÍDLISTE. Gegen Ende der 1970er Jahre begann Chytilová mit dem Film eine Untersuchung des sich wandelnden Stadtbilds von Prag und erforschte die halbfertigen Gebäude der groß angelegten Plattensiedlungsbauten der Stadt. Der Film verbindet auf Chytilovás unnachahmliche Weise Melodrama und Sozialkritik.

Alice Lovejoy ist Associate Professor im Department of Cultural Studies and Comparative Literature und im Moving Image Studies program der University of Minnesota. Zu ihren Publikationen zählt Army Film and the Avant Garde: Cinema and Experiment in the Czechoslovak Military (Indiana University Press 2014).

Zwischen Surrealismus und Subversion: Die Filme von Vera Chytilová Die Veranstaltung ist Teil der „Lecture & Film“-Reihe, die die Werke der Regisseurin mit Einführungen von Expert:innen präsentiert.

Die Amerika-Griechin Filio Baltatzi reist mit ihrer Enkelin auf die Insel Lesbos, um syrischen Flüchtlingen zu helfen. Mit der Insel verbindet sie ein ähnliches Schicksal. Vor fast einem Jahrhundert flüchtete ihre Familie aus dem zerstörten Smyrna auf die Insel. Anhand eines Tagebuchs erzählt Grigoris Karantinakos die turbulente und tragische Geschichte einer reichen griechischen Geschäfts- und Kaufmannsfamilie im kosmopolitischen Syrma in den letzten Jahren vor der Zerstörung der Stadt im Jahre 1922. Die Adaption des erfolgreichen Theaterstückes der griechischen Schauspielerin Mimi Denissi versucht detailliert mit aufwändigen Kulissen die Atmosphäre der Stadt einzufangen und dem Drama auch in seiner historischen Vielschichtigkeit gerecht zu werden.

Ein kleines Filmteam will 1979 im Süden der USA in einem abgelegenen Bauernhaus einen Pornofilm drehen. Das uralte Gastgeber-Ehepaar ist davon gar nicht begeistert. In Ti Wests schwarzhumoriger Hommage an Backwood-Slasher und Golden-Age-Erotikfilme münden unterdrücktes Begehren und religiöser Wahn in einem brutalen Überlebenskampf, der zugleich mit weiblicher Selbstermächtigung das Horrorkino aufmischt und melancholisch über Ruhm und Alter reflektiert.

Es könnte so beschaulich sein in der Kleinstadt Schmuddelfing, wenn da nicht die riesige, übelriechende Müllhalde wäre. Die Olchis finden die Deponie indes paradiesisch, denn die kleinen grünen Wesen essen gerne Müll. Doch der Olchi-Familie droht die Vertreibung. Die humorvolle Adaption der Kinderbuchreihe thematisiert auch nachdenkliche Themen wie Müllverwertung und Anderssein.

In dem Dokumentarfilm SMYRNA: THE DESTRUCTION OF A COSMOPOLITAN CITY – 1900-1922 erzählt die griechische Regisseurin Maria Ilioú die komplexe Geschichte der antiken Stadt in Kleinasien, die nach einem Brand 1922 von der Landkarte verschwindet und durch Izmir ersetzt wird. Für ihren Dokumentarfilm recherchierte sie viele Jahre weltweit in Archiven, suchte nach bisher unbekannten Zeugnissen, um das kollektive Gedächtnis der Stadt mit ihren vielen Identitäten wieder zum Leben zu erwecken. Im Film kommen der Historiker Alexander Kitroeff, der Autor Giles Milton als Erzähler, weitere Wissenschaftler:innen und eine Zeitzeugin zu Wort.

Der junge Jason macht sich mit den Argonauten auf die Suche nach dem Goldenen Vlies, um seinen Onkel Pelias vom unrechtmäßig erworbenen Thron zu stoßen. Er heiratet die Königstochter und Zauberin Medea, die ihm zum Vlies verhalf, verlässt sie und die gemeinsamen Kinder später jedoch für die junge Tochter des Königs von Korinth. Medea sinnt auf Rache. In ihrer ersten und einzigen Kinorolle spielte Operndiva Maria Callas die tragische Figur der Verstoßenen. Pasolini inszenierte die antike Sage, indem er den Text von Euripides‘ Vorlage als Tragödie des Menschen zwischen barbarisch-sakraler und zivilisiert-rationalistischer Kultur interpretiert.

Einer der bemerkenswertesten Regisseure der Filmgeschichte ist der Ungar Paul Fejos, der in den 1920er und 1930er Jahren Filme in Ungarn, den USA, Frankreich, Deutschland, Österreich, Dänemark und Thailand drehte, alle von großer Bildkraft und genauer Beobachtungsgabe. Die wahrscheinlich erste Retrospektive seiner Filme fand im September 1979 im Kommunalen Kino Frankfurt statt. Fejos‘ ungarischer Film ÍTÉL A BALATON ist nur in der von Werner Hochbaum erstellten deutschen Synchronfassung mit dem Titel MENSCHEN IM STURM erhalten. Eine Liebesgeschichte in einem Fischerdorf am Plattensee, erzählt mit enormer visueller Gestaltungskraft.

Die Prostituierte Mamma Roma gibt ihr Metier auf, als ihr Zuhälter Carmine eine andere Frau heiratet. Sie holt ihren 16-jährigen Sohn Ettore zu sich, um ihm ein besseres Leben zu ermöglichen. Als Obst- und Gemüseverkäuferin hat Mamma Roma Erfolg und betreibt einen gutgehenden Stand auf dem Markt des Viertels. Nur ihr Sohn findet keine Arbeit. Mithilfe ihrer alten Kontakte versucht sie auf erpresserische Art, Ettore eine Anstellung zu verschaffen. Doch dann holt die Vergangenheit die beiden gnadenlos ein. Mit ihrer Hauptrolle in Pasolinis zweitem Spielfilm begeisterte Anna Magnani Publikum und Kritiker:innen, alle weiteren Rollen besetzte Pasolini mit Laien.

Katerina Svatonová (Karls-Universität Prag) untersucht in dem Vortrag Experimente auf der Suche nach Wahrheit: OVOCE STROMU RAJSKÝCH JÍME die Metaphernsprache von Chytilovás fiktionalem Kosmos, die Farbkomposition ihrer Filme sowie Jaroslav Kuceras Kameraarbeit. Die opernhafte Detektivgeschichte OVOCE STROMU RAJSKÝCH JÍME stellt den Höhepunkt der experimentellen Formsuche des Autorentrios Chytilová (Regie), Kucera (Kamera) und Krumbachová (Szenenbild) dar.

Katerina Svatonová ist Film- und Medientheoretikern und Professorin für Filmwissenschaft an der Karls-Universität in Prag. Sie hat zahlreiche Publikationen zur Medienarchäologie der tschechischen Moderne und zu Fragen der filmischen und medialen Wahrnehmung vorgelegt und Ausstellungen zum Kameramann Jaroslav Kucera und zur Kostümbildnerin Ester Krumbachová kuratiert.

Zwischen Surrealismus und Subversion: Die Filme von Vera Chytilová
Die Veranstaltung ist Teil der „Lecture & Film“-Reihe, die die Werke der Regisseurin mit Einführungen von Expert:innen präsentiert.

In seinem neuen Dokumentarfilm thematisiert der Regisseur Heiko Arendt das Leben der Häftlinge in dem Konzentrationslager mit dem Tarnnamen Katzbach. Ein Konzentrationslager mitten in der Stadt, in den Frankfurter Adlerwerken, im Stadtteil Gallus. Unter Verwendung von Texten des polnischen Journalisten Janusz Garlicki, gesprochen von dem Schauspieler und Regisseur Jochen Nix, erinnert KATZBACH an Garlickis Haftzeit.

Wie zahlreiche deutsche Unternehmen beschäftigten auch die Frankfurter Aderwerke ab Sommer 1944 KZ-Häftlinge in der Rüstungsproduktion und errichteten für deren Unterbringung ein KZ-Außenlager auf Ihrem Firmengelände. Insgesamt 1616 Häftlinge, die zum großen Teil aus Polen, aber auch aus der Sowjetunion, Deutschland, Österreich, Jugoslawien, Frankreich und der Tschechoslowakei stammten, wurden dort unter sich stets verschlechternden Bedingungen zu mörderischer Zwangsarbeit eingesetzt. Die Todesrate war mit 527 in Frankfurt verstorbenen Häftlingen besonders hoch. Nur knapp 40 Überlebende wurden am 29. April 1945 im KZ-Dachau von der US-Armee befreit.

Auf sich allein gestellt, erlebt der 21-jährige Garlicki im Sommer 1944 den Beginn des Warschauer Aufstands gegen die Besatzer. Er wird festgenommen und nach Frankfurt am Main in das KZ Außenlager Katzbach verschleppt. Mit viel Glück überlegt er das Martyrium. In seinen Erinnerungen, die in deutscher Sprache unter dem Buchtitel Von der Wahrscheinlichkeit zu überleben im Jahr 2021 erschienen, beschreibt er die Auswirkungen von Gefangenschaft, Erniedrigung und Mangelversorgung auf die Häftlinge. Er gibt Einblicke in ihre Verzweiflung, ihre Sehnsucht nach Freiheit, der Heimat und der Familie.

Janusz Garlicki (1923-2015) war Journalist und von 1963 bis 1980 Chefredakteur der Gazeta Pomorska. Er veröffentlichte Gedichte. In den 1980er Jahren begann er, seine Erinnerungen an die Zeit im Konzentrationslager aufzuschreiben.

Katerina Svatonová (Karls-Universität Prag) untersucht in dem Vortrag Experimente auf der Suche nach Wahrheit: OVOCE STROMU RAJSKÝCH JÍME die Metaphernsprache von Chytilovás fiktionalem Kosmos, die Farbkomposition ihrer Filme sowie Jaroslav Kuceras Kameraarbeit. Die opernhafte Detektivgeschichte OVOCE STROMU RAJSKÝCH JÍME stellt den Höhepunkt der experimentellen Formsuche des Autorentrios Chytilová (Regie), Kucera (Kamera) und Krumbachová (Szenenbild) dar.

Katerina Svatonová ist Film- und Medientheoretikern und Professorin für Filmwissenschaft an der Karls-Universität in Prag. Sie hat zahlreiche Publikationen zur Medienarchäologie der tschechischen Moderne und zu Fragen der filmischen und medialen Wahrnehmung vorgelegt und Ausstellungen zum Kameramann Jaroslav Kucera und zur Kostümbildnerin Ester Krumbachová kuratiert.

Zwischen Surrealismus und Subversion: Die Filme von Vera Chytilová
Die Veranstaltung ist Teil der „Lecture & Film“-Reihe, die die Werke der Regisseurin mit Einführungen von Expert:innen präsentiert.